Ce triomphe lui vaut d’être l’invité vedette d’un des deux concerts « lirico-sinfonico » de cette 45e édition. Las, les festivaliers ont la mémoire courte. C’est dans un Teatro Rossini clairsemé que Giorgio Caoduro renoue avec le public pésarais. Le programme alterne équitablement pages lyriques et symphoniques. Haendel et Mendelssohn en tour de chauffe apportent la preuve que musiciens et chanteur sont à leur meilleur dans Rossini, fût-il revisité sous forme de suite orchestrale par Benjamin Britten.

Giorgio Caoduro © Amati Bacciardi

En peu d’années, la voix de Giorgio Caoduro a gagné en ampleur et en profondeur. « Revenge, Timotheus cries » et l’aria di tempesta de Zoroastro voudraient cependant plus d’assise et d’autorité. Surtout la technique de vocalisation, à bout de souffle, avec ses notes débitées en rafale, apparaît incongrue dans le répertoire haendélien. Tout comme les sonorités romantiques de l’Orchestra Sinfonica G. Rossini sonnent compassées pour des oreilles habituées à la vivacité des ensembles baroques.

Que le programme revienne en terrain plus familier et la direction de Jacopo Brusa retrouve verve, pertinence et colonne vertébrale rythmique. L’ouverture de Semiramide possède cet élan sans lequel le drame ne pourrait trouver ses marques. Malgré le soutien apporté par l’orchestre, Assur peine à convaincre. « Si, vi sarà vendetta », sa grande scène, exige une noblesse et un phrasé étrangers à une manière de chanter qui transforme la ligne en pointillés. Dans le Rossini buffa en revanche, Giorgio Caoduro s’impose sans l’ombre d’un doute, la vocalise et les variations ajoutant au comique des situations : Batone agité de hoquets, Dandini drolatique, persifleur, insolent et, en unique bis, ce Filippo de La Gazzetta sans rival aujourd’hui autant qu’hier.

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C’est cette ambigüité permanente qui fait pour nous le sel de la conception de Lorenzo Regazzo et qui, après nous avoir séduit, nous invite à la réflexion. Mettre en scène aujourd’hui les œuvres du passé, est-ce les remanier jusqu’à les défigurer, ou les embaumer dans de pseudo- reconstitutions ? S’il existait une voie médiane, qui modernise sans trahir l’essentiel ? En composant ce personnage de metteur en scène qu’il interprète lui-même, Lorenzo Regazzo visait-il quelqu’un en particulier ? Sa cible serait un individu sur le retour, dogmatique mais indécis, despotique mais obscur, affligé probablement d’un eczéma, d’où des démangeaisons, et de troubles de la miction, d’où le pot de chambre et les images récurrentes d’urinoirs. Les personnages sont « modernisés » par les costumes destinés à amuser plus qu’à impressionner : l’élégance britannique a fait long feu chez Mill, et le caleçon de Slook aux motifs du drapeau américain a peut-être pour fonction de révéler l’inféodation des Canadiens au mercantilisme de leur grand voisin. On peut regretter qu’ainsi disparaisse la rusticité qui fait de Slook un avatar lointain du bon sauvage ; mais ce serait oublier que nous sommes censés regarder le concept du metteur en scène.  

Il serait long de relever toutes les références aux incongruités diverses que Lorenzo Regazzo a malicieusement inventoriées ou inventées, qui relèvent des « idées géniales » auxquelles chacun d’entre nous a été une fois ou l’autre confronté. Certaines trouvailles sont toujours irrésistibles, comme l’effet catatonique sur le possédé de l’image de Zeffirelli,  et le DVD permet de les redécouvrir et de les savourer, comme le monologue de Mill qui devient une confidence à un psychanalyste. Reste que tout en moquant le Regietheater ce spectacle est une éclatante illustration de ce qu’il peut être quand la régie est confiée à quelqu’un qui possède à fond les codes des œuvres, et Regazzo connaît son Rossini sur le bout du doigt. Il réalise là un comble de malice qui nous semble à l’unisson de celle du compositeur de dix-huit ans en train de faire les quatre-cents coups à Venise. C’est une réussite rare !

Les chanteurs confirment les qualités qui nous avaient séduit lors de la représentation du 14 juillet, avec pour chacun d’eux une aisance scénique et vocale confirmée. Un peu moins rogue sonne le Tobias Mill de Matija Meic, encore plus percutant le Slook de Roberto Maietta, encore plus drôle la Fanny d’Eleonora Bellocci, dont les aigus, est-ce l’adrénaline de la dernière, sont encore plus brillants, manifestement plus à son aise le ténor Xiang Xu, tant vocalement que scéniquement, impeccables le Norton de Javier Povedano et la Clarina de Maria Rita Combatelli. Le rendu de l’orchestre est probablement encore plus affiné, le partenariat entre la pianoforte et l’ensemble toujours aussi satisfaisant, la direction de Jacopo Brusa confirme sa précision élégante. La prise de son est bonne et les prises de vue se concentrent presque toujours sur l’essentiel. Autant de raisons de recommander cette cure d’ironie au carré !

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Accueillie avec faveur par le public, cette vision satirique du regietheater est d’une drôlerie incessante dans une invention qui semble inépuisable. Ainsi, c’est habillé en femme qu’Edoardo informe Slook que Fanny est réservée à d’autres amours, puisque l’ambigüité sexuelle est devenue un lieu commun. Le monologue de Tobia Mill avant le duel devient une confession sur le divan d’un psychanalyste plongé dans la lecture de Psychopathia sexualis et qui n’est autre que Slook. Et Norton a trouvé l’astuce pour calmer momentanément la frénésie du metteur en scène : la photographie de Zeffirelli agit sur lui comme un crucifix sur un possédé. Nous nous arrêterons là pour ne pas gâcher le plaisir de la découverte.

Sans doute des objections se font jour : mais ce personnage, quand il intervient, casse le rythme de l’œuvre ! C’est vrai, puisque la musique s’arrête. Et c’est là un autre tour de force, réalisé par le chef d’orchestre, les musiciens et les chanteurs : l’impression musicale n’en souffre pas. Pour sa première direction à Bad Wildbad, où il est assistant depuis des années, Jacopo Brusa réalise un sans-faute, dans ces circonstances particulières. Avec la complicité étroite de l’excellent Gian Luca Ascheri au pianoforte ils réussissent la gageure de donner l’illusion de la continuité musicale en dépit des interruptions du tissu. L’orchestre sonne juste, gai, et allie la vivacité au lyrisme dans un équilibre à la fois tonique et élégant.

© Patrick Pfeiffer für WLB

Les chanteurs sont évidemment au cœur de l’entreprise puisqu’ils doivent jouer les personnages de la farce et les interprètes, partagés entre soumission, contrainte et rébellion, jouent le jeu sans réserve. C’est une autre explication du succès de l’entreprise. Si le Tobia Mill de Matija Meic a un chant un peu trop rogue à notre goût et un jeu théâtral un peu fruste pour ce personnage de bourru au bon cœur, on applaudit sans réserve ses partenaires. La Fanny d’Eleonora Bellocci a la précision du chant et le charme de la personne qu’on souhaite trouver dans le personnage. Son Edoardo est campé par Xiang Xu, ténor chinois qui confirme les impressions flatteuses de l’an dernier quand à l’ampleur et à la rondeur de sa voix et qui gravit un palier dans la maîtrise scénique. Le Canadien pragmatique est campé avec brio par Roberto Maietta, qui semble se couler avec facilité dans l’exubérance du personnage et dont la présence vocale confirme a posteriori le bien-fondé de son Prix du public décerné in loco en 2017. Le rôle de Norton ne donne guère l’occasion à Javier Povedano de s’exhiber comme soliste, alors que celui de Clarina le permet à Maria Rita Combatelli dans l’air « Anch’io sono giovane » que le facétieux Lorenzo Regazzo lui fait interpréter à la demande du metteur en scène comme un numéro soft du Crazy Horse.

Alors, oui, l’œuvre est bousculée, puisqu’elle est interprétée dans un tempo qui n’est pas celui de la continuité de la partition. Mais on touche au point névralqique qui fait de ce spectacle du grand art : ces interventions ont la durée nécessaire à l’intention satirique mais sont assez brèves pour ne pas constituer de hiatus. Entre la drôlerie de la proposition théâtrale et l’aplomb de la proposition musicale, on vient d’assister à une étincelante célébration de Rossini, aussi farceuse qu’il a pu l’être quand il jetait sa gourme à Venise !

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