Ce n’est pas la première fois que le Philharmonique propose des pièces solistes en début de concert. Si le pari est risqué car rapidement décevant, il faut reconnaître que cela fonctionne ce soir. Les arcades épurées de Unanswered Questions de Tristan Murail sont admirablement servies par Anne-Sophie Neves, et annoncent le goût prononcé de Vivier pour la mélodie.

Inspiré du roman éponyme de Hermann Hesse, narrant la quête spirituelle de Bouddha, Siddhartha est l’un des nombreux projets fous du compositeur québécois. L’orchestre symphonique ordinaire est ici divisé en huit groupes d’instruments, brisant ainsi le schéma classique du concert et ouvrant la voie à de nouvelles combinaisons de timbres. L’on doit cependant s’avouer un peu déçu une fois la demi-heure de musique écoulée. Après un début explosif, le flux de note semble ne jamais s’interrompre, et finit par faire paraître le temps long. En cause est probablement la direction, certes précise, mais un peu expéditive d’Olari Elts, qui ne fait pas ressortir suffisamment les contrastes que la partition semble porter en elle.

Malheureusement, ce trait de caractère ne fait que se confirmer dans le Chant de la Terre, à l’instar du « Trinklied vom Jammer der Erde », où les éléments à dessein hétéroclites de l’orchestration mahlérienne peinent à se rassembler en un ensemble cohérent et fluide. « Der Einsame im Herbst », dirigé au pas de charge, nous a rarement paru aussi rigide. Quelque chose semble se passer dans « Von der Schönheit », où l’on retrouve pour un instant les contrastes saisissant qui font le souffle de cette page orchestrale, mais le soufflé ne fait que mieux retomber dans le dernier mouvement. Malgré de magnifiques interventions solistes des musiciens de l’orchestre (flûte et hautbois principalement), c’est avant tout un sentiment de trop peu (ou trop froid) qui domine cette interprétation.

On comptait sur les voix pour se rattraper, mais ce n’est pas nécessairement mieux. Michael Schade a beau avoir enregistré l’œuvre avec Boulez, ce qui pouvait passer au disque il y a plus de quinze ans n’est plus convaincant aujourd’hui en concert. Malgré un « Von der Jugend » pas trop mal mené (car le moins exigeant des trois), on reste globalement sur sa faim, surtout dans le premier mouvement, où la voix ne passe l’orchestre qu’à de très rares occasion. La projection du texte ampoulée, servant probablement à compenser un timbre aigre et trop menu, n’a pour résultat que de le mettre en retard par rapport à l’orchestre, et de l’obliger à des respirations anarchiques un peu partout.

© IMG Artists

Il est assez aisé pour Alice Coote d’émerger de ce tableau pas franchement reluisant. Il faut concéder à la mezzo un timbre très seyant pour un Mahler tardif : pas trop ample, mais suffisamment à l’aise pour se frayer un chemin au travers des longues phrases lyriques qui parsèment la partition. Par opposition aux très beaux graves et au superbe médium, l’aigu nous paraît seulement un peu maigre, sans que cela altère pour de bon une prestation musicale très aboutie. De quoi pouvoir rentrer chez soi sans céder complètement à la frustration.

L’article Le Chant de la Terre — Paris (Radio France) est apparu en premier sur Forum Opéra.

La première partie propose les Vier ernste Gesänge (Quatre chants sérieux) op. 121 dans un arrangement effectué par le compositeur allemand Detlev Glanert. La différence majeure réside dans les interludes faisant guise d’enchaînements entre chaque pièce, afin de pouvoir jouer tout le cycle (rebaptisé Vier Präludien und Ernste Gesänge pour l’occasion) sans interruption. Ce procédé assez intéressant fait de ces quatre lieder une grande fresque vocale, et permet à l’arrangeur davantage de souplesse. En effet, si l’orchestration de la musique de Brahms est plutôt fidèle au style, les ajouts de Glanert se permettent un langage bien plus moderne, fait de collages harmoniques résolument contemporains. Reprochons simplement au postlude d’évoquer de manière bien trop évidente un final de symphonie de Mahler pour pouvoir rentrer dans l’un des deux styles nommés précédemment. La référence est certainement voulue, mais est-elle vraiment opportune?

Le baryton généreux et brillant de Michael Nagy se déploie chaleureusement tout au long du cycle. Cependant, le doute s’installe avec les premières voyelles ouvertes: la voix semble avoir du mal à tenir en place, et ce peut importe la tessiture. Seraient-ce déjà les signes de l’âge pointant à l’horizon? Rien n’est sûr, mais l’affaire est à suivre. Si l’interprétation n’est pas la plus ardente et passionnée que nous connaissions, la musicalité s’avère en revanche suffisante pour donner à cette méditation sur la mort une inspiration plus recueillie et mûre que sombrement cérébrale.

La direction d’Olari Elts passe d’un style à l’autre sans difficulté, assurant ainsi l’unité de cette réécriture. Ici encore, ce n’est pas l’exaltation passionnée que nous retiendrons de la performance, mais l’équilibre et la précision de l’Orchestre Philharmonique de Helsinki sont toujours au rendez-vous, témoignant d’une sage maitrise de l’harmonie et de la forme. 

A côté de ce cycle vocal figuraient deux pièces instrumentales. Tout d’abord, Weites Land dudit Glanert, dont le matériau structurant est tiré des premières mesures de la 4ème Symphonie de Brahms. Si l’orchestration nous laisse un peu circonspect par des choix d’instrumentation parfois discutables, nous sommes tout de même séduits par l’idée de la pièce.

Mais c’est surtout sur la réécriture de Luciano Berio que se portera notre attention. Avec cette orchestration de la Sonate pour clarinette op. 120 no. 1, le compositeur italien montre qu’il sait se couler dans le style de Brahms sans la moindre difficulté, le traitement orchestral ressemblant à s’y méprendre à celui du maître hambourgeois. La clarinette de Kari Kriikku brille par sa richesse de timbres, même si une prise de son perfectible lui fait manquer de soyeux. Olari Elts est déjà plus audacieux, sans pour autant perdre sa maîtrise de la forme de ce « quasi-concerto » pour clarinette.

L’article Brahms-Glanert : Vier ernste Gesänge est apparu en premier sur Forum Opéra.

Festival Présence signifie donc « musique contemporaine version premium », et l’effectif présent sur la scène de l’auditorium de Radio-France montre que l’on a mis les petits plats dans les grands pour l’occasion.

La première pièce, signée Ondřej Adámek, s’intitule Polednice, reprenant le nom d’une sorcière du folklore tchèque et composée sur un poème de Karel Jaromír Erben. L’instrumentation loufoque (orchestre, chœur, mais aussi casserole remplie d’eau, klaxon pour enfants et autres curiosités) crée une atmosphère à la fois ludique et angoissante. Le Chœur de Radio France, admirablement préparé par Martina Batič, ne fait qu’une bouchée de la prononciation tchèque et des difficultés rythmiques de la partition.

Avec True Fire, nous retrouvons la compositrice à l’honneur de ce festival, à savoir Kaija Saariaho. Le cycle de six pièces pour baryton et orchestre nous rappelle avec quelle aisance la compositrice finlandaise manie l’orchestre, mêlant les lentes évolutions de cellules rythmiques aux recherches de timbre et d’orchestration. Mais ces six numéros permettent aussi de découvrir la voix du baryton Davóne Tines, l’un des interprètes favoris de la compositrice. Outre une présence apaisante et une diction soigneusement travaillée, c’est le timbre chaleureux et rond qui impressionne, se glissant sans efforts au travers des nombreuses vocalises propres à l’écriture vocale de la partition.

Avec Extinction des choses vues, la compositrice estonienne Helena Tulve nous déploie une généreuse toile orchestrale, faisant penser à une pièce de Ligeti composée au ralenti. Le début nous fait craindre une grisaille systématique, mais en fait non, l’orchestre possède une riche palette de couleurs. Arrivés au climax, un glissando aux basses figure cette « extinction » et nous abandonne dans une atmosphère suspendue et méditative.

Orion est annoncé par le programme comme « la plus grande page produite par Kaija Saariaho » jusqu’à présent. Et il est vrai que l’on est pris de vertige par la densité de la masse orchestrale. Outre l’Orchestre national de France au plus grand complet s’ajoute une section percussion particulièrement touffue et surtout l’orgue de Thomas Ospital. Le premier mouvement, sorte de grand crescendo spectral nous apporte l’atmosphère planante du second, perché dans l’aigu, figurant la constellation éponyme, tandis que le troisième semble être une grande course-poursuite à travers les pupitres de l’orchestre. 

Saluons pour cette dernière pièce la direction du chef Olari Elts, faisant preuve de la précision des rythmes et des balances et de la retenue nécessaire pour chaque pièce. Au vu de la réaction du public comblé, les compositeurs peuvent se rassurer et continuer à écrire la musique d’aujourd’hui.

L’article Kaija Saariaho, True Fire – Festival Présences — Paris (Radio France) est apparu en premier sur Forum Opéra.

On se demande alors pourquoi Zoltan Balazs a transposé l’action dans un Japon imagé. L’épure des décors, l’éclat des costumes (très réussis), le froid hiératisme de la direction d’acteurs, l’appropriation intelligente de l’espace (les choristes, inquiétants, envahissent les loges et les balcons) forment un spectacle esthétique et finement réalisé, qui nous rappelle que Balazs a été l’élève de Bob Wilson. Mais tout cela semble bien peu en phase avec l’esprit d’un opéra qui appellerait tout le contraire : de l’énergie, de la tension, de l’exubérance jusqu’à l’excès. Vouloir révéler la psychologie intime des personnages, par le biais d’un travail d’une précision chirurgicale, est en soi fort respectable ; mais en ne respectant pas la lettre du Vampire, Balazs en trahit également l’esprit, et compose un spectacle bizarre, où tout ce qui se passe sur scène ressemble à la stricte négation de ce que dit la partition.

L’équipe musicale convainc plus franchement. A la tête d’un effectif assez mince (une quarantaine de musiciens, un peu moins de choristes), Olari Elts ne pouvait donner dans le déluge sonore auquel on associe souvent les œuvres romantiques. Il propose alors une théâtralité sèche et nerveuse, dont les angles et les arrêtes ne sont pas moins efficace que les couleurs sombres et opulentes souvent entendues ailleurs, dans ce répertoire. D’autant que sous sa baguette précise et dynamique, l’Orchestre de Bretagne sonne comme rarement : les cordes, bien plus rondes que d’habitude, atteignent presque le niveau des bois et des cuivres, toujours aussi subtils. Le chœur qui, on l’a dit, se retrouve souvent dispersé dans la salle, n’en montre pas moins une excellente cohésion.

Beaucoup des rôles principaux du Vampire étaient tenus par des jeunes chanteurs, finalistes du concours Mezzo, où ils seront jugés sur leurs aptitudes vocales et scéniques*. Le vampire de Nabil Suliman est le plus convaincant : voix claire mais percutante, le jeune baryton syrien compose avec brio un Ruthven inquiétant autant que séduisant. Forte d’un volume appréciable, Vanessa le Charlès n’a aucun mal à faire apprécier les splendeurs d’un timbre moiré ; les aigus restent à surveiller, qui sont souvent pris trop en force. Marc Haffner a tout le legato requis par « Wie ein schöner Frühlingsmorgen », avatar de l’air de Max dans le Freischütz, et Helen Kearns, à la voix quelque peu blanche et éthérée, réussit une belle ballade, au début du II (celle-là même qui, dit-on, inspira à Wagner l’air de Senta dans le Vaisseau Fantôme). Vétéran bienveillant de la troupe, Christophe Fel interprète les trois « pères nobles » de cette œuvre, qui décidemment démultiplie le schéma classique des typologies de personnages dans l’opéra romantique. On admire la clarté de sa diction, et la probité de l’interprète, qualités bien connues du public français. Pari réussi pour l’Opéra de Rennes, qui fait entrer avec succès le Vampire de Marschner au répertoire des salles françaises !

A lire aussi : Marschner vampirise l’Opéra de Rennes

*Toujours dans le cadre du concours Mezzo, le Vampire sera retransmis sur cette chaîne, en direct de Szeged, le 16 novembre prochain.
 

L’article MARSCHNER, Der Vampyr — Rennes est apparu en premier sur Forum Opéra.