Les choses s’arrangent un tout petit peu dans le « Qui est homo », même s’il est toujours évident que le chanteur est indisposé. Malheureusement, la rechute est indéniable dans le « Fac me vere tecum », où il est impossible de dissimuler quoi que ce soit, et où le naufrage le dispute à la vaillance. Certes, on admire la problité de l’artiste qui ne veut pas déclarer forfait, qui tente d’assurer jusqu’au bout et de sauver la soirée. Mais la nature est la plus forte, et ce que l’on entend ressort davantage du râle que du chant. Pire. Comme un dormeur insomniaque qui guette le son de la prochaine goutte d’eau, nous sommes comme aspirés par la catastrophe, et l’on se surprend à anticiper les interventions suivantes avec une curiosité malsaine. Comme pour aller jusqu’au bout du supplice. Qu’importent dès lors les innombrables atouts du disque : la baguette lyrique de Marek Janowski, un orchestre qui brille de mille feux, l’autorité naturelle de Tareq Nazmi ou les aigus cristallins d’Hanna-Elisabeth Müller ? Nous n’entendons plus que le martyr d’un ténor qui est pourtant capable de bien d’autres choses, comme dans une certaine Messe de Walter Braunfels publiée en 2017, par exemple. Que la conscience d’un artiste l’ait obligé à tenir le coup pour un soir, on le comprend aisément, voire on l’approuve. Mais qu’un label décide de faire paraître un tel témoignage enregistré dépasse l’entendement. A oublier au plus vite.

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Capté « en live » à Dresde en juillet 2022, avec les forces locales, ce coffret frappe d’abord par sa légèreté de touche. A rebours de tant de chefs qui s’embourbent avec l’âge, et qui essayent de faire passer pour de la profondeur la simple lenteur, Marek Janowski dirige la grande fresque de Haydn d’une baguette alerte, presque étincelante. Ce n’est pas seulement une question de tempi, mais de flux et de rebond. Tout s’écoule avec un naturel admirable, dans une partition qui est plus piégeuse qu’il n’y paraît, où les occasions de faire du pittoresque (et de traîner) sont nombreuses. Janowski parvient à détailler sans alourdir, et se contente d’allusions discrètes lorsque l’orchestre se fait plus imitatif (vrombissement des monstres marins, chants d’oiseaux). Point trop n’en faut, et le chef a compris qu’une certaine retenue est consubstantielle à l’esthétique classique. Qu’on n’attende donc pas ici les vertiges métaphysiques d’un Harnoncourt dans sa deuxième version (RCA) pas plus que l’émerveillement « écologiste » de Leonard Bernstein chez DG. Mais tout ceci est de la plus belle eau. Surtout que l’orchestre philharmonique de Dresde est sans doute la phalange idéale pour épauler le chef dans son projet. Contrairement aux voisins de la Staatskapelle, point de sonorités d’orgues ou de moirures trop voluptueuses. Les pupitres sonnent clairs, transparents, distincts les uns des autres. Tous les avantages d’une formation de chambre, avec cependant les réserves de puissance d’un orchestre complet, et le luxe d’une prise de son Pentatone qui arrive à rendre les détails sans décomposer trop l’image sonore. Même source de satisfaction avec le Chœur de la radio de Leipzig. Près de 60 chanteurs, mais aucune lourdeur, une ductilité et une mobilité constantes, et des finales qui sonnent vraiment comme si des troupes d’angelots étaient assemblées autour du trône céleste. Le « Vollendet ist das grosse Werk » donne envie de se lever et de danser.

A la lecture du nom des solistes, une certaine crainte nous a cependant saisi. Que ces trois tempéraments sont différents ! Benjamin Bruns est en train de se faire un nom comme ténor de caractère chez Wagner. Christiane Karg est une soprano au timbre aussi divin que liquide, qui nous avait notamment laissé un souvenir impérissable dans un Requiem de Brahms chanté à Londres. Et tous ceux qui ont eu la chance de voir Tareq Nazmi en concert savent les réserves de puissance phénoménales qu’il peut déployer, son intensité de profération, la force brute qui émane de son chant. Miracle à porter une fois de plus au crédit du chef : ces trois personnalités s’harmonisent parfaitement ici, et communient dans la vision apaisée que dessine le grand geste de Marek Janowski. Le ténor rayonne d’une joie presque enfantine, la soprano nous gratifie d’une ligne aérienne et la basse ponctue toutes les étapes de cette genèse de l’univers par des interventions aussi décidées que justes. Et les ensembles les voient fondre leurs timbres dans une unité qui force l’admiration. C’est aussi à cet art d’harmoniser des pôles musicaux opposés que se reconnaît l’art des grands chefs. Puisse Marek Janowski nous livrer encore beaucoup de coffrets d’un même niveau.

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Ariadne auf Naxos © Marty Sohl / Met Opera

Absent depuis une dizaine d’années de la première scène new-yorkaise, l’opéra de Richard Strauss est proposé dans la production d’Elijah Moshinsky, créée en 1993, avec Jessye Norman dans le rôle-titre et filmée dix ans plus tard en vue d’une parution en DVD avec Deborah Voigt et Natalie Dessay. Cette production tout à fait traditionnelle a bien traversé le temps, seuls certains costumes, ceux de Zerbinette et de ses comparses notamment, trahissent son âge. L’action est située au dix-huitième siècle, le prologue se déroule dans un décor monumental qui représente les coulisses d’un théâtre et l’arrière de la scène. Côté jardin, on aperçoit des escaliers qui mènent sans doute à l’appartement du riche propriétaire des lieux. L’acte unique se déroule  sur le plateau nu avec comme toiles de fond une succession de rideaux aux motifs bleutés. Le dernier s’ouvre pour laisser apparaître un voilier rouge lors de l’arrivée de Bacchus et, à la fin de l’opéra, un soleil gigantesque vers lequel se dirige le couple nouvellement formé.

La distribution, sans faille, offre un écrin de luxe à la prima donna. Les seconds rôles n’appellent que des éloges, Sean Michael Plumb campe un Arlequin vif et sonore au timbre chaleureux, Ryan Speedo Green ne lui cède en rien sur le plan du volume. Alok Kumar et Miles Mikkanen complètent avec bonheur ce quatuor facétieux. Les voix des trois Naïades se marient harmonieusement dans leurs interventions ponctuées par les suraigus de Deanna Breiwick. Leur apparition, juchées sur un dispositif à roulettes de plusieurs mètres de haut, produit un effet spectaculaire. Comme il le confie lors de son interview à l’entracte, Wolfgang  Brendel prend un grand plaisir à incarner le Majordome avec sa voix de baryton qui donne l’impression que par moment il chante. Isabel Leonard (le Compositeur) interprète son premier rôle Straussien au Met. La cantatrice est attachante, elle possède une belle présence scénique et une ligne de chant raffinée, son timbre clair traduit à merveille la jeunesse du personnage, cependant son duo avec Zerbinette recèle bien peu d’émotion et son air « Seien wir wieder gut » aurait gagné à conclure le prologue avec davantage d’éclat. Brenda Rae en revanche ne manque ni de brillance ni d’abattage. Ella campe une Zerbinette chaleureuse et sensible aux aigus étincelants et aux trilles impeccables, dont elle n’est pas avare. Son grand air « Grossmächtige Prinzessin » ne se réduit pas à une simple démonstration de virtuosité, il est empreint de tendresse et d’empathie vis-à-vis d’Ariane. Brandon Jovanovich s’impose dès son entrée grâce à sa voix solide et son timbre viril. Hélas, les choses se gâtent un peu lors du duo final dans lequel on l’aurait souhaité plus héroïque. De plus, ses aigus plafonnent et sonnent un peu bas. Il faut dire que le rôle est réputé inchantable et en face de lui, les moyens impressionnants de sa partenaire ne lui facilitent pas la tâche.

Ariadne auf Naxos © Marty Sohl / Met Opera

On l’aura compris Lise Davidsen est la grande triomphatrice de la soirée, le public ne s’y trompe pas et lui réserve une belle ovation lors des saluts. La voix est immense, les aigus insolents et les graves solides. De plus, la cantatrice possède un timbre chatoyant qui ne laisse pas indifférent. Son monologue « Es gibt ein Reich » tout empli de nostalgie, témoigne de sa capacité à nuancer sa ligne de chant, il constitue l’un des plus aboutis que nous ayons entendus. La saison prochaine, Davidsen aura de nouveau les honneurs d’une retransmission dans les cinéma, cette fois dans Le Chevalier à la rose où elle incarnera La Maréchale.

Au pupitre Marek Janovski propose une direction alerte dans le prologue, suave au cours de l’acte unique, puissante dans le final et scintillante de bout en bout.

Le samedi 26 mars,  le Metropolitan Opera retransmettra dans les cinémas du réseau Pathé Live Don Carlos de Verdi dans sa version originale en français.

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L’anecdote prouve la filiation dans laquelle s’inscrit toute l’œuvre d’Humperdinck, lequel restera à jamais marqué par l’épisode bayreuthien.  Sa musique est wagnérienne ; ses interprètes le seront aussi. Pas étonnant que la discographie de Hänsel und Gretel compte tant de prestigieuses baguettes, au pedigree wagnérien indiscutable : Karajan, Solti, Colin Davis, Tate, Thielemann, Runnicles, … Se mesurer à eux semble ne pas effrayer Marek Janowski. Il le fait avec les deux ingrédients qui ont fait le succès de sa récente intégrale Wagner : l’équilibre et le sens du détail. Rien qui presse ou qui pose dans cette direction, juste un sens souverain de l’architecture, un souci constant d’asseoir les sonorités d’orchestre sur des basses vrombissantes, et une rigueur rythmique jamais prise en défaut. Conception trop sérieuse, diront certains. Sauf qu’elle s’accompagne d’une profusion de couleurs qui satisfera les plus fins gourmets en matière d’orfèvrerie instrumentale. Que ce soient les cuivres de la chevauchée des sorcières, les bois délicatement gazouillants de la forêt ou les guirlandes de violons qui accompagnent la maison en pain d’épices, les amateurs d’orchestre chatoyant seront à la fête. Le Rundfunk-Sinfonie Orchester Berlin sonne glorieusement, mis en valeur par l’acoustique de la Philharmonie locale et des ingénieurs du son qui justifient la réputation de Pentatone comme label « audiophile ».

La distribution réunie sous cette baguette experte peut elle aussi soutenir la comparaison avec ses devancières. Elle vaut avant tout pour son esprit d’équipe, sa cohésion et son jeu « collectif ». Point de star, aucune diva qui tire la couverture à elle, mais une brochette de solistes qui s’inscrivent dans la logique de « luxe sérieux » voulue par le chef. On pourra y voir une faiblesse. Trouver que Katrin Wundsam et Alexandra Steiner, dans les rôles-titres, ont des timbres trop ordinaires, pas assez différenciés l’un par rapport à l’autre. Ce sera vrai, d’une certaine manière, mais comment ne pas reconnaître l’extraordinaire musicalité des deux artistes, leur naturel, leur osmose ? Albert Dohmen n’a jamais eu le plus beau timbre de basse du monde. La conduite de la voix et le soin amoureux avec lequel le chef le soutient font bien vite oublier ce que ce timbre peut avoir de roturier. Inversement, Ricarda Merbeth étale des moyens somptueux dans le rôle de la Mère. Aucune dureté, aucun cri, tout est phrasé avec un art consommé, au point qu’on se prend à en redemander après la scène de ménage qu’elle fait à son mari. De telles mégères, il en faudrait plus ! On aura beau jeu de pointer le contresens, surtout si l’on songe à la tradition qui consiste à confier la partie à des chanteuses en fin de carrière. Mais qui se plaindra que la mariée est trop belle ?

Confier le rôle de la sorcière à un homme n’est pas vraiment nouveau. On se souvient de l’incarnation désopilante de Philip Langridge au Met de New York, qui en faisait un numéro de drag-queen irrésistible de défonce. Sans disposer des mêmes moyens vocaux, Christian Elsner fait le choix d’apparier le personnage aux ténors de caractère wagnériens. Voilà une sorcière devenue subitement cousine de Mime et de Loge. Les voix délicieusement sucrées d’Alexandra Hutton et d’Annika Gerhards complètent une distribution finalement proche de l’idéal. Si vous n’avez pas encore acheté de cadeau de fin d’année pour vos amis lyricomanes, ce coffret au design très « Noël » constituera un excellent choix.

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Marek Janowski est ici en terrain connu, cela s’entend. Ce répertoire lui est à l’évidence naturel. Attentive aux climats, soucieuse de la progression dramatique, sachant valoriser les nombreuses beautés de cette partition, la direction du chef frappe d’abord par son équilibre. Certes, on cherchera en vain ici les sortilèges orchestraux de Carlos Kleiber, ou les béances métaphysiques de Wilhelm Furtwängler (deux directions qu’il faut impérativement connaître dans cette oeuvre), mais on louera la volonté permanente de ne pas forcer le trait, caractéristique que l’on retrouve dans la récente intégrale Wagner du chef. Entre le risque de trop tirer le Freischütz vers des cieux bayreuthiens (tendance bien présente dans la discographie), au point d’en faire parfois le numéro 0 de l’opus wagnérien, et celui, inverse, d’en faire un Sinsgspiel quasi mozartien, Janowski opère une synthèse aboutie. La construction de l’ouverture en propose un parfait résumé. Le chef a su, en outre, s’entourer d’une distribution particulièrement soignée.

Au premier rang, on placera sans l’ombre d’une hésitation le Max de Peter Seiffert, sans doute le meilleur de toute la discographie à avoir trouvé les chemins des studios. L’air « Durch die Wälder, durch die Auen » est tout simplement d’anthologie. Il a tout : un timbre étincelant, une émission insolente de franchise, un héroïsme qui jamais ne confine à la lourdeur (la fréquentation de grands rôles wagnériens ne se fait pas encore trop sentir). Loin de tant d’incarnations prosaïques ou simplement solides, on tient là, pour tout dire, l’idéal du rôle, et non pas, comme trop souvent, un Siegmund, un Danilo ou un Evangéliste égaré dans la Gorge aux loups.

De même, on fond devant l’Ännchen de Ruth Ziesak, miracle de fraîcheur jamais acidulée, de jouvence et d’insouciance vocales comme on aimerait en rencontrer plus souvent. Un délice, tellement préférable aux soubrettes aigrelettes trop souvent distribuées dans ce rôle.

Le Kaspar de Kurt Rydl est efficace, souvent impressionnant, sombre et menaçant sans en faire des tonnes. La fatigue vocale est néanmoins perceptible dans les vocalises finales de « Schweig, schweig ».

Les seconds rôles bénéficient de la même attention: Andreas Schmidt en Ottokar, Matthias Hölle en éremite, Roman Trekel en Kilian, c’est carrément du luxe : Bayreuth n’est pas loin.

La seule paille de cette distribution concerne, hélas, le rôle d’Agathe. Sharon Sweet est plus occupée à jongler avec ses registres qu’à rendre justice aux pages sublimes que Weber a écrit pour le rôle : l’aigu est crié, la conduite de la ligne souvent délicate, l’émission encombrée d’un instrument définitivement trop lourd… « Wie nahte mir der Schlummer » est par moment pénible, et la poésie miraculeuse de « Und ob die Wolke sie verhülle » est totalement absente. Si Max déploie tant d’efforts, au point de pactiser avec le diable, ce n’est à l’évidence pas pour entendre sa promise lui chanter des refrains… Les mânes de la divine Elisabeth Grümmer, inapprochable dans le rôle, peuvent être tranquilles. On regrette – et comment ! – que le producteur de cet enregistrement n’ait pas, alors, croisé la route d’Anne Schwanewilms…

Reste que si l’on met de côté cette réserve – mais elle est de taille – on tient là sans doute un des meilleurs enregistrements studio contemporains de l’oeuvre.

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Au diapason de ce qu’écrivait Christophe Rizoud en mai 2012, on a envie de réhabiliter ce Ring trop souvent décrié ou méprisé. Non qu’il s’agisse de transformer des vessies en lanternes, au sein d’une discographie comportant tant de versions à juste titres légendaires. Point de légende ici, encore moins de vertige cosmique. Pour cela, voyez Furtwängler, Böhm, Keilberth, Knappertsbusch, Krauss, Solti ou Karajan, pour ne prendre que les plus marquants. L’amateur sera même, par moments, confronté au reflet sans fard de ce testimonium paupertatis qu’était le chant wagnérien au début des années 80. Ainsi, le Siegfried de René Kollo, qui renvoie impitoyablement à une fable de La Fontaine où il est question de grenouille et de boeuf, la Brünnhilde de Jeannine Altmeyer, vite dépassée par les événements, ou le Wotan de Theo Adam, gris et élimé. Mais à côté, pourquoi faire la fine bouche face à la Sieglinde plantureuse et Jessye Norman, au Siegmund engagé et fort bien chantant de Siegfried Jerusalem, aux Hagen et Fafner luxueux de Matti Salminen, au Loge très fin diseur (ça compte!) de Peter Schreier, au Hunding opulent de Kurt Moll, à l’Alberich pénétré de Siegmund Nimsgern ? Quant aux seconds rôles, entre la Woglinde de Lucia Popp (la plus belle de la discographie avec Schwarzkopf ?) et l’Ortlinde de Cheryl Studer, l’auditeur y trouve aussi son compte.

Cette distribution n’a en définitive pas à rougir, loin s’en faut, au regard de ce qui se pratiquait à Bayreuth à la même époque (elle est globalement supérieure au Ring enregistré de Boulez, sans parler de celui, qui lui a succédé, de Solti) ou même de ce qui se trouve aujourd’hui sur certaines scènes prestigieuses (on renverra au Ring viennois de Thielemann…).

Non, ce qui manque en réalité à ce Ring, et constitue un handicap rédhibitoire, c’est surtout une direction d’orchestre digne de l’oeuvre. Celle de Marek Janowski est ici déséspérement plate et sans relief. On sera d’autant plus sévère qu’il dispose d’une phalange – la Staatskapelle de Dresde – pas avare de qualités intrinsèques. Surtout, le même chef, 30 ans plus tard, a su se montrer autrement plus inspiré à la tête des forces de la radio de Berlin, dans le cadre de son intégrale Wagner enregistrée pour Pentatone Classics. C’est donc plutôt là, on l’aura compris, qu’il faut aller découvrir sa vision du Ring.

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Avec bonheur, on retrouve pour cet opus ultime du cycle Wagner de Marek Janowski, édité par Pentatone Classics, la direction toujours aussi tonique et vivifiante du chef, que les années, à rebours de toute logique, semblent avoir fait rajeunir. Au prologue, la scène des Nornes est d’emblée placée sous le signe d’une intensité dramatique qui ne se dément pas durant les plus de quatre heures de l’œuvre. Quant au duo Siegfried/Brünnhilde, si souvent lourd et pesant, il gagne ici une fraîcheur et un allant qui font oublier la relative trivialité de ces pages très convenues. Tout au long de l’écoute, on est conquis par le naturel et l’évidence de cette direction, déjà saluée dans les trois premiers volets du Ring, et qui a l’immense vertu de dépoussiérer cette musique pour mieux faire ressortir sa force dramatique et l’insondable complexité de son écriture. Cela se vérifie en particulier dans les interludes orchestraux, absolument irrésistibles. Une fois encore, il faut rendre l’hommage qui leur est dû aux ingénieurs du son de Pentatone Classics, dont la prise de son, idéale de transparence, est un modèle du genre : chapeau bas.
 

Quel dommage que le chef n’ait pas proposé, avant la représentation, un peu de son élixir de jouvence aux deux principaux protagonistes vocaux de la soirée ! Car il faut bien reconnaître que le Siegfried de Lance Ryan et la Brünnhilde de Petra Lang constituent les deux déceptions de cet enregistrement, et de taille. Impossible de passer sous silence, pour elle, en dépit d’une certaine forme de robustesse, l’engorgement quasi permanent de l’émission, un aigu tiré et souvent laid, et pour lui une émission poussive et trémulante doublée d’un timbre nasillard qui donnerait presque l’impression que Brünnhilde a jeté son dévolu sur… Mime ! Sans doute s’agit-il, pour ces deux chanteurs par ailleurs familiers de ce répertoire, d’une « soirée sans », inévitable pour qui fait son gagne pain de la fréquentation de rôles aussi épuisants. Cette évidente méforme vocale disqualifie hélas des scènes entières de l’œuvre: le duo du prologue, la scène finale du I, une bonne partie du II. Étonnamment, nos deux « héros » semblent se ressaisir sur la fin : Siegfried meurt à peu près dignement (à moins que ce ne soit l’effet du soulagement d’être arrivé vivant au bout de la soirée ?) et Brünnhilde apparaît en meilleure forme pour l’Immolation : on ne s’en plaindra pas.

Le reste de la distribution se situe au diapason de la direction du chef : saine, juvénile et de haute tenue. Il y a bien longtemps (depuis Grümmer ?) que l’on n’avait pas entendu une Gutrune aussi convaincante que celle d’Edith Haller : elle arrive à faire exister son personnage, ce qui est une gageure. On retrouve avec bonheur l’Alberich idoine de Jochen Schmeckenbecher, assurément un des meilleurs du moment. Le Gunther de Markus Bruck ne dépare pas l’ensemble, même si, contrairement à sa sœur, il ne parvient pas totalement à gommer le caractère falot de son personnage. La Waltraute de Marina Prudenskaya est époustouflante : la voix est superbe, idéalement timbrée sur l’ensemble de la tessiture, prenante, et l’investissement dramatique total. Elle écrase sans difficulté sa demi-sœur lors de leur confrontation… Très bonnes Nornes et Filles du Rhin, parfaitement idiomatiques et, contrairement à une habitude fâcheuse, aucunement sous-distribuées (on rappellera à ce sujet qu’Astrid Varnay, Martha Mödl et Birgit Nilsson, les trois grandissimes Brünnhilde de l’après-guerre, ne dédaignaient pas, pour se mettre en voix, endosser les habits de la Deuxième Norne au début du Crépuscule…). Les chœurs de la Radio de Berlin, placés entre les mains expertes d’Eberhard Friedrich, sont, comme toujours, superlatifs. On terminera par un gigantesque coup de chapeau, doublé d’un coup de cœur, pour le Hagen majuscule de Matti Salminen, vieux routier des scènes wagnériennes qui, à 70 ans passés, semble défier le poids des ans : voilà une authentique incarnation, idéale de noirceur, maléfique, terrifiante à force d’insinuation, servie par une diction irréprochable : une vraie trogne vocale, qui sert à l’auditeur une leçon de théâtre en musique. Pas de doute, c’est bien lui qui tire les ficelles du drame !

Seule la contre-performance criante (dans tous les sens du terme…) du couple de héros empêche d’accorder à cet enregistrement les 4 cœurs que par ailleurs il mériterait tellement. Qu’importe ! Finis coronat opus : ce Crépuscule des Dieux clôt superbement le pari d’une certaine manière insensé de ce cycle Wagner entamé fin 2011 et déroulé sur deux années pleines. Une grande continuité caractérise ces dix enregistrements : c’est celle qui découle de la direction du chef, idéalement dramatique, nerveuse, aérée. Pour servir ce dessein, le chef a réussi, à de très rares exceptions près, à réunir auprès de lui des distributions d’un très bon niveau (avec, bien sûr, quelques regrets: Kaufmann, Pape…). Cela nous vaut, au total, une des initiatives les plus remarquables de ce bicentenaire wagnérien : elle permet de constater qu’en 2013, sous l’ombre tutélaire des grands anciens, on peut encore avoir quelque chose de neuf à apporter à la discographie wagnérienne. Au moment où il s’achève, on saluera donc avec gratitude ce projet rafraîchissant et si utile. C’était un pari : assurément, il est gagné.

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