La très belle scénographie d’Erlend Birkeland nous transporte dans une artère traditionnelle de Maruyama, le quartier des maisons closes de Nagasaki. Cette rue est projetée en avant-scène, privant l’espace de perspective, de toute issue. Cio Cio San évolue donc pendant toute la représentation dans une boîte où elle est déjà enfermée, avant même que Pinkerton ne l’épingle à son tableau de chasse d’entomologiste. Les maisons voisines permettent de découvrir le quotidien trivial de ces femmes soumises aux désirs lubriques des étrangers. Ainsi, même sans actualisation de la mise en scène, la double domination sexuelle et colonialiste dont est victime Butterfly se trouve-t-elle parfaitement rendue.

Dans le même temps, l’architecture des maisons traditionnelles japonaises, leurs panneaux coulissants, les ombres qu’on y devine, favorisent naturellement les jeux de dedans/dehors, de caché/dévoilé et partant, l’exposition de l’intime dont Sofia Adrian Jupither use avec un talent consommé. Le rendu final s’avère extrêmement esthétique, mais sans ostentation, avec, plutôt, un certain réalisme y compris dans les kimonos aux couleurs passées.

© Kungliga Operan/Sören Vilks

Hormis l’apparition de Kate Pinkerton, aussi obscure que la présence d‘Alice Sjölin est lumineuse avec ses manches gigot et sa jupe à cerceau (tellement 1820), nous nous trouvons au cœur d’une estampe quelque peu surannée, embellie par de très jolies harmonies lumineuses et colorées. Cet espace clos, fané, dit bien le monde en déliquescence où Pinkerton s’impose en conquérant. Dmytro Popov, son interprète, porte beau son odieuse confiance en lui, nous faisant profiter d’une émission nette, d’un phrasé intelligent au beau métal. Son duo avec Cio Cio San est superbe et glaçant tant la concupiscence de l’homme est évidente face à la pudeur de la jeune fille.

© Kungliga Operan/Sören Vilks

C’est elle, naturellement, en la personne d’Izabela Matuła, qui occupe l’espace du début à la fin de l’œuvre, avec une montée en puissance vocale formidablement maîtrisée. Technique impeccable, la soprano joue des couleurs en virtuose pour donner une dimension tour à tour juvénile ou déchirante à son personnage. Les notes poitrinées sont prenantes, le focus de l’aigu excellent.

Comme la veille, il faut saluer la direction d’acteurs au cordeau qui individualise chaque membre du chœur, chaque figurant ; qui donne aux personnages principaux une épaisseur, une justesse scénique évidente. Si la voix si large de Katarina Leoson manque de focus pour une Suzuki un peu en retrait, Sharpless, bellement interprété par Karl-Magnus Fredriksson, bénéficie d’une progression émotionnelle hautement convaincante tandis que Jonas Degerfeldt campe un Goro odieux à souhait. Comme l’ensemble de la distribution, il jouit d’une excellente diction qui rend le texte totalement audible.

L’orchestre, enfin, est à son meilleur sous la direction voluptueuse d’André Callegaro. Là encore, soulignons – comme chez les solistes – le superbe travail des nuances, des couleurs et un art consommé de l’installation des atmosphères qui culmine dans le somptueux passage orchestral de l’acte III, magnifié par cette nuit qui passe, par l’immobilité des personnages. Toute la pulsation de la vie réside alors dans la musique et le spectateur en est profondément touché.

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© Markus Gårder

Le choix d’une distribution entièrement suédoise à une exception près (Falk Struckmann en Hagen dans Götterdämmerung) appelle le respect. La France pourrait-elle oser une telle entreprise – qui pour chanter Brunnhilde, Siegfried, Wotan ? Si admirable soit le pari, il s’avère inégalement relevé. D’insuffisant à excellent, l’échelle d’appréciation est entièrement parcourue. On s’attardera sur les niveaux supérieurs d’autant qu’ils sont occupés par les interprètes appelés à intervenir dans les épisodes suivants. Au barreau le plus haut, John Lundgren écrase ses partenaires d’un chant dont, près de trois heures durant, on ne sent jamais les limites. Volume, longueur, ampleur, stature, présence sont l’avers d’une médaille héroïque dont le revers pourrait être l’excès de noirceur non sans conséquence sur les rapports de force. Johan Edholm dont la voix souffreteuse peine à exprimer la puissance malfaisante d’Alberich ne peut lutter. Ses vociférations, moins chantées que parlées, sont un aveu de faiblesse ; le nain s’incline face au dieu. Seule Katharina Dalayman, autrefois Brünnhilde dans ce même Ring, désormais Fricka, met à profit une expérience acquise sur les plus grandes scènes pour s’imposer. Le médium toujours solide assoit l’autorité mais, avec peu de répliques, le rôle consacre la défaite des femmes proclamée par Catherine Clément. Les trois filles du Rhin valent mieux ensemble que chacune prise séparément. Erda, toutes ailes sombres déployées par le contralto de Katarina Leoson, ne fait que passer. Freia voudrait de l’ampleur quand Susanna Stern ne lui prête qu’un gazouillis, charmant au demeurant. Restent pour occuper le sommet de la pyramide, Niklas Björling Rygert dont l’éloquence des glapissements sont une invitation à enjamber Die Walkure pour aborder directement le premier acte de Siegfried où Mime occupe le devant de la scène, et Jonas Degerfelt, ténor certes malingre mais qui parvient par un usage habile de ses moyens à caractériser Loge. Sans flamboyer d’une flamme aussi perverse que d’autres fois, le dieu du feu tire les ficelles d’une action qui précipitera la chute des dieux. 

Il aurait fallu à Marko Letonja un autre orchestre pour donner la pleine mesure de sa direction. Malgré des cuivres désorganisés et une pâte instrumentale souvent grumeleuse (rarement Rhin dans son accord initial n’a charrié autant d’épaves), le maître impose sa patte. L’équilibre des volumes, les climax habilement amenés, les thèmes clairement tissés sur un maillage serré surmontent les défaillances orchestrales. Une descente au Nibelungen et plus largement un séjour souterrain cauchemardesque, comme il convient, avec ses éructations et ses sursauts de terreur donnent envie de tourner la page du premier épisode pour risquer le deuxième. Quitte ou double ? Double. La suite nous donnera raison. 

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