Cette soirée restera aussi dans les mémoires car rien ne fait défaut dans l’entourage de Nina Stemme. Les petits rôles excellents, Miljenko Turk dessine un Melot fielleux et sonore ; Andrei Bondarenko a l’élégance de proposer un Kurwenal sans esbrouffe. Le Marke de Maxim Kuzmin-Karavaev s’avère racé à défaut d’être complètement incarné. Quelle élégante idée d’avoir convié Violeta Urmana – autre Isolde en son temps – pour incarner une Brangäne véritable nourrice prête à accompagner sa collègue dans « l’après ». Pour remplacer un Stephen Gould parti trop vite, c’est le Suédois Michael Weinius qui a été appelé. Il endosse le rôle avec une endurance à toute épreuve que quelques nasalités et notes métalliques ne viendront pas entacher. Le directeur musical du Massimo, Omer Meir Wellber, fouette un orchestre déjà remarqué dans Parsifal il y a quelques années. C’est un sans-faute, dans une lecture rapide et tendue, à peine oublieuse de son plateau çà et là.

Jamais Nina Stemme n’a été aussi intense dans son interprétation, comme s’il avait fallu cet ultime hommage pour aboutir à cette interprétation historique, permise par un metteur en scène qui aura imaginé toute une illusion juste pour ce moment, ce soir-là. Dans le public, les gorges sont serrées par une émotion intense et exultent en bravi à peine la dernière note achevée.

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Mariame Clément signera la nouvelle production de Don Giovanni dirigée par le jeune chef américain Evan Rogister. Andrey Zhilikhovsky et Andrei Bondarenko  alterneront dans le rôle-titre. Donna Anna sera interprétée par Venera Gimadieva et Donna Elvira par Ruzan Mantashyan. Oleksiy Palchykov sera Don Ottavio. Issu de l’Atelier Lyrique / Académie de l’Opéra national de Paris, le jeune (et déjà remarqué) Mikhail Timoshenko sera Leporello.

La création in loco de Dialogues des Carmélites risque d’être un des must de la saison : elle sera signée par Barrie Kosky et dirigée par Robin Ticciati à la tête du London Philharmonic Orchestra. La distribution inclue Danielle de Niese en Blanche de la Force et Katarina Dalayman en Madame de Croissy. 

Ticciati dirigera également une nouvelle reprise de la production de John Cox du Rake’s progress (créée en 1075), avec le London Philharmonic Orchestra, Thomas Atkins (Tom Rakewell), Sam Carl (Nick Shadow) et Louise Alder (Ann Trulove). 

L’Elisir d’amore sera donné dans une reprise de la production d’Annabel Arden, transposée dans les années 40. Liparit Avetisyan et Matteo Desole seront Nemorino en alternance, aux côtés de la Norina de Nardus Williams. Biagio Pizzuti en Belcore et Renato Girolami en Dulcamara complètent la distribution. Le London Philharmonic Orchestra est placé sous la direction de Ben Gernon.

Semele connaitra aussi sa première scénique locale dans une mise en scène d’Adele Thomas. Václav Luks dirigera l’Orchestra of the Age of Enlightment et une distribution de jeunes chanteurs parmi lesquels Joélle Harvey (Semele), Jennifer Johnston (Juno), Stuart Jackson (Jupiter) et Samuel Mariño (Iris).

Enfin, Dalia Stasevska dirigera le  London Philharmonic Orchestra pour une reprise de la production de Peter Hall d’A Midsummer night’s dream. L’opéra de Britten ser interprété par Liv Redpath et Soraya Mafi (Tytania en alternance), Samuel Dale Johnson (Demetrius), Rachael Wilson (Hermia) et Caspar Singh (Lysander).

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Des premières compositions de 1890 à celles de 1916, , de mélodies en mélodies, différénts interprètes semblent se passer le témoin au gré de leurs envies. Cette diversité de voix, qui fait ressembler cette intégrale à un opéra sans livret, constitue l’une de ses grandes forces puisqu’elle revitalise sans cesse l’écoute. On y entend ainsi deux sopranos différentes (Evelina Dobraceva, Ekaterina Siurina), une mezzo (Justina Gringyte), un ténor (Daniil Shtoda), deux barytons (Andrei Bondarenko, Rodion Pogossov) et une basse (Alexander Vinogradov) : autant d’artistes de haute tenue au service de la musique de Rachmaninov. Devant une telle cohérence, où c’est le tout qui fait l’œuvre, on hésite à détailler les qualités de chacun, tant elles semblent indissociables de celles des autres. On ne s’abstiendra pas toutefois de relever la voix dorée de Daniil Shtoda un ténor dans la plus belle tradition russe, ni de s’émerveiller de sa ligne vocale noble et imperturbable. Evelina Dobraceva est aussi convaincante dans les passages les plus tourmentés que dans les moments plus intérieurs, où la voix se fait presque parlée. Justina Gringyte surprend agréablement par un timbre de mezzo-soprano étonnant de fraîcheur et de légèreté. C’est pourtant le chant éblouissant, d’une distinction proprement royal de Ekaterina Siurina qui s’impose comme l’expérience la plus bouleversante du disque. Andrei Bondarenko joue des couleurs luxuriantes, presque débordantes de son instrument auquel répond, en contrepoint, la concentration sonore plus intérieure de Rodion Pogossov. Enfin Alexander Vinogradov allie des moyens substantiels à une autorité vocale incontestable.   

Mais le véritable maître de cette extraordinaire société, c’est le pianiste Iain Burnside. En osmose parfaite avec chacun des chanteurs, il se fait tantôt le chantre d’un Rachmaninov orchestral et débordant, tantôt, celui des couleurs délicates et chambristes des printemps russes, des cerises, du Petersbourg d’Anna Akhmatova. L’auditeur n’a plus qu’à fermer les yeux, et à se laisser couleur dans un tourbillon d’harmonies et de sensations, porté, guidé par les interprètes de cette intégrale inspirée, que l’on quitte avec une nostalgie toute slave. 

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Ce huit-centième enregistrement (au moins) des Noces de Figaro se prétend follement novateur et totalement original. Allons bon. Il suffit de nous dire cela pour qu’on l’écoute avec grande méfiance, voire un certain brin de malveillance. Car prétendre faire la leçon à Kleiber, Karajan, Böhm, Walter, Harnoncourt, Muti, Solti impose des preuves, et plus vite que ça. Plus qu’on n’écoute, donc, on scrute, on examine, on carotte, on farfouille.

Et, il faut bien le dire, à la quatorzième audition intégrale de cette nouvelle version, on n’est pas mécontent.

On se doit même d’avouer une certaine satisfaction face au travail de Teodor Currentzis et de son équipe. On n’est pas bien loin de se déclarer conquis. Pour peu qu’on nous y pousse, on se permettra même de confesser un immense bonheur, une joie intense, des transports enthousiastes.

Bref, en un mot comme en cent, ce type est un génie.

Ne nous arrêtons pas à l’ouverture : il est presque impossible de la manquer. Disons qu’il la réussit mieux que 99% des chefs, car il y met une sorte d’élan dansant et sensuel irrésistibles. Mais bon, c’est trop facile. Passons à la suite. La suite, c’est … la même chose.

Cette folle journée est une journée dingue. La tension y monte, y retombe, revient, nous étrangle, nous lâche, nous reprend. L’œuvre s’empare de nous comme une houle, comme un torrent qui nous propulse et nous rend avides de la suite, sans trêve, sans pause.

Pourtant, Currentzis ne semble pas chercher la hâte : il cherche surtout un pouls. Et nous-mêmes devenons rythme, et parfois transe. Chaque finale est une fête sonore et dramatique. Les déflagrations s’intensifient – n’est-ce pas ce que voulait Mozart ? Mais la tendresse y est, elle est même tout à fait singulière, inouïe peut-être à ce point chez Mozart : car elle est dans la vibration du son – qu’ils soient instrumentaux ou vocaux. Rarement voire jamais aura-t-on entendu un tel raffinement, un tel modelé non des couleurs ou des timbres même, mais du vibrato. Simone Kermes est à cet égard exemplaire, avec un « Dove Sono » de sonore dentelle, mais le « Deh vieni » de Fanie Antonelou avec cet espèce de souffle sur la voix, volontaire, altérant légèrement le timbre, comme un halo, comme un frisson, est également admirable, comme l’est le pas cadencé du « Non più andrai ». Oui, ce qui vibre vit.

On pourra certes s’agacer du goût du chef pour l’accentuation systématique sur les premiers temps, mais c’est ce caractère systématique justement qui fait comprendre comment le discours mozartien s’articule, se relance, se nourrit de lui-même, bondit et rebondit, et combien un même procédé, répété cent fois, produit toujours un effet de surprise et non de lassitude.

A quoi bon détailler ce qui, par mille détails, fait un ensemble neuf ? Allez donc écouter, plongez et ne ressortez qu’une fois terminée l’expérience de cette course aux mille détours. Et vous me direz aussi si vous n’avez pas remarqué qu’une star est née : Andrei Bondarenko, tout simplement le meilleur Comte depuis, depuis… depuis très longtemps ! L’aisance, la jeunesse, la fièvre, la fibre mâle, la sensualité, le métal, la brutalité, et ce murmure renversant sur « Contessa perdono », tout est superlatif, mieux : définitif. Il ne sera pas Guglielmo dans le proche Cosi. J’ignore si Currentzis fera de lui son Don Giovanni – mais on ne peut qu’en rêver.

Bref, une version pour le moins recommandable.

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