Deborah Warner a déplacé l’action à l’époque de la création de l’œuvre comme en témoignent les superbes costumes de Chloe Obolenski notamment lors du bal du dernier acte. En début de soirée, le rideau se lève sur l’intérieur de la propriété des Larina, le décor de Tom Pye représente une sorte de grange tout en longueur dans laquelle se trouvent des tables, des chaises, de la vaisselle. Le tableau du duel se situe sous la neige dans une campagne quasi désertique, faiblement éclairé par les premières lueurs du jour. Enfin le décor du troisième acte frappe par sa sobriété : quatre paires de colonnes gigantesques se détachant sur un fond bleuté et quelques chaises disséminées sur le plateau figurent la salle de bal dans laquelle les voix ont tendance à se perdre. Le dernier tableau ne se situe pas, comme à l’accoutumée, à l’intérieur de la demeure de Tatiana, mais en extérieur, avec toujours les mêmes colonnes au premier plan, derrière lesquelles on devine à nouveau un paysage enneigé dans la nuit.

La distribution, de haute volée, réunit pour les seconds rôles des chanteurs familiers de l’ouvrage. Ainsi, Filipievna et Madame Larina sont incarnées par Larissa Diatkova et Elena Zaremba, déjà présentes en 2017 dans les mêmes rôles. Les deux chanteuses ont conservé leurs moyens intacts, notamment Zaremba qui affiche une voix riche et pleine. Doté d’un timbre sonore, Richard Bernstein ne passe pas inaperçu en témoin de Lenski. Fine comédienne, Maria Barakova est une Olga à la voix fluide et juvénile qui évolue sur scène avec grâce et légèreté. Grand habitué du rôle, qu’il incarne depuis 2009, Tony Stevenson est un Monsieur Triquet délicieux à la diction française impeccable et au phrasé élégant. Ses couplets à l’attention de Tatiana sont chaleureusement applaudis. Le Prince Grémine trouve en Alexander Tsymbalyuk un interprète de choix, la noblesse de sa ligne de chant, la profondeur de son timbre et l’émotion qu’il insuffle à son air du dernier acte lui valent une ovation méritée. Stanislas de Barbeyrac campe un Lenski sanguin aux moyens imposants. Sa jalousie vis-à-vis d’Onéguine éclate de façon spectaculaire au cours de la fête chez les Larina mais c’est son grand air « Kouda, kouda, vy oudalilis » chanté tout en nuances, dans lequel transparait l’ampleur de son désespoir, qui déclenche l’enthousiasme du public. Iurii Samoilov possède un physique de jeune premier et un timbre onctueux qui ne manque pas de séduction, autant de qualité qui font de lui un Onéguine de choix. On pourrait cependant lui reprocher un excès d’arrogance au cours du premier acte. En revanche durant le bal à Saint-Pétersbourg et tout le duo final avec Tatiana, il exprime sa passion ardente et son tourment avec des accents poignants. Asmik Gregorian est sans conteste la grande triomphatrice de la soirée. Son incarnation traduit avec subtilité l’évolution psychologique du personnage, de la jeune fille naïve et un peu gauche du premier acte, à la femme élégante et maîtresse d’elle-même de la scène finale. Même si elle n’a plus tout à fait l’âge de la jeune Tatiana elle parvient à rendre convaincante la scène de la lettre en exprimant avec une sincérité désarmante l’intensité du premier amour. Lors du dernier tableau, c’est avec des accent déchirants qu’elle repousse les avances d’Onéguine. Une incarnation magistrale de bout en bout.

Au pupitre, le jeune chef Timur Zangiev propose une direction extrêmement dramatique avec des tempos retenus, notamment dans les airs, qui laissent s’épanouir les voix des protagonistes. Oublions quelques légers décalages dans le quatuor qui ouvre le premier acte et soulignons les splendeurs orchestrales qu’il déploie dans les danses et la polonaise du troisième acte.

Le 30 mai prochain, le Metropolitan Opera retransmettra dans les cinémas du réseau Pathé Live, Le Dernier Rêve de Frida et Diego de Gabriela Lena Frank, avec Isabelle Leonard dans le rôle de Frida Khalo.

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La soprano américaine Sondra Radvanovsky a ainsi réagi après avoir été mentionnée dans l’affaire, contestant toute irrégularité concernant des prestations pédagogiques aujourd’hui examinées par les enquêteurs (voir ci-dessous).

Le nom de la soprano lituanienne Asmik Grigorian est également cité. Son entourage a toutefois précisé qu’elle n’était pas visée par une procédure judiciaire et qu’elle avait été normalement rémunérée pour son travail au sein de l’institution napolitaine.

L’enquête porte sur des versements liés à des activités telles que des masterclasses, dont certaines pourraient ne pas avoir eu lieu. À ce stade, aucune culpabilité n’est établie, et les artistes concernés défendent leur intégrité.

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Aux côtés d’une saison chorégraphique qui mettra à l’honneur George Balanchine et Peter Martins, Hans van Manen et Edward Clug et proposera également une création de Benjamin Pech (Les Trois Mousquetaires) et un spectacle jeune public autour de la figure du Petit chaperon rouge (musique Benoît Menu, chorégraphie Andreas Heise), la saison des récitals, proposée à un tarif défiant toute concurrence (20 euros la place, et ça descend même à 5 euros pour les Midis du Capitole, qui permettront tout de même d’entendre Sandrine Piau et David Kadouch, Jean-François Lapointe ou Rose Naggar-Tremblay) confirme les ambitions de la maison en la matière : au programme, rien moins que  Rachel Willis-Sorensen, Joseph Calleja ou encore Asmik Grigorian, qui se souvient être venue enfant à Toulouse, quand son père, le ténor Gegam Grigorian, y chantait. Encore une histoire de retrouvailles !

La réservation pour les abonnements ouvrira dès le 31 mars sur le site de l’Opéra National Capitole de Toulouse

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Les interprètes jouent le jeu de la mise en scène. La Salome d’Asmik Grigorian est ainsi assez différente d’incarnations dans un contexte lui laissant davantage de liberté interprétative (au hasard, en concert à Londres sous la baguette d’Antonio Pappano). Le soprano lituanien reste toutefois une bête de scène, avec un jeu à la fois varié et moderne, réaliste. Comme semble le vouloir Warlikowski, sa Salome est dépourvue de perversité lubrique, mais ce n’est pas non plus une pure jeune fille. Si le registre aigu ne lui pose aucun problème, la voix, très droite, manque par ailleurs de la largeur de timbre nécessaire pour exprimer ici une vraie sensualité. Wolfgang Koch met quelques minutes à chauffer sa voix, mais chante le rôle avec une grande facilité, sans jamais sembler forcer. Comme souvent, on reste confondu par l’intelligence de l’interprète. Le rôle d’Herodes est parfois confié à des vieux chanteurs sur le retour compensant par leur histrionisme l’usure de leurs moyens. Ce n’est pas le cas de Gerhard Siegel, acteur subtil, très correctement chantant, sans fausseté, avec une belle projection, et c’est d’autant plus nécessaire que la mise en scène lui impose une relative sobriété : il n’était pas possible ici de compenser le chant par un jeu outré. Claudia Mahnke est une Herodias tout aussi sobre, au timbre cuivré. Joachim Bäckström offre en Narraboth une voix particulièrement percutante, au métal d’une clarté juvénile. Avery Amereau sait se faire remarquer dans le court rôle du page grâce à une voix bien projetée, une vraie capacité à dire le texte et une belle présence scénique. L’ensemble des rôles secondaires sont excellemment tenus. Actuel directeur musical de l’Opéra de Francfort, le jeune Thomas Guggeis (33 ans) offre une lecture plus hédoniste qu’expressionniste. L’orchestre sonne magnifiquement mais toujours proprement, sans véritable théâtre : pas de couleurs glauques, de tension morbide, d’érotisme pervers. Au diapason de la mise en scène, la violence émotionnelle se retrouve ainsi quelque peu extériorisée.

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Ce choix artistique apparaît audacieux car le rôle est traditionnellement dévolu aux mezzo-sopranos. La soprano lituanienne, 44 ans, explique ne pas vouloir attendre un âge où la tessiture pourrait être encore plus problématique ; elle souhaite le chanter tant qu’elle en a la possibilité et l’énergie. Sa présence scénique et son tempérament incandescent suffiront-ils à renouveler l’un des mythes les plus rebattus de l’opéra ? Les attentes sont à la hauteur du pari.

* cf. l’interview d’Asmik Grigorian par Thierry Verger en septembre dernier

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Vous pourriez refuser une mise en scène qui ne correspondrait pas à un rôle tel que vous l’imaginez ?
Refuser non, discuter toujours ! Dans les vingt et un ans de ma carrière il ne m’est jamais arrivé de rencontrer un metteur en scène qui me dise : « Fais ci, fais ça » qui m’aurait contraint à faire ceci ou cela. Et si cela se produisait, il va de soi que je refuserais ; mais jusque-là nous avons toujours trouvé des terrains d’entente.

Que pensez-vous aujourd’hui de l’équilibre entre metteur en scène et chef ?
Si l’on compare avec une certaine époque où c’était le chef qui décidait de tout, de l’équipe artistique etc., il faut reconnaître que les choses ont beaucoup évolué et je dirais que les metteurs en scène ont repris toute leur place. Aujourd’hui je trouve qu’il y a une sorte d’équilibre entre les deux. Et si, par malheur, on se retrouve avec deux personnalités trop importantes, la cohabitation peut être délicate.
Pour cet Otello, il s’agit d’une reprise, ce n’est donc pas une nouvelle production,  ce qui est très différent. Autant vous créez de A à Z un personnage dans une nouvelle production, autant vous devez vous fondre dans une reprise. Dans un sens la reprise est plus simple parce qu’il n’y a pas toute l’énergie à dépenser dans la conception d’un personnage ; mais d’un autre côté, il faut savoir se glisser exactement dans un rôle dont vous n’êtes pas maître a priori. Même si, quand on reprend un rôle, on peut changer des choses et j’ai toujours changé de petites choses, apporté ma touche personnelle aux personnages. Mais c’est vrai que je plains souvent les chanteuses qui doivent prendre ma suite dans les nouvelles productions que j’ai faites !
Je tiens beaucoup à ce rôle de Desdemona, d’abord parce que la musique est d’une incroyable beauté et puis parce qu’il m’importe beaucoup de chanter, entre plusieurs rôles très dramatiques, des rôles plus lyriques, comme celui-ci, qui me conviennent particulièrement.

Il y a eu cette Salome de Hambourg avec Tcherniakov, la Senta de Bayreuth, toujours avec Tcherniakov. C’est un metteur en scène que vous appréciez particulièrement.
Je considère Dmitri Tcherniakov comme l’un des quelques génies que j’ai eu la chance de côtoyer. En plus de cela il est quelqu’un qui m’est très cher ; il peut arriver que nous soyons plusieurs années sans nous voir, mais nous nous retrouvons toujours, je pense souvent à lui et je sais que c’est quelqu’un qui me comprend.

Y a –t-il aussi des chefs dont vous êtes particulièrement proche ?
Oui je m’entends artistiquement vraiment très bien avec Franz Welser-Möst, vous le savez [Asmik Grigorian a chanté sous sa direction Salome à Salzbourg en 2018, Chrysothemis à Salzbourg en 2020 et 2021 et les trois rôles du Trittico à Salzbourg en 2022 ] et j’ai vécu avec lui des moments que je n’oublierai jamais. Mais c’est toujours difficile de citer une seule personne, car il y en a tant que je porte dans mon cœur, qui m’ont tenue par la main, m’ont fait progresser durant toute ma carrière. J’ai vraiment eu une chance incroyable de rencontrer autant de personnes de talent et de générosité à mon endroit.

Il y a eu aussi ce triomphe parisien avec Il trittico.
Pour moi ce moment a été comme un conte de fée. Vous savez, au moment où arrive ce genre de choses, vous ne comprenez pas exactement ce qui se passe ; vous imaginez bien qu’il ne m’était jusqu’alors jamais arrivé que les musiciens d’un orchestre me jettent des fleurs au moment des saluts comme cela s’est passé. Sur le moment vous ne comprenez rien et puis après, quand vous revivez ces moments par la pensée, vous vous rendez compte que ces gens vous donnent tant de marques de reconnaissance, d’amour. Je dois dire que cela a été l’un des plus beaux moments de toute ma vie.

Y aurait-il des moments charnières dans votre carrière que vous auriez repérés ?
C’est difficile à dire. Je pense qu’il y en a eu plusieurs. Vous savez, je crois que j’ai commencé ma carrière sans vraiment comprendre ce que je faisais, si je voulais vraiment de cette vie-là. Et puis il y a eu cette production en 2004 de Jonathan Miller [Donna Anna à Kristiansand en Norvège] qui a certainement été un moment important pour moi, car c’est là que je me suis dit que finalement j’aimerais tenter ma chance dans cette carrière. Ensuite bien sûr en 2006, quand j’ai décidé de chanter Musette et non pas Mimi [à l’opéra de Vilnius elle aura chanté les deux rôles]. Là je me suis dit : « Je vais réussir à trouver mon propre chemin et non pas celui édicté par mes parents ». J’ai chanté toutes sortes de rôles à cette époque et aujourd’hui je suis heureuse de l’avoir fait. Je ne pense pas que cela ait été une erreur de chanter des rôles déjà lourds avant trente ans. En tous cas si ce sont des erreurs je suis heureuse de les avoir faites ! En revanche 2012 a été une année très difficile pour moi avec aussi des problèmes de santé ; je n’arrivais plus à chanter comme je voulais. J’ai pris alors un certain nombre de décisions pour revoir ma technique. En fait ma carrière n’est pas une somme de moments clés, cela ressemble davantage à un long voyage.

Votre voix a-t-elle changé durant ces vingt dernières années ?
Je ne sais pas si ma voix a vraiment changé. Je dirais plutôt que j’ai appris comment bien utiliser mon instrument. Mais fondamentalement, je pense que m’a voix n’a pas changé.

Des rôles encore dont vous rêvez ?
Honnêtement je n’ai jamais rêvé de chanter tel ou tel rôle et pas davantage aujourd’hui. Il y a eu beaucoup de rôles que j’ai voulu chanter sous l’influence de ma mère. Chaque nouveau rôle est une sorte de voyage intérieur pour moi qui me permet aussi de mieux me connaître. Par exemple après avoir chanté Chrysothemis, je chanterai Elektra c’est sûr mais ce n’est pas à proprement parler un rêve. Il y aussi que mon agenda est tellement plein (actuellement jusqu’en 2031-32 je crois). Tellement d’ailleurs que j’ai décidé qu’après 2030, je ferai une pause de quelques années dans l’apprentissage de nouveaux rôles. Vous savez, apprendre de nouveaux rôles est épuisant. Et puis je vais vous dire :  je n’ai jamais eu le temps de « polir » mes rôles. J’aimerais avoir le temps d’approfondir les personnages. Par exemple Norma, l’un des rôles les plus fantastiques qui existent. Je sais que je peux le chanter très très bien, mais il faut du temps pour cela ! Voilà, il y a des rôles pour lesquels j’ai envie de m’arrêter pour réfléchir à ce que je veux en faire. J’ai parlé de Norma mais il y a aussi Isolde, qui est déjà prévu d’ailleurs. C’est typiquement un rôle qui ne peut pas être parfait dès la première fois, il faudra du temps pour le polir. Ou bien Turandot, qui nécessiterait d’être chanté souvent, et non pas avec des interruptions de plusieurs années.

Y a-t-il alors des rôles dont vous auriez rêvé mais pour lesquels vous n’avez pas la voix ?
Je suis quelqu’un qui ne rêve pas de choses qu’il ne peut pas avoir ! Rêver de chanter de tels rôles n’apporte que de la souffrance, et je n’aime pas souffrir. J’ai tellement de chance de posséder cette voix avec un tel éventail de possibilités !

Vous avez évoqué vos parents. Votre père était chanteur, il a été votre professeur, votre mère était chanteuse, vous avez un frère chef d’orchestre. Y a –t-il une vie après l’opéra pour Asmik Grigorian ?
Bonne question ! C’est vrai que l’opéra c’est toute ma vie comme depuis toujours et je crois d’ailleurs que cela le sera toujours. Mais le sens de la vie pour moi c’est la joie. Tant que l’opéra m’apportera cette joie, ce sera ma vie. Et actuellement c’est le cas. Je n’ai jamais eu le temps ni la chance d’avoir des hobbys. Il y a aussi le fait que je suis une mère de deux enfants. Or ce n’est vraiment pas facile d’avoir une vie « normale ». D’un autre côté j’ai conscience que je vis en ce moment le meilleur moment de ma carrière ; toutes les graines que j’ai semées ces vingt dernières années sont en train de se transformer en un magnifique jardin de fleurs. J’ai souvent envie de me poser et de me dire : « Regarde Asmik, profite maintenant ! » . J’ai du mal à le faire mais depuis quelques mois j’y pense sérieusement, parce que je sais que, tôt ou tard, tout cela aura une fin.

Propos recueillis dimanche 28 septembre 2025 au Teatro Real de Madrid

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© Javier del Real

Nous assistons au Cast A (seuls les trois protagonistes principaux sont en alternance). Enkelejda Shkoza (Emilia) met à profit sa menue partition au IV pour séduire la salle. La mezzo albanaise démontre en effet une vigueur dans le jeu et dans la voix qui rendent parfaitement crédible son personnage, souvent montré comme restant dans l’ombre. Les personnages de Roderigo (Albert Casals), Lodovico (In Sung Sim) et Montano (Fernando Radó) se fondent dans le drame et y prennent toute leur place. Airam Hernández est un Cassio dépassé par les événements. La voix est claire et passe bien la rampe de l’immense scène du Teatro Real.
Le point commun aux trois chanteurs des rôles principaux est certainement de gommer toutes les aspérités qui affaibliraient la crédibilité de leurs discours. Il n’y a chez eux aucune exacerbation des caractères, nulle tentative de caricaturer les personnages en poussant à leurs extrêmes les particularités de leurs caractéristiques psychologiques. En ce sens, ils servent parfaitement le propos du metteur en scène explicité plus haut.
Gabriele Viviani est un Iago perfide certes, manipulateur bien sûr, mais pas d’accent diabolique ou grinçant, pas de venin dans la voix. Viviani est un acteur hors pair ; son baryton est juste, plus faible toutefois dans les tréfonds de la gamme (monologue du II) mais la puissance ne fait pas défaut. Asmik Grigorian devient pleinement Desdemona à partir du III où elle surplombe de toute la puissance et la plénitude de son aura l’ensemble à l’arrivée de l’envoyé de Venise. Et que dire de son IV, porté à incandescence par une Grigorian qui tirerait les larmes aux murailles du château-forteresse. C’est peu de dire qu’elle habite Desdemona, elle en partage toutes les émotions, elle qui sait la mort venir et fait défiler devant elle toute l’existence. Il faut pour cela une infinité de moyens pour chanter la cruauté, l’horreur d’une mort aussi inattendue qu’injuste, la piété d’un Ave Maria de jeune moniale ou encore le désespoir déchirant d’un ultime « Addio » tragique lancé à Emilia. Grigorian, on le sait, est actuellement au sommet de son art, prions pour qu’elle y reste !
Brian Jagde n’est définitivement pas un Otello guerrier, baroudeur, rustre ou fruste. Il n’est qu’un mari jaloux, naïf, emporté par les élucubrations d’un faux-frère. Timbre clair, sans aucune raucité ni ombre dans la voix qui enrichirait la peinture du personnage. Son « Esultate » d’entrée est percutant à souhait et, d’une façon générale, rien de ce qui est puissant dans le rôle ne lui fait peur. C’est, au final, une parfaite adéquation entre l’Otello voulu par Alden et celui proposé à Jagde. Et ce n’est pas rien.

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Parmi tant de belles propositions, un des concerts de minuit (commençant à 22h30) avec à l’affiche le récital d‘Asmik Grigorian accompagnée par Lukas Geniusas semblait incontournable. Et ce fut une petite déception. Dans la belle salle du Romania Athenaeum, le public est présent en nombre. Le programme est celui de la tournée européenne de la soprano lituanienne : des extraits de recueils de mélodies et de romances de Piotr Ilitch Tchaïkovski et de Serge Rachmaninov, auquel s’ajoute le Nocturne en ré bémol majeur de George Enescu (une œuvre impressionnante mais de plus de vingt minutes, nuisant à l’équilibre du récital). Ces recueils de mélodies et de romances ont en commun la langue russe des textes de grands poètes choisis par les deux compositeurs, la sensibilité toute slave de l’expression musicale, tout un petit théâtre parcourant l’étendue des sentiments, des lieux, des personnages du folklore national. Avec Tchaïkovski, nous voilà d’abord « Au milieu du vacarme du bal » (opus 38), la valse au piano accompagnant la naissance de l’amour, avant le constat d’échec de la mélodie n° 6 (« De nouveau seul, comme avant », opus 73), composée quelques mois avant sa mort. Cette tristesse précède la cantilène de la mélodie n° 4 de l’opus 6, « Non, seul celui qui connaît la nostalgie », au ton plus noble, moins déchirant. L’interprétation de la chanteuse verse cependant (souvent excessivement) dans l’éloquence opératique pour un répertoire plutôt dédié aux confidences et aux hymnes subtiles (« Je vous bénis, forêts, vallées… » opus 47). Jusqu’à la fin du récital, y compris avec certains airs de Rachmaninov, Asmik Grigorian ne ménage pas assez l’oreille de l’auditeur, faisant un peu trop étalage de sa large amplitude vocale. La riche et sombre texture de son timbre de soprano lyrique est remarquable, mais les hautes notes semblent artificiellement tenues. Même si elle sait chanter mezza voce, recourir à d’expertes variations dynamiques, à aucun moment l’émotion ne surgit. La sérénade de la mélodie n° 3 (opus 4) nous laisse de glace, de même que dans la romance n°4 (« Ma jolie, ne chante pas », opus 4) la souplesse de la voix épouse bien les variations du sentiment mais sans réelle puissance d’évocation. Elle n’est pas vraiment aidée par son remuant pianiste, qui semble vouloir rivaliser avec elle (si certaines pièces se caractérisent par de longues introductions et conclusions, force est de constater que Lukas Genusias n’a pas encore trouvé sa place d’accompagnateur). Ce sera ainsi jusqu’à la fin du récital, où la mélodie « Dissonans » (opus 34) de 1912, vrai air d’opéra, permet encore à Asmik Grigorian de montrer ses vastes capacités, sans parvenir à nous intéresser au désespoir de la jeune fille qu’elle interprète. Tout le contraire de l’interprétation la veille des Folk Songs de Luciano Berio par Magdalena Kozena. Accompagnée par le grand Daniel Harding à la tête de l’Orchestre de l’Académie Sainte-Cécile, la mezzo tchèque a su déployer une science technique jamais dénuée de sensibilité. Même si son timbre s’est un peu durci, la chanteuse a su, elle, nous happer grâce à une incarnation des plus foisonnantes et poétiques.

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