Clou d'une saison particulièrement brillante, la reprise de la nouvelle production de La Walkyrie bénéficie d'une distribution largement renouvelée. Nous ne reviendrons pas sur le détail de la mise en scène, déjà largement évoquée lors de notre précédente chronique : à sa deuxième et troisième vision, les incongruités scénographiques sont moins choquantes, et l'on peut davantage se concentrer sur l'aspect théâtral et musical de la soirée. Sur ces deux points, le changement est d'ailleurs total.

Succédant aux "jeunes" Katarina Dalayman et Jorma Silvasti (estimables chanteurs par ailleurs), Waltraud Meier et Placido Domingo pourraient faire figure de vétérans. C'est loin d'être le cas : habitués à chanter ensemble le couple maudit, les deux artistes sont tellement investis dans leurs rôles qu'ils en retrouvent une seconde jeunesse.

Le premier acte est un grand moment de théâtre qui met le feu à la salle (alors qu'on sait le public de Covent Garden souvent réservé dans ses manifestations extérieures...). Plus rare, les deux chanteurs savent aussi nous surprendre au deuxième acte, et nous donnent l'impression de découvrir cette scène habituellement un peu sacrifiée.

Vocalement, il convient bien entendu de "faire son deuil" des Leonie Rysanek et des James King de l'âge d'or du chant wagnérien. Ceci posé, la performance musicale du présent duo reste tout à fait remarquable.

Certes, les limites vocales de Waltraud Meier sont bien réelles : la voix est celle d'un mezzo qui a gagné en aigu au détriment des notes graves ; le bas médium est assez sec, presque parlando (ainsi dans ses récits) ; les aigus sont bien là, mais manquent de l'ampleur nécessaire dramatiquement (par exemple, dans les appels apeurés à Siegmund à la fin de l'acte II). Néanmoins, l'engagement de l'artiste transcende ses faiblesses et lui permet d'assurer une splendide incarnation. 

De la même manière, la performance de Placido Domingo est confondante : on a du mal à imaginer que le chanteur dépasse les 64 ans. Bien sûr, tout n'est pas parfait : le 8 juillet, le bas médium est un peu graillonnant ; ce n'est plus le cas le 12, mais en revanche les aigus sont plus courts... Qu'importe ces chicaneries face au véritable "don de soi" que constitue l'engagement de cet artiste (toutes les vingt minutes, Domingo avale discrètement une pilule entre deux répliques pour tenir le choc), sans parler de son exceptionnelle musicalité.

Bryn Terfel nous devait une revanche après sa prestation de mars qui l'avait vu terrassé par une laryngite. C'est peu de dire que le défi est largement relevé, tant le chanteur s'impose d'emblée comme un des grands Wotan actuels. Pourtant, la tessiture du rôle n'est pas vraiment à son avantage : Terfel est plus baryton que basse et certains passages "rament" un peu, tel le long récit à Brünnhilde à l'acte II, écrit dans le bas médium. A l'opposé, ses aigus sont moins brillants que ceux d'une basse, contrainte à pousser sa voix au maximum : les imprécations de Wotan sont alors peu spectaculaires. Si Terfel convainc néanmoins, c'est par l'extraordinaire intensité conférée au texte, qu'il nous délivre comme un chanteur de lied (on pense évidemment à Thomas Hampson) : chaque mot est coloré, joué, ciselé, sans pour autant que l'artiste ne tombe dans le piège ni de la surarticulation, ni de la surinterprétation. Ajoutons enfin une endurance hors du commun qui permet au chanteur d'arriver aux "Adieux" frais comme un gardon. On pourra en revanche discuter une vision du personnage qui fait de Wotan un parvenu roturier, dépourvu d'aristocratisme : un comble pour le dieu des dieux.

Déjà protagoniste de l'édition de mars, Lisa Gasteen affirme son interprétation. Les aigus sont cette fois bien assurés, la caractérisation un peu moins histrionique. La chanteuse serait sûrement davantage à sa place en Sieglinde, mais compte tenu de la pénurie actuelle de formats wagnériens, sa Brünnhilde est d'un excellent niveau ; d'autant que l'acoustique des lieux, favorable aux voix, permet d'apprécier pleinement un timbre riche et lumineux.

Rosalind Plowright renouvelle sans changement sa performance de mars : c'est vocalement impeccable, mais assez terne du point de vue théâtral en comparaison avec la démonstration de ses partenaires.

Erik Halfvarson est en revanche totalement époustouflant en Hunding : la voix est énorme, terrifiante, à l'image d'un personnage brutal et sinistre. Un autre grand moment !

La direction d'Antonio Pappano, sans doute contaminé par ce plateau effervescent, gagne en tension sans perdre en élégance : dommage toutefois qu'il accélère excessivement le tempo final, effaçant l'impression de grandeur sublime qu'on est en droit d'attendre.

Il faut reconnaître qu'avec un orchestre de ce calibre, on peut avoir envie d'en finir : si les cordes tirent à peu près leur archet du jeu, il n'en va pas de même des instruments à vent qui couaquent régulièrement, sans que cela ne semble altérer d'une quelconque manière la bonne humeur des instrumentistes. Une telle faiblesse a quelque chose d'incompréhensible face à la qualité générale de cette soirée, mais ne suffit pas à ternir une série de représentations assez exceptionnelles.