Faute de grives, l’on se rabat affamé sur les merles. Les comprimari tiennent leur rang, notamment  Fabrizio Beggi qui brosse un portrait à la fois noble et cauteleux de Géronte de Ravoir. Dalibor Jenis connait son Lescaut et le récite avec soin. Le chœur affiche une belle cohésion doublée d’une certaine aisance scénique. Un merle rare pourtant, dont les ailes battent gracieusement ou fouettent les airs selon les situations, transforme la soirée. Toutes ces nuances, la romance, la fièvre, la fuite, le désespoir qui manquent, l’orchestre les prend à son compte. Gianandrea Noseda s’appuie sur ses fondamentaux : des tempi vifs bien souvent, des contrastes et l’art de difracter son orchestre pour mettre en valeur simultanément plusieurs plans musicaux, ou des solos (mention pour la harpe, le hautbois et la flûte). C’est ainsi que Puccini retrouve ce qu’il doit à Wagner dans l’enchaînement ou la superposition de motifs. L’italianità des accélérations dans les finals et des suspensions de rythme (le prélude du troisième acte exige une concentration intense des musiciens pour suivre les points d’orgue) vient se marier parfaitement à cet ensemble.

La mise en scène enfin joue la carte du grandiose et de la fidélité. Il ne manque pas un bout au navire du port du Havre, pas un colifichet aux costumes et pas un lacet aux corsets. Si le cadre est visuellement flatteur, la direction d’acteur ne vient aucunement en aide aux protagonistes. Au final, cette débauche nuira au déroulé de la soirée. Ces décors sont lourds et exigent un entracte de vingt-cinq minutes à chaque tombée du rideau. Quatre actes et trois entractes donc : un hachage menu de la partition qui agace tout à fait le spectateur.  

(Nota bene : les photos d’illustration ont été prises avec la première distribution)

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Académique, la direction de Roberto Abbado avec ses tempi majestueux et son flux discursif coulé dans un marbre inerte. L’orchestre et le choeur du Teatro Regio se montrent comme les jours précédents à la hauteur d’une partition dont ils connaissent les moindres contours. Il n’est cependant pas de leur ressort de transformer le plomb en or.

Académique, l’interprétation vocale, irréprochable et même admirable compte tenu de la difficulté de l’écriture, mais figée dans un style d’une autre époque, comme si plusieurs générations de chanteurs belcantistes n’avaient pas renouvelé la manière d’appréhender la musique romantique du premier ottocento. Ni variations, ni recherche d’effets expressifs. Les notes rien que les notes dans leur implacable exigence, ce qui est déjà énorme mais s’avère insuffisant pour donner vie au drame. Pollione gladiateur, invincible, tout de muscle et de projection (Roberto Aronica) ; Adalgisa superbe et abimée dans la contemplation d’un chant égal et long (Veronica Simeoni) ; Oroveso en retrait – Riccardo Zanellato, attendrissant dans La Bohème trois jours auparavant, s’abrite derrière les chœurs au premier acte, peine à assumer ses responsabilités de père, de chef militaire et spirituel au second : dur, dur d’être un héros – ;  Norma tendre comme une agnelle – Maria Agresta n’a ni les crocs féroces, ni les griffes aiguisées. Son « Casta diva » éclairé d’une lumière uniformément bleutée est un instant de poésie pure qu’un « Ah! Bello a me ritorna » désarmé ne relève pas, tout comme plus tard un suraigu affuté ne parvient pas à éperonner ses interventions les plus dramatiques : « Oh, non tremare, o perfido »  bien peu menaçant, « Son miei figli » pâle comme du vin dilué dans l’eau , « In mia man » dépourvu de ce petit frisson sadique qui donne la chair de poule, etc.

Académique enfin, la mise en scène d’Alberto Fassini, reprise par Vittorio Borrelli. Non les costumes et les décors qu’au contraire de Maurice Salles, nous n’avons pas trouvé dérangeants – simple affaire de goût –, mais ainsi que le relevait justement notre confrère, la gestion du mouvement qui semble n’avoir d’autres intentions que la composition de jolis tableaux inanimés. Cette absence de direction théâtrale n’aide assurément pas les chanteurs dans leur dure tâche d’interprète. Espèrons que Maria Agresta et Riccardo Zanellato, attendus dans ces mêmes rôles en décembre prochain au Théâtre des Champs-Elysées, trouveront dans le travail de Stéphane Braunschweig et de Riccardo Frizza  – le metteur en scène et le directeur musical de la nouvelle production parisienne – davantage matière à se lâcher.

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Côté chanteurs, aucun nuage ne vient troubler un ciel déjà serein, de Laviana Bini, bon pied bon œil quand Berta est trop souvent confiée à des chanteuses à bout de voix, à Antonino Siragusa, Almaviva malicieux au timbre certes particulier mais un des seuls aujourd’hui à pouvoir assumer toutes les facettes du rôle : qu’elles soient virtuoses – « Cessa di piu resistere » donc, assuré crânement dans toutes ses circonvolutions – ou élégiaques – l’usage de la voix mixte lors de la sérénade « se il mio nome saper voi bramate » qu’il accompagne lui-même à la guitare, en véritable chanteur de charme. Roberto de Candia prête à Figaro la rondeur bonhomme de sa silhouette et le soutien de son baryton solide et véloce, dont seul l’aigu abusivement couvert freine la spontanéité. Nicola Ulivieri et Marco Filippo Romano forment un duo de malfaiteurs d’une complémentarité réjouissante, le premier d’une noirceur inquiétante dans un air de la calomnie aux effets savamment mesurés, venimeux, insidieux jusqu’à un assourdissant « colpo di cannone » ; le second authentique basse bouffe avec tout ce que cela signifie de truculence, de sens du ridicule et de maîtrise du chant syllabique dans le redoutable « A un dottor della mia sorte ». Peu connue en France où elle n’a – sauf erreur de notre part – jamais été invitée à chanter, Chiara Amarù nous avait déjà tapé dans l’oreille, à Parme dans le rôle pourtant dramatiquement ingrat de Preziosilla, et auparavant à Pesaro, en Rosina. Déjà elle proposait de la future Comtesse Almaviva un portrait accompli, tant dans l’esprit – mutin – que dans la voix avec un mezzo-soprano charnu qui, par l’égalité des registres et la variété des couleurs n’est pas sans rappeler Teresa Berganza. De nouveau, nous voilà sous le charme de ce timbre original, difficile à définir, velouté, capiteux, enivrant qu’une maîtrise accomplie du style rossinien – avec notamment des variations inédites dans sa fameuse cavatine – projette ce soir encore au premier plan.

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A moins de trente ans, Andrea Battistoni est encore un gamin. Sa direction n’en expose pas moins une maturité, réjouissante par la précision et l’exaltation de sonorités à la magie préservée. Faut-il rappeler que l’œuvre vit le jour il y a plus d’un siècle dans ce même théâtre – détruit par un incendie et reconstruit depuis ? Chœurs et orchestre semblent s’en souvenir tant la musique s’écoule naturelle.

Les chanteurs ont passé l’âge de perdre leurs illusions mais possèdent suffisamment de métier pour rejouer une histoire qu’ils connaissent par cœur. Riccardo Zanellato est ce Colline à la voix enveloppante dont le vieux manteau, salué tendrement, continue de faire couler une larme. Maria Teresa Leva chante encore Musetta sans l’ombre d’une difficulté quand son soprano ample et généreux évoque à présent Mimi – qu’elle devrait d’ailleurs interpréter à Cremone en octobre, en attendant Violetta l’année prochaine à Liège. Markus Werba interprète un Marcello juvénile, trop presque dans ce contexte. Rodolfo ne correspond plus exactement à la voix de Stefano Secco depuis que le ténor a alourdi son répertoire. Le timbre s’est durci, l’aigu atteint ses limites et les nuances se font rares mais la sincérité demeure. Surtout, Barbara Frittoli en remontre à tous ceux qui seraient tentés d’ironiser sur une Mimi plus expérimentée que ne le veut l’histoire. Le vibrato est maîtrisé, les couleurs automnales participent à l’interprétation et la richesse des inflexions – le soin porté à chaque mot, la juste utilisation du volume et des appuis – prouve que la soprano fait désormais partie du petit clan de celles dont chaque intervention se transforme en leçon de chant.

Expérience et tradition : les deux mamelles de l’opéra d’un autre temps ? Pourtant, le public en ce soir d’ouverture du festival est beaucoup plus jeune que la veille à Orange et l’avant-veille à Aix. Voilà qui apportera de l’eau au moulin des contempteurs de la modernité scénique, sans nous convaincre cependant de rallier leur camp.

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