En effet, l’œuvre ne se permettra que quelques audaces dissonantes, surtout dans le dernier acte pendant que le livret enchaînera les poncifs manichéens : Picasso toréador seul contre les autres, Picasso se querellant avec Velazquez figure du passé, Picasso seul moderne etc. Et ce n’est pas le pied de nez de la vente aux enchères finale où il est coiffé au poteau par Pollock dans la course à l’œuvre la plus chère de l’histoire qui rattrapera un tel amas de balivernes. De même, ce n’est pas un beat de hip hop pour accompagner le choeur et l’orchestre qui révolutionnera la musique. Tout comme ériger les graffitis en horizon ultime de l’héritage de Picasso prête à rire quand on sait que ceux-ci trouvent à présent leur place aussi bien sur la carlingue des avions de ligne que dans les musées. Tout cela finit de discréditer ce Pintor dans sa réalisation même.

© J. Villanueva

Satisfaction en revanche avec l’orchestre du Teatro Real qui fait vivre avec métier cette partition de bruit et de fureur plus que de chaos. Les transitions et pastiches musicaux (marche militaire, musique de cabaret, espagnolade) sont bien mis en valeur par Manuel Coves qui a compris qu’en guise de modernité il faudrait se satisfaire de quelques merles dissonants et faire semblant de prendre la vessie du patchwork pour la lanterne de la nouveauté. Le niveau vocal malheureusement n’aide pas à défendre la soirée. Le choeur de la Comunidad de Madrid est bien aigre et rigide, Cristina Faus (Gertrude Stein) tente de dynamiter sa ligne vocale de fausses notes, Toni Comas (Velazquez/Apollinaire) ne propose guère mieux et Josep Miquel Ramon (Mefisto) s’épuise dans un rôle à l’ambitus trop large. Alejandro del Cerro a fort à faire avec Nicasso, personnage toujours en scène et lorgnant sur le ténor héroïque. Il s’en sort avec les honneurs mais au prix d’un chant brut de fondere, sûrement pour rappeler que Picasso ne vaut pas Gonzalez en matière de sculpture. Belen Roig (Fernande) et Ivan Garcia (chef de tribu) apportent eux toute satisfaction.

La réalisation scénique stimule un tant soit peu l’intelligence et le plaisir du spectateur. Plateau et fond de scènes noirs s’illuminent de rectangles ou autres formes géométriques en led. Ces cadres de lumières sont les réceptacles de projections vidéos bluffantes qui donnent vie aux œuvres du peintre pendant que le pauvre Alejandro del Cerro agite un pinceau géant dans les airs, tel un épileptique en pleine crise. Bianca Li signe d’élégantes chorégraphies et assigne à chaque sexe une fonction : les femmes seront des muses et les hommes des obstacles au génie du maître (créanciers, figures des esthétiques dépassées…). Mais la encore, on ne peut s’empêcher de constater, que pour bien fait, cela ne risque pas d’effaroucher le spectateur, prisonnier de l’entre soi, du quatrième mur et de l’élégance clinquante à la manière d’un magasin de mode. Si, à chaque tentative, la création risque de sombrer dans l’académisme toujours en embuscade, alors nos créateurs du jour ont fait la démonstration brillante que tout, absolument tout, finit par devenir académique. Même les échecs. Signe qu’on a bien remué tous ces exquis excréments, ce cochon de bourgeois applaudit et en redemande aux saluts.

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Visuellement, cette volonté de retour aux faits se traduit par le choix de somptueux costumes d’époque, celui d’Elisabeth reproduisant le célèbre portrait par Pantoja de la Cruz, et Philippe II échappant au noir, avec notamment une superbe tenue jaune pour l’Autodafé ; à l’inverse, dans un louable souci d’anti-zeffirellisme, le décor opte pour un dépouillement extrême, puisqu’il se réduit à un vaste sol dallé, dont un carré s’ouvre pour former le tombeau de Charles-Quint, ou dont les coins arrières se redressent pour conférer un peu d’intimité au cabinet du roi. Malgré la volonté de laver Don Carlos plus blanc, tout le fond du décor est…noir, et la fidélité historique impose la présence de quelques hérétiques torse nu et coiffés du san-benito, la fumée de leur bûcher asphyxiant les courtisans à la fin de l’acte II. Quant à la partition, c’est la version italienne qui a été retenue, avec néanmoins quelques coupes et ajouts dans l’Autodafé et le tableau de la prison.

© DR

En 1567, lorsqu’il aida le soulèvement des Pays-Bas, Carlos avait 22 ans et il devait mourir l’année suivante. José Bros n’a pas vraiment la silhouette d’un jeune homme à peine majeur, mais ce n’est en fait pas un problème dans la mesure où le personnage, criblé de névroses et de tics, n’a pas ici à séduire ; son timbre clair et sonore suffit à conférer jeunesse et ferveur à son Don Carlo. John Relyea est un Philippe II altier et à peine quadragénaire, et donc conforme à la réalité historique ; c’est aussi une vraie basse, habituée à incarner les figures maléfiques. Pour ce qui pourrait bien être une prise de rôle, il reste encore à creuser certains aspects du personnage, car l’intérêt du monarque pour l’art, souligné par la mise en scène, ne suffit pas tout à fait à le rendre plus humain et plus sympathique qu’à l’ordinaire. L’Elisabeth de Virginia Tola fait une entrée assez peu remarquable : on ne l’entend guère dans les ensembles, et ses adieux à la comtesse d’Aremberg passent inaperçus. A l’inverse, « Tu che le vanità » la montre parfaitement maîtresse de ses moyens vocaux et dramatiques, convaincante du grave à l’aigu. Ángel Ódena est un baryton très solide et sonore, même si la justesse semble parfois moins certaine. Scéniquement superbe, Ketevan Kemoklidze possède un beau timbre de mezzo, mais la diction pourrait parfois être plus claire. Même privé du premier acte (et de la scène de l’émeute dans la prison), le chœur de la Communauté de Madrid ne manque pas d’occasions de briller. A la tête de l’orchestre, le chef chilien Maximiano Valdés impose des tempos généralement rapides, y compris dans les moments les plus solennels.

Produit par les Teatros del Canal, de Madrid, le spectacle sera repris en février prochain dans la capitale, avec une distribution qu’on annonce 100% espagnole.

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