Pourtant, les choses ne commençaient pas si bien que cela. L’ouverture de Norma était expédiée à toute vitesse dans une sorte de mélange sonore où les pupitres avaient bien du mal à émerger et s’individualiser. Curieusement, l’oreille s’habitue très vite à l’acoustique si particulière de la salle et les instruments se détachent un à un pour nous offrir une nappe sonore scintillante et vibrante au service des voix, dans une atmosphère sacralisée, ponctuée de ces somptueux silences belliniens si importants au bon déroulement de l’émotion qui s’installe lentement mais sûrement. Par ailleurs, le chef fait se ralentir la cadence, jusqu’à une décélération qui rend la scène finale d’autant plus orgasmique. À la tête de l’Orchestre National de Metz, le chef israélien Nir Kabaretti sait mettre en valeur la mélodie bellinienne et sublimer une partition souvent négligée. On ne saurait lui faire compliment plus reconnaissant. Grand amateur de Bellini, le directeur du théâtre et metteur en scène Paul-Émile Fourny s’est attaché à compenser l’absence de décors par un habillage en mapping confié au vidéaste Julien Soulier. Ce dernier génère des images qui habillent les boiseries et colonnes de la salle pour les transformer à l’envi en forêts verdoyantes où ruissellent les cascatelles et frémissent les branches en écho à la vision romantique du bois sacré gaulois suggéré dans sa musique par Bellini. Les grandes hauteurs de la salle se muent en clairières sacrées ou en temple antique avant de laisser naître un bûcher impressionnant. Les costumes sont seyants, quoique davantage gréco-romains que gaulois. Tant mieux, car les robes de Norma et sa coiffure de feu lui donnent de faux airs de Médée dont elle est un double à peine adouci. Le metteur en scène parvient à placer judicieusement solistes et membres du chœur de façon à plonger le spectateur au cœur du drame, magnifiant les scènes-clés de l’œuvre.

Les chœurs sont formidables et les autres solistes servent de faire-valoir à Norma ; cela dit, ils constituent un plateau homogène et de grande qualité. Daegweon Choi est un honnête Flavio, Cécile Dumas confère beaucoup de noblesse à Clotilde et Nicolas Cavallier tire son épingle du jeu, quand bien même son émission peine parfois à rivaliser avec l’orchestre. Petite déception du côté de l’interprétation de Pollione par Nikolai Schukoff. Les aigus sont tendus, quand ils ne sont pas supprimés ; la fatigue se fait sentir d’autant que le ténor donne tout ce qu’il peut, avec une générosité qui force l’empathie. Cependant, le rôle lui résiste jusqu’à l’apothéose de la scène finale où l’amant contrit développe des trésors de délicatesse et de subtilité qui balaient les réserves antérieures. Na’ama Goldman donne une vraie profondeur au personnage d’Adalgisa, dont elle illustre les facettes les plus diverses avec grandeur et un nuancier aux couleurs chaudes et moirées. Son timbre se marie par ailleurs harmonieusement avec celui de Norma. Dans le rôle des rôles, Claudia Pavone triomphe. La soprano est une lirico-spinto dramatique d’exception qui sait apparemment tout faire avec une aisance confondante, le tout en donnant l’impression de faire une promenade de santé, c’est-à-dire de ne jamais être poussée dans ses retranchements. De tous les morceaux de bravoure, ce sont peut-être les descentes chromatiques qui ont été les plus sidérantes. Précision, cisellement, clarté d’émission, brillance, diction impeccable, tout paraît si simple, sublimé par un sens de la théâtralité évident. Et le plus infime changement d’émotion est palpable : attente, déception, colère sourde puis excessive, désespoir, impossibilité à commettre l’irréparable… Ajoutons à tout cela une beauté de timbre enivrante et poignante. On comprendra que toute la salle se soit levée comme un seul homme pour ovationner la chanteuse.

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le quintette © Luc Berteau – Opéra Théâtre de Metz Métropole

Tout a été conçu pour permettre à la production de s’adapter aisément aux scènes des co-producteurs (Jesi, Massy, Reims, Avignon et Clermont-Ferrand). Les décors soignés et ingénieux de Benito Leonori, servis par des éclairages bienvenus de Patrick Méeüs, assortis de costumes contemporains à la transposition, autorisent de belles scènes, qui servent l’action et la musique.

Habanera, séguedille, chanson bohême, dans toutes les oreilles, ne suffisent pas à faire une Carmen crédible. Ici, la qualité du chant, aux aigus colorés comme aux graves solides, du timbre, de la diction (malgré certains « é » fermés qui surprennent), et du jeu dramatique emportent l’adhésion. Mireille Lebel, mezzo canadienne, mérite d’être davantage connue en France. Voix sonore, ample et souple, elle traduit remarquablement le caractère farouche, indépendant de Carmen comme son évolution jusqu’à sa mort annoncée. Son intervention dans le trio des cartes, tout comme la scène finale sont chargés d’émotion. Appréciée dans la récente production de la Bastille, Gabrielle Philiponet  passe avec bonheur de Frasquita à Micaëla. Elle se signale par son aisance, la fraîcheur de sa voix et de son jeu. Tendre, réservée, dans son duo avec don José, son air « Je dis que rien ne m’épouvante » est d’une tenue exemplaire. Capucine Daumas (Frasquita) et Cécile Dumas (Mercédès) s’accordent à merveille, vocalement et dramatiquement. Tout juste gagneraient-elles à approfondir leurs danses pour leur donner davantage de naturel.

Faible et courageux, vaillant, tourmenté, le Don José de Sébastien Guèze nous touche par sa sincérité. Sa voix parlée est celle d’un comédien aguerri. Par contre, son émission souffre de la tension quasi permanente qu’il s’impose. La voix est souvent étranglée, non seulement dans les moments paroxystiques, ce qui pourrait se justifier, mais aussi dans les passages plus lyriques, où elle s’altère quelque peu. Régis Mengus campe sans histrionisme un Escamillo de qualité. Jean-Fernand Setti nous vaut un Zuniga bien charpenté, voix puissante et autoritaire, assortie à un jeu où son ébriété (ajoutée) colore le personnage. Ici policier en faction, Morales (Benjamin Mayenobe) fait montre d’une voix puissante, intelligible, et bien timbrée. Le Dancaïre et le Remendado (Kamil Ben Hsain Lachiri et Daegweon Choi) ne sont pas en reste.

Les chœurs, déjà mentionnés, sont remarquables. Dans tous les tempi, la cohésion est constante, avec une intelligibilité et une dynamique rares, sans jamais le moindre décalage, y compris pour le chœur des gamins, rafraichissant.  L’artisan de la réussite est, au premier chef, José Miguel Pérez-Sierra. On avait déjà apprécié sa direction dans le grand répertoire italien. Ce soir, où il aborde Carmen pour la première fois, la réussite est magistrale. Dès le prélude, la dynamique joyeuse, légère, comme le pathos sans grandiloquence sont manifestes. Le discours musical, toujours attentif au chant, est construit avec subtilité, toujours les phrasés nous séduisent, assortis de couleurs justes. Il cravache comme il caresse son orchestre et c’est un constant régal. L’Orchestre national de Metz, proprement habité, a-t-il mieux joué ? Il se hisse au meilleur niveau, avec des solistes exemplaires, les bois tout particulièrement. Cette soirée restera en mémoire des auditeurs comme celle où l’orchestre a constitué le cœur de l’ouvrage, au service du chant et de l’action dramatique.

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