C’est ainsi que deux œuvres, pourtant assez éloignées d’un besoin scénique, trouvent une théâtralité inédite. La réalisation en devient aisée : le plateau – rapidement vide – laisse la place à un fond de scène en vidéos évocatrices de Luca Scarzella, quelques objets (le bœuf de Janik) servent d’appui et la direction d’acteur fait le reste. Janik arpente la scène de manière agitée, la locutrice hongroise opère comme un ange gardien apaisant, bohémienne et choristes constituent des centres de gravité qui dynamisent le dispositif.

En fosse, pour opérer la rencontre entre deux compositeurs distants d’un siècle, choix a été fait d’un arrangement du Journal d’un disparu. Le piano se voit accompagné par les quelques instruments nécessaires à l’œuvre chambriste d’Adès. Le travail de Laurent Cuniot est remarquable : violon, petite harmonie… on retrouve là tous les tons et rythmes si propres à la musique de Janáček. Seule exception : le glockenspiel sonne complètement incongru dans cette économie. La direction musicale, pilotée par Marc Desmons, s’avère irréprochable.

Laura Kimpe et Olga Bystrova brillent dans leur courte scène de chœur. Leurs timbres ronds et chauds rencontrent à la perfection celui plus noir et piquant d’Angela Simkin. La mezzo-soprano subjugue, grâce à son ambigus et son charisme scénique, dans ces pièces modernes qui mélangent de manière très baroques le beau et l’étrange. Helena Milošević (Zejka, la bohémienne) trouve toute la séduction dans un phrasé suave quand Vladimír Šlepec propose un portrait intelligent du paysan tchèque. Dommage qu’il lui manque un demi-ton à l’aigu, tiré et diaphane, pour rendre complètement justice à l’œuvre. 

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Le livret de Sylvain Maurice est librement inspiré de The Valley of Astonishment de Peter Brook et Marie-Hélène Estienne : Sammy Koskas non seulement découvre qu’il possède une mémoire extraordinaire, mais en plus, comprend que sa façon de percevoir le monde est fort différente de ses semblables puisqu’il associe systématiquement les mots et les sons à des couleurs et des images. Dès lors, le dilemme pour ce personnage consiste à apprivoiser ses « deux » mémoires : celle éclatante et hors-norme, qui lui permet d’impressionner les foules en tant que mentaliste lors de shows d’ampleur, et celle paradoxalement plus commune, enfouie, douloureuse, qu’il ne peut manier aussi aisément que la première.

A cette tension intérieur-extérieur, s’ajoute donc le motif de la synesthésie qui se prête fort bien à une composition opératique. Reste à savoir comment l’image peut « devenir » son et réciproquement.

La première réponse repose évidemment dans la partition d’Alexandros Markeas. Avec une formation originale (piano, percussions, clarinette, saxhorn, contrebasse et accordéon), son écriture dynamique recherche des couleurs de timbre particulièrement plaisantes, parfaitement exécutée par les musiciens de TM+ et les chanteurs. Comme un peintre pointilliste, il a le souci du détail et sait capter les mouvements émotionnels et intellectuels du bouillonnant protagoniste ; ce qui ne l’empêche pas de maîtriser l’ensemble, étirant progressivement le temps, des scènes de confrontations saccadées initiales aux explorations intimes finales.

© ChristopheRaynauddeLage 

Le charme de cette production repose aussi sur le revêtement presque sur-mesure des personnages par la distribution. Sammy Koskas est porté par la pétillante soprano Agathe Peyrat, qu’on trouve d’habitude au sein du chœur Aedes. Aussi appliquée pour sa diction que pour son jeu, son timbre clair sied parfaitement à ce juvénile personnage : espiègle dans les rythmes et les syllabes du parlé-chanté, elle sait aussi être touchante dans les parties lyriques plus solides, épaisissant son personnage.  

Il est aussi plaisant de retrouver les deux barytons Paul-Alexandre Dubois et Vincent Bouchot, rarement ensemble sur scène. La complicité, voire la gémellité (dans le style plus que dans la voix) de ces deux chanteurs expérimentés du théâtre musical, s’accorde parfaitement aux rôles des deux scientifiques dépassés et incapables d’aider le protagoniste. De même, la voix tonitruante de baryton-basse de Philippe Cantor confère à ses personnages – le chef de la rédaction et le patron du cabaret – une autorité dérisoire amusante. 

La mise en lumière colorée et la vidéo sont adroitement utilisées, participant largement à la dimension poétique de la pièce. L’ensemble souffre toutefois d’une mise en scène un peu étriquée ; un jeu plus déployé aurait permis de ne pas sentir une certaine longueur dans la mise en place du noeud de l’histoire.

La fin n’en demeure pas moins réussie, et l’on est content de rapporter jusqu’à chez soi une mélodie hypnotisante et des souvenirs colorés.

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D’où vient alors que le spectacle n’est plus totalement convaincant ? Comme l’intitule le programme de Massy (« Opéra-film ») la vidéo occupe la place centrale, et Louise Moaty « propose de suivre cette fable à travers le tournage et montage en direct d’un film d’animation, mêlant chanteurs, vidéo, dessin et théâtre d’objets ». Mais là où Frank Castorf pour le Ring de Bayreuth ou La Dame aux Camélias suivait les acteurs pas à pas retransmis sur d’immenses écrans, ou encore Pierrick Sorrin dans La Belle Hélène offrait des images d’une qualité également inégalée, on a ici une utilisation beaucoup plus légère du principe : caméras statiques, noir pesant, fatras scénique qui mêle boîtes à lumière, projecteurs, marionnettes et acteurs. Surtout, des pertes de signal scalpent certains acteurs, vident les yeux d’autres, bref, on n’est pas au niveau technique qu’impose le procédé, et l’indéniable poésie du « beau livre d’images » projeté sur écran y perd beaucoup. On se prend alors à rêver d’une version qui, à l’instar des films de Karel Zeman, parviendrait à mettre en musique les délicieux dessins que Stanislav Lolek avait réalisés, à l’origine, pour la jolie histoire de Rudolf Těsnohlídek.

Prochaines représentations à Sablé-sur-Sarthe (23 avril) et au Mans (29 et 30 avril).

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Habituée des « concerts optiques » utilisant la lanterne magique, Louise Moaty exploite cette fois un procédé cher à Pierrick Sorrin, qui l’employait encore récemment dans La Belle Hélène, à la différence que c’est ici pour un résultat non pas comique mais poétique. L’incrustation des chanteurs dans un décor miniature projeté sur un écran ne sert pas à faire rire le public, mais à coller davantage au livret que ne le permet d’habitude l’incarnation des animaux par des humains déguisés. Reprenant en outre la technique du bunraku japonais, elle introduit des marionnettes pour la renarde enfant et adolescente, ainsi que pour le chien, le coq et les poules. Avec des œuvres d’Egon Schiele comme arrière-plan, les protagonistes évoluent dans un superbe décor changeant, mais la parade amoureuse de la renarde et du renard se dépouille de tout artifice, la toile où étaient projetées les images tombant au sol pour devenir le lit nuptial des époux. Avec participation des spectateurs et jet de fleurs dans la salle, la noce est une vraie fête.

Pourtant, tout n’était pas gagné au départ, car la transcription, due à Jonathan Dove, commence par sonner bien curieusement, les cordes passant un peu au second plan derrière les vents. Dirigés par Laurent Cuniot, les seize musiciens de TM+ ensemble orchestral de musique d’aujourd’hui ne semblent d’abord pas tout à fait rôdés, mais après l’ouverture, l’impression d’étrangeté liée à la réduction se dissipe assez vite et l’on savoure presque plus intimement la partition de Janáček, comme rapprochée, décantée.

Quant aux voix, l’Arcal a su réunir une équipe totalement investie dans le projet, réunissant quelques noms déjà familiers et des artistes à découvrir. C’est par exemple un plaisir de retrouver Françoise Masset, même dans une série de petits rôles ; bien connue des amateurs de musique baroque, applaudie dans Les Aventures du roi Pausole à l’Opéra-comique il y a quelques années, la mezzo-soprano n’a rien perdu de sa verve. Remarqué dans la Katia Kabanova présentée en 2012 aux Bouffes du Nord, Paul Gaugler est un Instituteur délicieusement désemparé. Choisie par l’Arcal en 2009 pour la création du premier opéra de Régis Campo, Les Quatre Jumelles, Sylvia Vadimova cumule les emplois avec aisance. Impressionnant dans le rôle de la mort dans la production de L’Empereur d’Atlantis également montée par l’Arcal et également mise en scène par Louise Moaty, Wassyl Slipak prête ses graves somptueux et ses talents de comédien à trois personnages bien différents. Vus dans diverses productions, et dernièrement dans le rôle-titre du Médecin malgré lui à Saint-Etienne, Philippe-Nicolas Martin campe un magnifique garde-chasse, plein d’humanité. C’est un vrai bonheur que d’entendre ce rôle confié non pas à un chanteur déjà âgé, voire en bout de course, même si le livret prévoit qu’il vieillisse au cours de la représentation. Splendide renard, Caroline Meng a déjà prêté son timbre opulent à plusieurs spectacles baroqueux, dont l’Egisto de Cavalli, et l’on attend avec impatience de la retrouver dans un rôle de premier plan. Tosca ou Violetta à Clermont-Ferrand, Noriko Urata propose pour la renarde un format vocal plus ample que celui auquel on attribue en général la renarde : Bystrouchka y gagne un relief supplémentaire, et son hymne à la liberté n’en prend que plus de vigueur.

Représentations à venir : le 19 février à Saint-Quentin-en-Yvelines, le 26 février à Reims, le 16 mars à Besançon, les 14 et 15 avril à Massy, Le 23 avril à Sablé-sur-Sarthe, et les 29 et 30 avril au Mans.

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Car le pari était loin d’être gagné avec une telle source littéraire. Le propos tient en peu de mots. Nous sommes en Alaska. Un premier couple de jumelles,  Maria et Leïla, s’injurie entre deux piqures de morphines. L’une a offert à l’autre des chiens enragés. Injures, coups, bras dévoré … Finalement, Leïla s’écroule poignardée. Arrivée d’un second couple, Fougère et Joséphine, tout aussi déjantées. Nouvelles injures, nouvelles menaces, nouvelles piqures, nouvelles tractations financières, nouvelles jumelles successivement laissées pour mortes avant de ressusciter… Avec ça, des dialogues limités à de simples éructations, le mot « salope » constituant à peu près la moitié du vocabulaire utilisé. Quelques rires complaisants (au début uniquement : disons, les quinze premiers « salopes ») qui ne convainquent pas le reste du public. Des voisins mal à l’aise ; d’autres qui regardent leur montre en baillant dès la vingtième minute … On nous dira – bien sûr – que c’est fait exprès, qu’il s’agit de créer un malaise, de démontrer l’absurdité de ci ou de ça (de l’argent, de la mort, de l’Alaska …)… Drame pour certains, comédie burlesque pour d’autres. Bref, tout ce que la vacuité laisse comme champ libre à une imagination bien disposée. Et je ne suis pas certain que ce « déconneur » de la bande de Charlie-Hebdo, militant actif de la cause homosexuelle, dessinateur talentueux, se serait vu en icône de la pensée du néant. Mais peut-être après tout s’en est-il laissé convaincre sur la fin.

Il fallait donc vraiment avoir du talent à revendre pour transformer un tel pensum en une réussite lyrique.
Premier élément du succès, la musique de Régis Campo : inventive, sautillante, et en même temps rigoureuse. En effet, la partition de Campo réintègre dans le cadre figé d’un ouvrage composé, une œuvre dramatique dont un des principaux défauts est justement l’absence de repères spatio-temporels. Une trahison, en quelque sorte, mais qui apporte au tout, une cohérence qui manquait à la pièce seule. Au service de cette musique, une formation orchestrale remarquable, superbement conduite par Laurent Cuniot.
Autre éléments de la réussite, un quatuor vocal épatant, d’une diction irréprochable. Quatre belles voix bien harmonisées, au sein desquelles je distinguerais tout de même le duo masculin aux couleurs chaudes et variées, et plus particulièrement le sopraniste Fabrice Di Falco au timbre rare.
En mettant en place un spectacle très construit, Jean-Christophe Saïs semble avoir lui aussi pris le parti de la structure. La scénographie, les éclairages, les costumes et les maquillages, un peu à la Bob Wilson, renforcent cette démarche. L’ensemble de la production contribue ainsi à nous rendre accessible un texte a priori mal taillé pour le lyrique.
Au final, une bonne soirée et, on l’espère, un premier pas vers d’autres ouvrages lyriques. C’est tout le mal qu’on souhaitera à cette équipe !

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