Le metteur en scène avait déjà monté cet opéra par trois fois, y compris aux Chorégies d’Orange dont on retrouve un certain nombre d’éléments de décor. Installés sur des blocs de marbre noirs qui se déplacent comme autant de pièces d’un échiquier imaginaire, les Anubis, obélisque et autres pylônes ou buste de Toutankhamon suffisent à animer le vaste dispositif scénique, entre carton-pâte hollywoodien et péplum futuriste. Comme toujours, Paul-Émile Fourny sait disposer harmonieusement des effectifs imposants. Un écran Led et des projections illustratives achèvent de rendre le spectacle tout à fait cohérent et séduisant. Las. Du haut des tribunes, le son est plus que saturé, rendant absolument pénible toutes les superpositions de voix, l’oreille étant contrainte de faire en quelque sorte son propre mixage, opération évidemment impossible. On se met à souffrir beaucoup, d’autant que l’autoroute voisine est sonore, des portes claquent et des gens hurlent quelques rangées plus loin. Où se croient-ils, dans un stade ?, se dit-on, avant de se souvenir que… De la bouillasse qui arrive jusqu’à nous, il est presque impossible de se faire la moindre idée sur la qualité des chanteurs ou de l’orchestre. À la pause, on retrouve des camarades tout sourires, ravis de ce qu’ils sont en train de vivre. Pour la seconde partie, nous décidons de descendre de quelques rangs pour se mettre près d’eux. Riche idée, car le contraste est extraordinaire : plus de perturbations sonores liées à des portes ou à l’autoroute, un son amplifié très audible et des voix enfin attrayantes. De plus, la nuit vient de tomber, et l’acte du Nil se voit magnifié par des effets de lumières d’un bleu aux nuances mouvantes de lapis-lazuli suggérant le mythique et majestueux fleuve. Le confort d’écoute et la qualité des lumières de Patrick Méeüs nous plongent enfin dans l’univers de Verdi et l’on se laisse glisser le long d’un Nil merveilleusement intemporel d’une intense poésie. Le reste de l’opéra passe en un éclair et l’on comprend mieux les applaudissements de la foule manifestement conquise.

Elena O’Connor est une Aida au timbre puissant et expressif, avec un vibrato contrôlé qui, effet de sonorisation mis à part, ne manque pas d’anoblir et humaniser davantage encore le rôle. La belle soprano américaine faisait déjà partie de la distribution d’Orange, tout comme Marcelo Alvarez. Le ténor argentin est en bonne forme ce soir, déversant des torrents d’énergie, sûr de son métier et manifestement en adéquation avec son personnage. Les pianissimi de la dernière partie sont à se pâmer. Emanuela Pascu est une merveilleuse Amneris, dont le mezzo profond et grave confère une noblesse indéniable à une âme tourmentée par des affres de jalousie très palpables. Ses « Pace » résonnent longtemps dans un stade sous le charme. Le baryton Massimo Cavalletti impressionne par la sensation de violence contenue et la richesse du timbre qu’il déploie. La basse Mischa Schelomianski est un Ramfis de toute beauté, aux graves enveloppants et puissants. Les autres interprètes sont tout autant à la hauteur. Le Chœur de l’Opéra national de Lorraine renforce avantageusement le chœur de l’Opéra-Théâtre de l’Eurométropole de Metz pour un résultat qui s’apprécie moins sur le plan sonore que dans ses effets de masse. On aurait aimé, vraiment, entendre les deux formations dans un théâtre, sans sonorisation. Loin des yeux des spectateurs, conditions météo obligent, les musiciens de l’Orchestre National de Metz Grand Est donnent leur meilleur étant donné le contexte, efficacement menés par la baguette de Paolo Arrivabeni, qui sert avec finesse et précision la partition de Verdi. En définitive, c’est une belle réussite à laquelle nous avons assistée, qui devrait logiquement pousser quelques-uns des 8000 spectateurs à se décider à renouveler l’expérience et franchir le seuil d’un opéra pour retrouver la magie de ce spectacle digne d’un Vérone en plein cœur de la Lorraine. C’était pile ou face, mais la chance sourit aux audacieux.

L’article VERDI, Aida – Metz est apparu en premier sur Forum Opéra.

Rappelons à l’instar de Jean-Marcel Humbert que, créée en 1871 au Caire pour l’inauguration du Canal de Suez, l’œuvre fonde son livret (d’Antonio Ghislanzoni) sur un scénario de l’égyptologue Auguste Mariette retravaillé par Camille du Locle. Signant également les décors et costumes de la création, Mariette prouve à lui seul l’intérêt grandissant pour l’Egypte en cette fin de XIXe siècle, siècle des orientalismes. C’est précisément ce contexte historique qui sert de terreau à la nouvelle production des Chorégies. Ainsi, dès l’ouverture, le metteur en scène Paul-Emile Fourny installe son propos : révélée au monde, l’Egypte antique et ses trésors sont au centre de tous les intérêts. Intellectuels, bourgeois, officiers et élégantes découvrent sa splendeur avec une émotion qui n’a d’égale que l’avidité avec laquelle autant de joyaux seront finalement pillés pour enrichir les musées. Superposée à la narration ordinaire de l’œuvre, cette autre strate de l’histoire vient alors enrichir le drame avec plus ou moins de bonheur. Car si ce glissement des temps éclairent régulièrement les différents enjeux politiques, religieux et sentimentaux de l’œuvre, tout en soulignant l’actualité cinglante de son propos, l’exercice se montre quelque peu systématique et s’essoufflera quelque peu, une fois l’obélisque de Louxor dressé sur la scène du Théâtre antique durant la célèbre marche triomphale.

© Philippe Gromelle

Dommage pour ces bonnes poignées de spectateurs démissionnaires – très vraisemblablement rassasiés par la seule audition des fameuses trompettes – car c’est après l’entracte que le spectacle tout entier prendra son envol. Alors que l’air extérieur est de nouveau respirable, l’idylle d’Aïda et Radamès est poussée dans ses plus vifs retranchements, et l’intervention d’Amonasro, père de la jeune esclave, offre l’occasion au le rôle-titre d’entrer réellement dans son personnage. Alors qu’elle se montrait plutôt effacée dans les deux premiers actes, Elena O’Connor dévoile, sous l’œil de son père, une superbe palette de couleurs. L’air du Nil est l’occasion d’un tour de piste où la soprano américaine révèle une voix plus solide qu’en apparence et dotée d’un élégant vibrato, précis et chaleureux, se doublant certes d’un sens de la scène plus pensé qu’inné, mais lui faisant adopter des postures d’une grâce admirable. L’artiste, particulièrement touchante, faisant ses débuts sur la scène redoutée des Chorégies, obtiendra du public de sincères applaudissements.

Pourtant, c’est bien l’Amneris d’Anita Rachvelishvili qui sera la véritable héroïne de la soirée. Aux saluts, le public offre à la mezzo-soprano géorgienne, faisant également ses débuts à Orange, une double ovation saluant la performance inouïe de l’artiste. Possédant une voix large, équilibrée sur l’ambitus tout entier, d’émission franche et généreuse, le bas médium de la mezzo est mat et enveloppant et l’aigu triomphant. De son charisme naturel, Anita Rachvelishvili emporte à elle seule les deux premiers actes, notamment lors des scènes d’ensemble et surpasse les contours de son personnage, déchiré d’amour, lors de sa grande scène du IVe acte, véritable sommet de l’interprétation vocale et scénique de cette désormais grande et incontournable interprète d’Amneris. Le duo avec Radamès est un autre climax de la soirée, alors que Marcelo Alvarez, habitué des Chorégies, use de tout son métier et d’une infinie musicalité pour jongler entre deux situations sollicitant des qualités scéniques et musicales d’une épatante variété et maitrise. Son chant demeure le plus naturel et le plus nuancé du plateau, alors que le ténor use de voix mixte et déroule des piani d’une infinie beauté autant que d’une projection de poitrine large et propice à l’exercice de plein air. L’Amonasro de Quinn Kelsey est à la hauteur de ses partenaires et séduit par son timbre racé et charnu de baryton, autant que le Ramfis de Nicolas Courjal, solide basse de diction et d’incarnation toujours affirmées. Le reste du plateau compte des interprètes vaillants avec le messager de Rémy Mathieu et la prêtresse de Ludivine Gombert, exception faite du Roi d’Egypte de José Antonio Garcia, dont la performance timide et imprécise questionne.

À la baguette, Paolo Arrivabeni surprend parfois par des tempi quelques peu étirés, mais sa lecture de la partition rend justice au chef-d’œuvre verdien dans les scènes intimistes autant que dans les grands ensembles. L’Orchestre national de France et les quatre chœurs réunis pour l’occasion – Chœur d’Angers-Nantes Opéra, Chœur du Grand Opéra d’Avignon, Chœur de l’Opéra de Monte-Carlo, Chœur de l’Opéra de Toulon – signent ensemble une performance de haute qualité, emportant l’enthousiasme général.

L’article VERDI, Aida — Orange est apparu en premier sur Forum Opéra.

L’article Aida surprise à Orange est apparu en premier sur Forum Opéra.