Carmen, The Grange Festival 2017 © Robert Workman

La partie musicale recèle quelques vraies pépites. Nahama Goldman est une Carmen absolument superbe, à la ligne de chant impeccable et au français soigné, sachant intelligemment colorer les mots en fonction de la situation dramatique. Et le ramage est à la hauteur du plumage : scéniquement, son abattage fait merveille, comme si elle avait fréquenté ce rôle depuis de nombreuses années, et son français est impeccable. Au dernier acte, la mise en scène nous la propose soumise et résignée face à son destin, un parti pris qui peut se justifier. Toutefois, nous avouerons qu’un tel tempérament aurait été peut-être plus efficacement exploité avec quelques débordements histrioniques ! Dramatiquement, le Don José de Leonardo Capalbo est au diapason de sa Carmen, capable de figurer toute une gamme de sentiments. Le chant est stylé, le français très correct, avec un beau phrasé et une belle musicalité. Suivant la situation dramatique, l’aigu est tantôt puissant (avec un contre ut additionnel au finale du II), tantôt éthéré (le chanteur opte pour une fin pianissimo de l’air de la fleur). Si on apprécie un tel engagement, le rôle est quand même à la limite des moyens de ce ténor lyrique. C’est sans doute une certaine fatigue qui explique qu’à plusieurs occasions, dans le médium, des harmoniques en dessous de la tonalité viennent se méler à la note juste. L’Escamillo de Phillip Rhodes est certes physiquement séduisant (ce qui suffit souvent pour être engagé dans certains festivals méridionaux), mais il est surtout impeccable vocalement, avec une belle noirceur de timbre, de légères nasalités à la française qui font irrésistiblement penser à Robert Massard et à l’ancienne école de chant français. A l’entendre, on oublie les difficultés de ce rôle, bien plus ardu à chanter que le grand public ne le pense généralement. La Micaëla de Shelley Jackson est un petit plus en retrait : voix franche et saine (elle aussi se permet de rajouter un aigu), mais français difficile à suivre, non pas tant en raison de l’accent que de l’articulation, et le personnage a du mal à prendre corps. Des seconds rôles, on retiendra en particulier l’excellent Dancaïre de Tiago Matos, ses collègues étant quant à eux d’un très bon niveau. Théâtralement, les choeurs sont excellement dirigés. Vocalement, l’ensemble manque d’unité, quelques puissantes individualités suffisant à entrainer leurs collègues.

Jean-Luc Tingaud est un des atouts de la réussite de cette soirée. Sa direction est vive et ne laisse jamais faiblir la tension. La lecture allie efficacité dramatique et lecture analytique. Rarement a-t-on entendu se détacher aussi bien les contre-chants, ressortir des détails de la partition que l’on n’entend pas d’habitude (malheureusement, notre placement en extrémité de rangée pas loin de la grosse caisse et des trompettes ne nous a pas permis de profiter de toutes ses subtilités !). Cette lecture ne se fait jamais aux dépens de la progression théâtrale de l’oeuvre et l’orchestre est en osmose totale avec son chef.

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Comme il s’agissait d’une académie, la bienveillance est de mise, il s’agit davantage d’encourager les élèves que de souligner tout ce qu’il leur reste à améliorer ; le critique serait de toute façon bien en deçà des professeurs dans cet exercice, lui qui ne sait presque toujours que constater et non apporter de solutions techniques à ce qu’il fustige.

D’une façon globale, on louera chez tous un véritable effort sur la diction. A de ponctuelles exceptions près, ils sont tous parfaitement compréhensibles. Michel Plasson et Sophie Koch nous confiaient justement en interview avoir été particulièrement exigeants à ce sujet, et le résultat est là, bien meilleur que ce que l’on entend souvent dans les grandes maisons d’opéra, y compris en France.

Si l’on essaye de les regrouper par qualités majeures, on louera une belle générosité chez la Salomé de Leah Crowne, tout comme dans les stances chantées par le Werther d’Alok Kumar ou chez le Rodrigue fiévreux de David Sumbadze. Ceux dont la sincérité nous a semblé la plus touchante furent Elisabeth Gimmling au Siebel sans déguisement, Reksi Sata qui de Leïla à Lakmé a bien su rendre la délicatesse que Bizet a insufflé à ses personnages et Olivier Dejean qui, avec la rare Reine de Saba de Gounod, n’a pas choisi la facilité et fait pourtant montre d’une grande élégance. Le sens de la mise-en-scène, c’était avec Albane Carrère dont la belle Hélène savait habilement prendre la pose et nous avons été séduits par l’expressivité, la véritable intelligence théâtrale de Tiago Matos qui rendirent ses Lescot et Moralès immédiatement attachants. Le baryton Joan Martin-Royo a vraiment convaincu en Albert, technique solide, voix bien focalisée et très bon jeu. La palme de la virtuosité revient sans conteste à Blerta Zeghu qui ouvrit le concert avec la valse de Juliette, aux aigus triomphants quoiqu’encore un peu amples et phrasée avec un vrai soucis de finesse. Côté technique, Yu Shao est sans rival ce soir, ce ténor léger plus à sa place en Nadir qu’en Roméo n’en a pas moins délivré un très beau « Lève-toi soleil » auquel ne manque plus qu’un sens dramatique plus présent. On regrette que Julien Véronèse ait été malade, et contraint d’annuler son air de Zurga tant son Dr Miracle s’imposait avec une grande authenticité; ce que nous avons entendu à la générale nous convainc qu’il comptera bientôt dans ce répertoire qu’il défend déjà avec le Palazetto Bru-Zane. Enfin notre coup de cœur va à Chloé Chaume : précision de l’émission, clarté du timbre, densité des harmoniques, diction affutée, et élégance ; certes Micaëla n’est pas le personnage le plus profond du répertoire mais son « Je dis que rien ne m’épouvante », redoutable sans en avoir l’air, pousse beaucoup de chanteuses à se contenter de jouer les oies blanches pour ne pas déraper. Or ce soir il nous a semblé entendre une Micaëla plus combative que d’habitude.

Avec la Giulietta de luxe de Sophie Koch, le concert s’est conclu par le septuor des Contes d’Hoffmann, assez imprécis, malgré tous les efforts d’Emmanuel Plasson : mais on ne saurait le lui reprocher, c’était surtout un morceau permettant à tous de revenir sur scène, et un septuor à 14, cela tient plus du chœur en canon. C’est Michel Plasson enfin qui a dirigé la Barcarolle donnée en bis, souffrant du même défaut mais emportant l’adhésion d’un public toujours très attentif et encourageant. 

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Dans les décors en trompe-l’œil de Patricia Ruel, animés par les lumières d’Étienne Boucher qui leur donne les pulsations de la vie, de l’amour et de la mort, oscillant, comme la composition même de l’œuvre, entre boîte à musique, théâtre de marionnettes et peinture expressionniste (on pense à Ludwig Kirchner et mais aussi au Cabinet du Docteur Caligari), la mise en scène d’Oriol Tomas fait mouche : sobre et incisive, elle procède par petites touches, sans se complaire dans le pathos ni dans l’humour que souligne discrètement l’inventive diversité des costumes joyeusement fantaisistes de Laurence Mongeau.

Pour cette musique dans laquelle l’héritage de Debussy est souvent perceptible, un volume sonore un peu moins élevé, dans le premier acte, assurerait un meilleur équilibre entre la fosse et la scène. Mais l’Orchestre régional Avignon-Provence, sous la baguette de Claude Schnitzler, déploie, surtout dans le second acte, une palette de nuances permettant de belles fusions entre voix et instruments.

Les Caprices de Marianne, Avignon 2015 © Alain Julien

Nous ne pouvons que redire ici les qualités des interprètes déjà soulignées par nos confrères lors des représentations données dans les lieux évoqués plus haut : la soprano Zuzana Markovà est assurément une Marianne évoquant celle à laquelle on pense en lisant Musset. La clarté de sa diction et la précision de son émission concourent à lui en donner le caractère, et si l’on regrette des aigus un peu durs, on peut aussi les entendre comme l’incapacité du personnage à aimer vraiment. L’excellent ténor Cyrille Dubois est d’une douceur rêveuse et d’une expressivité touchante, terminant pianissimi des envolées qui se dissolvent dans la musique. Le personnage d’Octave est magistralement interprété par le baryton Philippe-Nicolas Martin, parfaitement à l’aise scéniquement et vocalement, servi par une élocution claire et une grande homogénéité dans les différents registres, disposant lors de cette représentation à Avignon d’une belle projection et d’un sens aigu des nuances. La basse Thomas Dear compose un Claudio parfait en mari jaloux de comédie, dont les irrégularités d’émission, parfois engorgée, parfois nasale, sont sans doute à mettre sur le compte de l’interprétation vocale d’un personnage qui est une caricature. En Tibia, le ténor Raphaël Brémard est inquiétant à souhait, excentrique et fanatique à la fois, tandis que Julien Bréan incarne plaisamment, avec sa haute stature, une duègne aussi dévote en apparence que vénale. Saluons également la prestation touchante de Sarah Laulan en Hermia, mère de Coelio, les interventions amusantes de l’aubergiste au sourire éclatant campé par Jean-Christophe Born, qui a quelque chose de Charlie Chaplin, et de Tiago Matos en chanteur de sérénade.

Souhaitons bon vent à ces Caprices qui permettront à un plus large public de découvrir un aspect un peu oublié du théâtre musical français des années 50 du vingtième siècle, évoquant ce qu’Octave, s’adressant à Coelio, appelle « une gracieuse mélancolie ».

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Au moins, en 1954, la mise en scène et les décors cherchaient-ils à épouser au plus près le livret. On en est loin avec ce spectacle. Sans doute Patricia Ruel pourra-t-elle faire valoir qu’en reproduisant la galerie Umberto Primo, elle plante un décor authentiquement napolitain. Mais ce réalisme montre en fait une incompréhension de la Naples de Musset, née de la littérature et de l’imagination.et non d’une restitution de surcroît anachronique. A renoncer au lieu primordial – le  balcon auquel Marianne n’apparaît jamais – on se prive sans profit des résonances littéraires et musicales (Beaumarchais, Rossini, par exemple). A vêtir Marianne d’une robe corolle au-dessus du genou, Laurence Mongeau en fait une femme tentée par la frivolité, fût-elle bcbg, voire coquette, ce qu’elle n’est en aucun cas. Quant aux lumières d’Etienne Boucher il ne faut pas compter sur elles pour percevoir l’unité tragique, celle du celle du temps dont l’écoulement, depuis la sérénade nocturne initiale à l’assassinat du lendemain soir, avec les repères de la messe et des vêpres, conduit inéluctablement à la catastrophe.  La mise en scène d’Oriol Tomas enfin semble plus d’une fois chercher ses marques dans l’espace central censé être à l’aplomb du dôme de la galerie, qu’il voit comme la métaphore de l’enfermement des personnages. On reconnaît volontiers une attention soutenue à la direction d’acteurs, mais pourquoi faut-il qu’il interprète les propos des personnages comme s’il connaissait mieux qu’eux-mêmes leurs sentiments ? Ainsi il est absolument sûr qu’Octave aime Marianne. Le texte ne le dit pas. La musique, alors ? Cela reste à démontrer. En tout cas nous n’avons pas senti ce qui pour nous est l’essentiel, un contexte de comédie qui vire au drame.

Coelio (Cyrille Dubois) Claudio (Thomas Dear) Marianne (Zuzana Markova) la duègne (Julien Bréan) © Christian Dresse

Par bonheur, ces motifs de déception sont en partie rachetés par la qualité des interprètes. Julien Bréan est une impressionnante duègne, haute taille, voix profonde. Tiego Matos lance avec conviction sa sérénade, et Jean-Christophe Born assure sans peine en aubergiste avenant et serviable. Tibia échoit à Raphaël Brémard, appliqué à bien montrer sa soumission à son maître et Hermia à Sarah Laulan, dont la belle couleur vocale semble à l’étroit dans ce rôle bref. Impressionnant lui aussi physiquement, le Claudio  de Thomas Dear a une diction et une projection des plus nettes. C’est un peu moins le cas, pour ce qui est de la projection, pour Philippe-Nicolas Martin, Octave sensible et juste scéniquement mais parfois couvert par l’orchestre. En revanche Cyrille Dubois confirme, un mois après son Pâris à Toulon, l’éclectisme de son talent : il réussit à rendre émouvant, par sa diction vibrante et son chant à l’émission magnifiquement contrôlée, un personnage que son discours et le contexte pourraient tirer vers le ridicule. C’est une véritable joie de se dire que l’art lyrique tient d’ores et déjà en lui un protagoniste majeur des années à venir. Sa Marianne ne lui cède en rien ; confrontée à un rôle conçu pour Lily Pons, donc hérissé d’acrobaties vocales dans le haut de la gamme, Zuzana Markova démontre à nouveau la maestria technique et interprétative qui nous avait ébloui dans La Traviata sur la même scène. Belle à voir et bonne actrice, elle conserve au personnage sa noblesse intrinsèque, en dépit d’une image de grande bourgeoise plus digne de Marcel Aymé que d’Alfred de Musset, et, cerise sur le gâteau, sa diction du français est excellente !

Claude Schnitzler s’ingénie à servir l’œuvre comme un chef d’œuvre, et obtient une belle réponse de l’orchestre maison, qui réagit avec précision et surmonte avec justesse les chausse-trapes des dissonances et des modulations dont la partition n’est pas avare. Ils obtiennent aux saluts  une bonne part du succès, devant une salle qui peut-être à cause du temps exécrable n’était pas archipleine. Que nos réserves ne dissuadent pas d’éventuels lecteurs d’assister aux représentations : le spectacle se laisse voir sans déplaisir et la  musique de Sauguet offre maints régals harmoniques et même mélodiques. Quant au chant, si la seconde équipe est à la hauteur de la première, c’est une bonne soirée assurée et c’est l’intérêt essentiel de cette tournée que de servir de tremplin à de jeunes interprètes. Sans nul doute  ils ont été sélectionnés avec soin selon des critères de compétence artistique et technique. A-t-on été aussi exigeant pour les concepteurs du spectacle ?

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Les conditions de préparation de cette production ont été évoquées par Laurent Bury dans son compte rendu des premières représentations à Reims avant une longue tournée à travers la France et en Suisse*. Il est certain qu’une solide préparation de deux distributions différentes composées de jeunes chanteurs, avec des possibilités d’échanges de certains d’entre eux de l’une à l’autre, rend l’ensemble extrêmement cohérent. L’équipe canadienne des décorateurs (Patricia Ruel et Laurence Mongeau) a créé une vision onirique des choses, avec de fort beaux éclairages d’Étienne Boucher, un peu comme si Peynet s’était promené dans la galerie Umberto I^er de Naples. Mais là s’arrête la comparaison ; la fluidité du spectacle qui en découle est particulièrement propice à l’enchaînement constant des scènes et aux entrées et sorties des protagonistes, et au total fort efficace.

© Jacques Galaup / Opéra de Massy

La distribution de ce soir est quasiment sans faille. Bien sûr, si l’on fait référence à la créatrice du rôle de Marianne, Graziella Sciutti (et à Lily Pons qui avait été prévue à l’origine), on regrettera qu’Aurélie Fargues n’ait pas une voix aussi légère et aérienne. Mais elle construit au fil de la représentation un personnage qui se tient, sans jouer les femmes fatales irresponsables, et donc sans paraître vraiment antipathique. Marc Scoffoni (Octave) et Cyrille Dubois (Cœlio) sont, dans des registres différents, parfaitement complémentaires ; à la belle voix de baryton et à l’autorité du premier répond la voix de ténor parfaitement menée du second, qui ajoute au personnage un côté rêveur et immature encore accentué par la mise en scène. Une mère de grande prestance et à la fort belle voix de mezzo (Julie Robard-Gendre), un Tibia, une duègne et un chanteur de sérénade réjouissants (Carl Ghazarossian, Jean-Vincent Blot et Tiago Matos), un aubergiste fort amusant dans sa parodie de chanteur napolitain nous renvoyant aux plus beaux jours du Châtelet (Xin Wang). Seul Thomas Dear en Claudio, malgré toutes ses qualités vocales et scéniques, est moins crédible en mari trompé, du fait de son jeune âge.

L’orchestre de Massy, souvent un peu trop fort, est très bien dirigé par le jeune Gwennolé Rufet, second chef permanent de la production, qui insuffle à la partition un élan irrésistible, et maintient un bel équilibre musical et rythmique entre la fosse et le plateau. Serons-nous pour autant convaincus de l’intérêt de cette œuvre très datée, qui apparaît plus comme une curiosité que comme un chef d’œuvre universel ?

* Les étapes de la tournée, après Reims, Metz et Massy : Marseille les 29, 30, 31 janvier et 1er février 2015, Tours les 13, 15 et 17 février, Rennes les 23, 25 et 27 mars, Avignon les 12 et 14 avril, Saint-Etienne les 14, 16 et 18 octobre, Nice en novembre, Rouen les 11, 13 et 15 décembre, Toulouse les 22, 24, 26, 29 et 31 janvier 2016, Bordeaux les 19, 21, 22 et 23 février, Limoges les 10 et 12 mai, et Neuchâtel (date à définir).

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Imposer un concert Rameau aux membres de l’Atelier lyrique de l’Opéra de Paris, cela se justifie par le fait que nous sommes en 2014, mais malgré la très lente pénétration du compositeur dijonnais dans les programmations de par le monde, qui dit que ces jeunes chanteurs le retrouveront jamais au cours de leur carrière ? Enfin, même si leur formation les destine à un tout autre répertoire, il est bon qu’ils se soient frottés à ce style, et où le feront-ils si ce n’est en France ? On admire donc l’art avec lequel tous s’efforcent de canaliser des organes généreux pour ne pas trop écraser la musique de Rameau, interprétées avec une grâce parfaite par l’ensemble Les Folies françoises dirigé par Patrick Cohën-Akenine. Andriy Gnatiuk, superbe voix de basse, fait ainsi forte impression en Huascar, malgré un français encore à améliorer. Armelle Khourdoïan, très stylée, s’avère hélas fort peu expressive dès que l’on ferme les yeux. Joao Pedro Cabral a le mérite de s’aventurer dans une tessiture de haute-contre à la française, sans doute un peu tendue pour ses moyens, qu’il semble forcer un peu trop. Tiago Matos est plus à l’aise en Thésée et livre une belle invocation à Neptune. Avec un art exquis de ciseler le français, Andreea Soare campe une fort belle Aricie. Mais l’on retiendra surtout la Phèdre d’Elodie Hache, authentique tragédienne, comme l’avaient déjà laissé deviner ses précédentes prestations. En conclusion d’un programme unissant des extraits des deux Rameau les plus souvent donnés à l’Opéra de Paris (Les Indes Galantes et Hippolyte et Aricie) à une œuvre moins fréquentée (Les Surprises de l’amour), tous les artistes réunis ont interprété, ô surprise extrême, « Forêts paisibles », sous les applaudissements d’un public enthousiaste mais pas forcément très connaisseur : à la sortie, de braves gens se demandaient où ils avaient bien pu déjà entendre du Rameau : mais au générique de l’Eurovision, pardi ! [Laurent Bury]

Concert Rameau, Atelier Lyrique de l’Opéra national de Paris, Les Folies françoises, Patrick Cöhen-Akenine, violon et direction, Auditorium du Louvre, mercredi 16 avril, 20h

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