© Photo Joseph Carlucci

La première de cette nouvelle production, présentée ce soir sous un ciel menaçant dans un amphithéâtre à moitié vide, manquait de punch, mais captivait néanmoins les spectateurs dont la qualité d’écoute est restée remarquable de bout en bout. C’est que, face à une direction plutôt molle et lancinante de Nir Kabaretti, certains solistes imposaient une forme de magnétisme. À commencer par la cantatrice coréenne Sae-Kyung Rim, bien connue sur le plan international comme l’une des grandes titulaires actuelles du rôle de Cio-Cio-San. Elle impose une évolution intéressante du personnage, depuis la conception traditionnelle du mariage jusqu’à une jeune femme moderne qui assume sans mièvrerie sa condition de « femme seule mère » à la liberté affichée. La voix est large et puissante, les graves bien posés qui lui permettent d’aborder également de grands rôles verdiens. Seuls manquent des aigus filés ou chantés piano, dans lesquels certaines de ses consœurs excellent. Le Pinkerton de Carlo Ventre est bien dans la tradition du yankee gonflé d’orgueil et pétri de certitudes sans nuances, mais sa voix puissante se marie bien avec celle de sa partenaire, ce qui nous a valu quelques beaux duos. Enfin, on retrouve dans la Suzuki de la Franco-Chinoise Qiulin Zhang la voix troublante de l’Erda parisienne, sans que celle-ci parvienne toutefois à créer une magie équivalente. Le Sharpless de Davide Damiani aux aigus tirés offre une prestation décevante, tandis que le Goro de Wei Nan et le bonze de Jérémie Brocard, aux voix trop peu sonores, sont meilleurs scéniquement que vocalement. Au contraire des chœurs qui offrent une assez bonne prestation vocale, mais dont le jeu est assez peu crédible.

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Pour sa mise en scène, Hermann Schneider, futur directeur du Landestheater de Linz, coproducteur du spectacle, semble avoir décidé que l’opéra n’avait pas à rivaliser avec le cinéma. Là où d’autres productions s’efforçaient de composer avec les nombreux changements de décor prévus par le livret (dix-sept tableaux selon Myfanwy Piper, également librettiste d’Owen Wingrave et de The Turn of the Screw), là où d’autres metteurs en scène tentent de recréer l’animation de l’hôtel ou de la plage, avec un réalisme à peine tempéré par la stylisation propre aux passages dansés, il opte à l’inverse pour une démarche « intellectuelle », qui situe Venise dans l’esprit d’Aschenbach. Tout commence dans l’appartement munichois de l’écrivain, et s’y termine également : le décor, un bureau-bibliothèque confortablement meublé, s’ouvre en deux, le plafond se soulève, et se transforme, imagination aidant, en ruelles ou canaux vénitiens, puis se reforme peu à peu, et l’opéra se termine avec le héros étendu sur un canapé où l’on soupçonne qu’il sommeille plutôt qu’il ne meurt. Quelques projections de films noir et blanc permettent de visualiser la Serenissima dont rêve ou se souvient Aschenbach. Cette approche, tout à fait défendable, présente malgré tout un défaut, en tout cas dans sa réalisation : elle ne contribue guère à rendre plus animée une œuvre que menace déjà l’excès d’introspection, et les scènes de foule se réduisent à des défilés de personnages en rang d’oignon, ou à des tableaux extrêmement statiques.

C’est une très lourde responsabilité qui pèse donc sur les épaules de Hans Schöpflin, et le ténor allemand s’en acquitte fort bien, familier qu’il est de ce rôle et de la musique de Britten plus généralement. La voix est souple, même si le timbre prend parfois des colorations un peu nasales, mais on peut se demander si elles ne relèvent pas de la caractérisation du personnage et d’une proximité avec son créateur, un Peter Pears quand même âgé de 63 ans lors de la première mondiale de Mort à Venise. L’acteur est totalement convaincant, notamment dans sa déchéance et son délire final. Davide Damiani a la non moins lourde fonction d’incarner pas moins de huit personnages différents, et il n’est pas certain qu’il parvienne toujours bien à les différencier de manière très perceptible pour le spectateur, peut-être faute de couleurs plus variées d’une silhouette à l’autre. Le contre-ténor James Laing est un Apollon plein de prestance et d’aplomb, mais on comprend seulement lors des saluts, quand il est éclairé d’une lumière vive, qu’il était habillé et grimé de manière à être un double d’Aschenbach. Richard Rittelmann est l’un des rares emplois secondaires à bénéficier d’une scène un peu plus développée, en employé de l’agence de voyage assailli par les touristes soucieux de quitter Venise, le choeur de l’Opéra de Nice interprétant avec beaucoup de talent tous les micro-personnages prévus par la partition. A signaler également, la prestation du jeune danseur Lohan Jaquet en Tadzio, avec là encore, le choix de s’éloigner de Visconti, puisque loin de l’éphèbe aux boucles blondes du film, son physique évoque plutôt Jean Cocteau adolescent.

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