Privé de sa composante visuel, ce premier opéra du chef et compositeur belge (né en 1937) n’échappe pas entièrement à une certaine monotonie. Il semble parfois que Pierre Bartholomée se soit donné pour modèle un œuvre dont les qualités dramatiques sont loin d’être évidentes : Saint François d’Assise, auquel on songe à plusieurs reprises, notamment à cause d’une certaine façon de déclamer le français, à cause de sonorités rappelant une modernité déjà entrée dans l’histoire, et sans doute aussi à cause de l’artiste qui interprète le rôle-titre, durablement associé à l’œuvre de Messiaen. On se raconte, on parle ici bien plus qu’on n’agit, mais la partition exige des chanteurs des écarts et une véhémence un peu systématique dans l’intonation, là aussi source d’une relative uniformité.

C’est surtout sensible pour deux des trois rôles principaux. Le ténor français Jean-Francis Monvoisin s’est peu à peu fait une spécialité des rôles les plus lourds, non sans forcer ses moyens, avec des résultats assez déplaisants à entendre, déjà en 2003. Son Clios n’échappe pas à ce constat, et même en dehors des aigus un peu criés, la voix n’a rien de bien agréable. Le problème est un peu identique avec la soprano italienne Valentina Valente, la première chanteuse de la péninsule à interpréter la Lulu d’Alban Berg, et qui participa à la création italienne du Lear de Reimann qu’on verra l’an prochain à l’Opéra de Paris. On le voit, les partitions les plus ardues ne lui faisaient pas peur, mais son Antigone est un peu trop uniformément criarde : ce qui passe dans les premières minutes pour un dramatisme bienvenu tourne vite au glapissement systématique. Pour José Van Dam, alors âgé de 63 ans, les adieux à La Monnaie étaient encore loin (ils ne viendraient qu’en 2010, avec le Don Quichotte de Massenet). Sans avoir conservé toute la souplesse de sa jeunesse, la voix avait alors encore beaucoup de ressources, et cet Œdipe écrit pour lui exploitait parfaitement ses qualités d’interprète.

Dans des rôles nettement plus épisodiques, on distingue Hanna Schaer en Diotime, ou la mezzo britannique Ruby Philogene. Le chœur étant « invisible », selon un procédé qui n’allait pas tarder à devenir un peu trop pratiqué, sa voix est parfois, sinon inaudible, du moins assez étouffée car venant des coulisses. A la tête de l’orchestre symphonique de la Monnaie, Daniele Callegari ne peut faire de miracle et conférer à l’œuvre tout le sel qu’on aurait aimé y trouver.

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En 2008 à Bordeaux déjà, The Turn of the Screw, mis en scène par Dominique Pitoiset, avait su rallier nos suffrages. Un pavillon de banlieue meublé années 1960, avec au fond une baie vitrée ouverte sur un jardinet sert de décor unique et coutumier au drame qui, conformément au titre de la pièce, se visse peu à peu jusqu’à basculer dans l’horreur. Des lumières blafardes, des costumes anonymes, une scénographie explicite déposent sur les engrenages diaboliques de l’histoire leur goutte d’huile frelatée. Mais, en franchissant la Loire, le spectacle semble avoir perdu de sa stimulante ambiguïté. Les questions sur la santé mentale de la gouvernante, l’existence des spectres ou la nature des relations entre les différents protagonistes n’ont plus lieu d’être. Non que le parti-pris scénique se soit simplifié – on reste séduit par cette approche factuelle qui fait du chef d’œuvre de Britten un opéra de la folie ordinaire – mais la lecture musicale radicalise le propos. Qu’il s’agisse de la direction implacable d’Ariane Matiakh, d’une efficacité démoniaque mais dépourvue de mystère, ou de la manière dont les deux fantômes hantent l’opéra. Cecile Perrin est une Miss Jessel trop puissamment affirmée pour laisser place à la moindre supposition. La puissance de la voix, la chair meurtrie du timbre écartent d’emblée toute tentation d’hypothèse. Le Peter Quint de Jean-Francis Monvoisin prête encore moins matière à discussion, plus violent que malsain, horrifique ne serait-ce que par la manière dont il (ab)use d’effets réalistes, dépassant les limites d’un insolite sprechgesang pour oser le cri, sans que la composition ne sombre cependant dans le grandguignolesque. Là est l’exploit d’une incarnation en panne d’étrangeté, qui engendre un tenace sentiment de malaise.

 
En double salubre de la Gouvernante, Hanna Schaer reste confondante de vérité vocale et scénique. Les deux enfants – Louise Van der Mee et Samuel Mallet, 13 ans l’un et l’autre – sont élèves de la Maitrise d’enfants du Conservatoire de Tours. Leur inexpérience, que révèlent verdeur et raideur, peut être envisagée comme un surcroit de perversité. A Bordeaux, Mireille Delunsch proposait de La Gouvernante un portrait que l’on pensait définitif. Isabelle Cals réussit à atteindre la même intensité d’expression, tant le jeu et le chant épousent les moindres inflexions du rôle. Désormais soprano à part entière (après avoir chanté Carmen, Concepcion et Metella), la voix répond à toutes les sollicitations de la partition, moins charnelle que spirituelle mais vacillante et déterminée, acerbe et douce, pitoyable et inquiétante, en un mot : équivoque. Et si finalement, ce Tour d’écrou tourangeau continue d’interroger, une fois le rideau tombé, c’est par la force d’une interprétation qui, sans concéder la moindre note, sait préserver la part d’ombre nécessaire à l’opéra de Britten. 
 

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Ce n’est pas la mise en scène qui empêchera l’ennui de s’installer. Gisèle Sallin et Jean-Claude de Bemels, s’inspirant de la peinture de Fragonard, proposent quelque chose d’assez beau (si l’on passe sur le faux marbre à l’aspect plastique et les «arbres-brosses»), mais de terriblement statique. Certes, on peut se demander si le drame en lui-même permet quelque chose de plus inventif, mais le fait est qu’après une vingtaine de minutes, on se rend compte que la mise en scène se limite, en gros, à quelques postures répétées durant les trois heures et quelques du spectacle. Peut-être est-ce proche de la mise en scène originale? Toujours est-il que, bien que charmant, cela ne va pas bien loin, et ne tient pas la durée.

Le plateau vocal est d’une veine similaire, assez homogène, sans faire beaucoup d’étincelles. Brigitte Balleys (Ramiro) n’est plus que l’ombre d’elle-même, tentant des effets qui ne masquent que difficilement la voix émiettée et l’essoufflement dont elle est victime, gâchant en particulier son deuxième air, probablement un des plus beaux de la partition. Jean-Francis Monvoisin (Podestà), précédemment Luigi dans Il Tabarro sur cette même scène, campe son personnage d’une voix solide et puissante, qui convient bien à ce rôle. Avi Klemberg (Belfiore) est un ténor assez charmant, aux aigus de temps à autre un peu poussifs, qui nous aura paru globalement assez fade. La Serpetta d’Inès Schaffer est correctement interprétée, en dépit de graves manquant de corps. On sourit aux mimiques de René Perler (Nardino) qui paraissent pourtant un peu décalées du point de vue scénique. On relèvera toutefois les deux belles prestations de Bénédicte Tauran et Diana Petrova, qui se distinguent clairement comme les grandes réussites de cette production. La première nous offre une voix belle, bien accrochée, au timbre riche et aux attaques précises: ses entrées sont à chaque fois un vrai bonheur et redonnent vie au spectacle. La seconde, malgré une projection un peu faible, révèle une voix profondément touchante et une magnifique musicalité.

L’orchestre OPUS de Berne nous gratifie d’une prestation globalement correcte: on déplore toutefois le manque de précision des cordes, défaut qui se répète au fil des productions de l’Opéra de Fribourg. La direction de Laurent Gendre, qui aura su à chaque instant et avec brio faire ressortir les accents et les nuances de cette partition, mérite en revanche les plus vifs éloges.

Le choix de l’Opéra de Fribourg de privilégier les oeuvres peu jouées est une bonne option, évitant de faire en double ce que d’autres maisons, budget oblige, font mieux. Cela permet en outre de belles découvertes et des spectacles originaux. Pourtant, force est de constater que ce qui nous a été présenté cette année n’est pas à proprement parler une réussite. Le spectacle fonctionne, mais rien de plus.

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