Peggy Kriha DYE - Artiste - Forum Opéra

CHARPENTIER, Médée — Versailles

Laurent Bury — Fri, 19 May 2017 03:31:28 +0000

Que pour sa mise en scène de Médée, Marshall Pynkoski use largement du stroboscope de préférence à la bougie, on ne le lui reprochera pas. Que les toiles peintes de Gerard Gauci évoque un Piranèse revu par Walt Disney, ou même carrément un paysage fantastique à la Tim Burton, on ne lui en fera pas grief. Que les costumes de Michael Legouffe transforment tous ces messieurs en pirates des Caraïbes et parent les dames de robes taillés dans des tissus somptueux qu’on croirait empruntés à La Bayadère de l’Opéra de Paris, on ne s’en plaindra pas non plus. Non, ce qui gêne dans la production de l’unique tragédie lyrique de Charpentier présentée à Versailles par la troupe Opera Atelier Toronto, c’est l’alliance de deux modes de jeu difficilement compatibles : d’une part, une gestuelle empruntée à l’univers baroque, qui devient vite lassante par son caractère limité à deux ou trois mouvements récurrents (mains en l’air, en avant ou sur le côté), d’autre part, des attitudes empruntées à un théâtre psychologique « moderne » (corps qui s’effondrent, s’entrechoquent ou se plaquent aux murs…). On court beaucoup à travers la scène, parfois sans autre but que d’échanger les places entre les interlocuteurs. Médée remue beaucoup ses jupes, sans doute pour traduire son agitation intérieure, mais tout cela relève du procédé un peu trop flagrant et s’épuise vite. La chorégraphie de Jeannette Lajeunesse Zingg semble avoir déteint sur les chanteurs, dont certains sortent de scène avec des allures de ballerine ; agréable à regarder dans les divertissements, elle paraît néanmoins un peu fade lors de l’acte où Médée convoque les puissances infernales.

Du côté des chanteurs, on commence aussi à bien connaître l’équipe d’Opera Atelier Toronto, pour les avoir entendus à Versailles dans Persée ou Armide au cours des saisons précédentes. D’une magicienne, l’autre : Peggy Kriha Dye enchaîne les rôles-titres et donne à Médée les mêmes atouts qu’elle apportait à Armide. Certes, on a pris l’habitude d’entendre l’héroïne de Charpentier confiée à des voix plus denses d’authentiques mezzos (Sarah Connolly à Londres, Michèle Losier au TCE…), mais l’essentiel est de trouver une actrice apte à vivre son rôle avec l’ardeur nécessaire. Pas de problème de ce côté-là, la déclamation allant plus d’une fois jusqu’au cri, suivant les directives expressionnistes du metteur en scène. Seule la diction, pourtant travaillée, inclut encore quelques scories, surtout lorsque le débit s’accélère. Colin Ainsworth est un Jason au volume sonore appréciable, parfaitement à l’aise dans cette tessiture de haute-contre à la française ; il parvient en outre à conférer au personnage la mâle vigueur nécessaire au héros. Mireille Asselin est l’une des rares francophones de la troupe, et cela s’entend instantanément, malgré les efforts louables de ses partenaires en matière de prononciation ; à part au dernier acte, sa Créüse ne sort pas du cadre galant dans lequel le livret autorise à la borner, mais l’on apprécie chez elle la joliesse du timbre. Jesse Blumberg prête à Oronte une solide voix de baryton, et le Créon de Stephen Hegedus possède une belle noirceur.

Belle découverte avec le Chœur Marguerite Louise : bien que relégué hors scène comme c’est désormais trop souvent la pratique, cette jeune formation française parvient à conférer à son chant toute l’urgence dramatique qu’appelle la tragédie lyrique. Le Tafelmusik Baroque Orchestra accompagne toujours l’Opera Atelier lors de ses déplacements en France : on regrette que le chef David Fallis ait à nouveau fait le choix de couper le prologue, comme cela avait déjà été le cas pour Armide. Peut-être aussi, à certains moments, le continuo aurait-il gagné à être un peu allégé, mais il est heureux que notre répertoire trouve outre-Atlantique de tels défenseurs.

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LULLY, Armide — Versailles

Laurent Bury — Sat, 21 Nov 2015 04:57:37 +0000

Ah, la « sarabande pour le peuple de Damas », comme elle tombe à pic alors que Daech terrorise la planète ! Et comme il serait facile d’opposer une Armide kamikaze aux chrétiens entourant Renaud… Là n’est pas du tout le propos de l’Opera Atelier Toronto, on pouvait s’en douter, mais ce spectacle conçu en 2005 intègre malgré tout la dimension ethnique et religieuse de l’affrontement des deux camps (tout à fait absente du livret de Quinault), à travers les décors de Gerard Gauci, inspirés par l’univers des miniatures persanes, et les costumes de Dora Rust D’Eye, qui renvoient plutôt aux films de Bollywood. Au milieu de cet univers exotique, Marshall Pynkoski pratique sa démarche habituelle, fondée sur l’emploi de postures empruntées à une certaine esthétique baroque et sur le recours systématique au contrapposto, mais curieusement, il s’y mêle une gestuelle bien plus moderne, où les corps s’étreignent et s’empoignent comme ils ne l’auraient sans doute jamais faits sur une scène du temps de Louis XIV. De même, un certain naturalisme, à base de cris, chuchotements et autres exclamations ajoutées, jure étrangement avec la noblesse de la déclamation. Du point de vue de la langue, la troupe canadienne inclut principalement des anglophones, qui accomplissent un effort louable de prononciation, mais n’ont pas tous le même degré d’aisance dans notre idiome. On est d’abord surpris d’entendre une leçon de parfait français venir du chœur, jusqu’au moment où l’on découvre dans le programme qu’il n’a pas traversé l’Atlantique avec le reste de la troupe, mais n’est autre que celui des Chantres du Centre de musique baroque de Versailles. Relégués dans la fosse (encore !), ces jeunes chanteurs français sont répartis de part et d’autre du Tafelmusik Baroque Orchestra, d’où des décalages à la fin du premier acte. Est-ce au chef David Fallis qu’incombe en outre la responsabilité des coupes dans la partition ? Le prologue est entièrement supprimé – certes, il donne souvent du fil à retordre aux metteurs en scène –, mais l’acte IV est charcuté, comme c’est trop souvent le cas, et la séduction d’Ubalde par Mélisse disparaît, éliminant l’effet de symétrie avec le Chevalier danois fasciné par Lucinde.

Du spectacle, on retient surtout l’omniprésence de la danse, y compris à des moments où elle n’est pas explicitement convoquée, avec une jolie idée, qu’il faut peut-être attribuer à la chorégraphe Jeanette Lajeunesse Zingg : si Quinault fait de la Haine un rôle chanté, l’Amour est ici un danseur (Tyler Gledhill), peu vêtu mais muni de grandes ailes, qui s’attache à Armide et subit le sort prévu par le livret lorsque la Haine dit « Rompons ses nœuds, déchirons son bandeau, Brûlons ses traits, éteignons son flambeau ». Quant aux voix, on retrouve ici plusieurs de celles qui participaient au Persée présenté dans ce même théâtre en mai 2014. Peggy Kriha Dye brille une fois encore par ses grandes qualités dramatiques, Armide véhémente et torturée sur qui l’œuvre repose en grande partie. Ses deux suivantes, Carla Huhtanen et Meghan Lindsay, tiennent dignement leur rôle, malgré parfois un léger manque de projection et de clarté dans la diction. Avec Colin Ainsworth, Renaud trouve un titulaire au français excellent et à la voix souple et claire, qui se voit conférer un peu plus de musique à chanter puisqu’à l’acte V, le héros lui-même interprète la musique confiée par le livret à « un Amant fortuné ». Hidraot bénéficie du timbre sombre de Stephen Hegedus, mais les autres voix graves sont bien moins satisfaisantes. Daniel Belcher s’adonne au plus abominable malcanto dans le rôle de la Haine, dont il glapit ou rugit la moitié des notes. En Artémidore, Olivier LaQuerre semble franchement en difficulté dans l’aigu, et lorsqu’il revient en Ubalde, il abuse des hurlements « comiques » censés exprimer la terreur qu’éprouve le chevalier au milieu des monstres. Le ténor Aaron Ferguson ne vaut guère mieux, avec une voix très mince, d’opérette plus que de tragédie lyrique.

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LULLY, Persée — Versailles

Laurent Bury — Fri, 23 May 2014 20:26:53 +0000

La tragédie lyrique que Quinault a intitulé Persée a en son centre le personnage de Méduse, et il est assez paradoxal que Marshall Pynkoski, avec l’Opera Atelier Toronto, ait précisément choisi de mettre en scène cette œuvre de Lully. Comment un aussi fervent adepte de la ligne serpentine peut-il se résigner à ce que la laideur suprême soit incarnée par une figure mythologique dont la tête est couverte de serpents ? Pire encore, loin de nous la montrer comme une pitoyable victime de son orgueil, ainsi que le dit le livret, Pynkoski décide de ridiculiser Méduse, sorte de femme à barbe lubrique (il faut la voir remuer la langue de manière suggestive…). Pourquoi le plus reptilien des protagonistes devient-il grotesque, alors que tous les autres aspirent à la condition de serpent ? Dans son Analyse de la beauté, Hogarth faisait du S la forme suprême, et Marshall Pynkoski impose de manière tyrannique cette ligne serpentine à tous les personnages de Persée, condamnés à prendre des poses les éloignant au maximum de la ligne droite. Mais c’est trop de déhanché, trop de contrapposto, et la gestuelle ainsi pratiquée est d’abord risible, puis lassante. Au nom de la reconstitution historique, on nous inflige un théâtre dérisoire, où chacun se tortille de son mieux. Pour les dames, dont le corps est pour l’essentiel dissimulé par de somptueuses robes, un poing sur la hanche ou des bras déployés suffisent, mais les messieurs, moulés dans leurs collants et sanglés dans leurs vestes de toréador, se mettent à ressembler à des vers de terre épileptiques, avec des postures plus proches de la comédie musicale sixties que de ce qu’on imagine avoir été le théâtre du Grand Siècle. Pour le reste, les amateurs de pseudo-reconstitution seront servis : toiles peintes – mais d’une esthétique rappelant davantage les années 1940 que le XVIIe siècle –, « gloires » par où descendent les dieux, danseurs « baroques » (qui se substituent constamment au chœur, condamné à rester invisible, selon une pratique agaçante et de plus en plus répandue). A tout prendre, autant aller jusqu’au bout des choses et s’éclairer à la bougie, comme le fit jadis Benjamin Lazar pour Cadmus et Hermione.

Finalement, ce qu’on entend est beaucoup plus intéressant que ce qu’on voit, car personne n’est venu obliger la musique à serpenter de même. On a néanmoins amputé la tragédie de son prologue, ce qui est toujours dommage. Pour le reste, la partition est plutôt bien traitée par les musiciens du Tafelmusik Baroque Orchestra, dirigés par David Fallis : dans Persée, Lully n’a peut-être conçu aucun morceau vraiment inoubliable, mais il y multiplie les duos de manière tout à fait inaccoutumée. C’est surtout la part féminine de la distribution qui brille, une chance dans la mesure où le rôle qui retient le plus l’attention du spectateur est celui de l’infortunée princesse Mérope, fort bien tenu par Peggy Kriha Dye, au timbre riche et au français excellent, tout comme Carla Huhtanen en Cassiope. Mireille Asselin est une exquise Andromède, dont le soprano léger et cristallin contraste parfaitement avec les voix de ses partenaires (à noter que dans la version de ce spectacle diffusé en DVD, Andromède était interprétée par la mezzo Marie Lenormand). Seul artiste présent sur le DVD Euroarts et présent sur scène à Versailles, Olivier Laquerre est un baryton au timbre un peu sourd, qui a tendance à grommeler en Céphée, mais se montre beaucoup plus éloquent en Méduse, peut-être à cause de la transformation de la Gorgone en rôle comique. Persée, qui a paradoxalement assez peu à chanter, est tenu par la haute-contre Chris Enns, dont on déplore le timbre nasal et l’accent anglo-saxon prononcé. Son confrère Lawrence Wiliford, sans doute moins héroïque de format, est bien plus agréable à entendre, même si son français n’est guère plus idiomatique. Le baryton macédonien Vasil Garvanliev chante dans un très bon français mais manque parfois de projection. Prestation en tous points admirable de l’ensemble Les Cris de Paris, bien que confiné dans la fosse : voilà un chœur qu’on aimerait retrouver plus souvent à l’opéra.

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