Ce qui fait de lui un des maîtres de chant les plus recherchés aujourd’hui – un rôle trop méconnu du public. Le maître de chant n’enseigne pas la technique vocale. Son travail consiste à préparer les chanteurs à leurs prises de rôle, à les guider dans le style, la diction, le phrasé, les langues, la compréhension du texte et de la partition, tout en les accompagnant dans les doutes et les exigences d’un métier où la confiance est essentielle.

Oreille experte, partenaire exigeant et bienveillant, son nom s’efface trop souvent derrière celui des artistes dès que le rideau se lève. Pourtant, une part de ce qui se joue – et chante – sur scène s’est construite, en amont, dans le secret de ses séances de travail.

– votre programme de l’été

Mon été a débuté fin juin, déjà onze récitals ! Avec les amis fidèles, dans des lieux superbes et plus de cent vingt sept pièces interprétées ! Deux master classes passionnantes ! D’autres à venir ! Un dernier récital en août et ensuite vacances !

– ⁠un festival que vous recommandez ⁠

Celui où votre cœur vous guide.

– ⁠votre livre sur la plage

Léger, drôle ou page turner.

– ⁠la musique qui tourne en boucle dans vos écouteurs

Je n’ai pas d’écouteurs, mais dans ma tête, probablement la dernière entendue.

– ⁠votre plus beau souvenir estival

Il y en a beaucoup, en tant que spectateur ou interprète, impossible de tous les citer ! Celui que j’aurais aimé voir et entendre : Norma à Orange avec Montserrat Caballe.

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• • Lucia Adélaïde Di Nicola et Andrea di Carlo
  • Julien Behr
  • Benjamin Bernheim
  • Igor Bouin
  • Jérôme Boutillier
  • Ambroisine Bré
  • Albane Carrère
  • Adèle Charvet
  • Sébastien Daucé
  • Natalie Dessay
  • Pierre Dumoussaud
  • Ophélie Gaillard
  • Christophe Ghristi
  • Giulina Gianfaldolni
  • Romain Gilbert
  • Thomas Guggeis
  • Äneas Humm
  • Sophie Junker
  • Anna Kissjudit
  • Daniela Köhler
  • Gregory Kunde
  • Matthieu Lécroart
  • Lucie Leguay
  • Marie Lys
  • Zuzana Markova
  • Ricarda Merbeth
  • Nadège Meden
  • Elena Mosuc
  • Stéphanie d’Oustrac
  • Antoine Palloc
  • Anthea Pichanick
  • Anne-Lise Polchlopek
  • Marina Rebeka
  • Matthieu Rietzler
  • Marc Scoffoni
  • Andreea Soare
  • Arnaud Thorette
  • Marta Torbidoni
  • Catherine Trottmann
  • Reinoud Van Mechelen
  • Marina Viotti
  • Carlo Vistoli
  • Eva Zaïcik

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C’est au premier étage, dans l’intimité d’un salon d’apparat avec vue sur la Seine, que prend place la « Carte Blanche de Karine Deshayes », un récital à deux voix – et deux mains – qui n’est pas sans rappeler par son format les regrettés Instants lyriques. Subtile alternance de mélodie et d’opéra, de duos et de solos, complicité, générosité, partage, transmission : tous les ingrédients sont réunis pour une soirée comme on les aime, à la découverte du jeune artiste invité – « une voix grave », annonce Karine Deshayes avant le début du concert, en contrepied à la préférence accordée aux voix aiguës, sopranos et ténors confondus.

A vrai dire, Alexandre Baldo ne nous est pas inconnu. Lauréat des Talents Adami Classique 2023, récipiendaire du Prix du public du Concours international de chant baroque Pier Antonio Cesti, entre autres récompenses, son premier album solo, Caldara – Arias for Bass, avait attiré notre attention sur son aptitude à évoluer dans un répertoire où les tessitures de baryton-basse ne sont pas légion. Nous l’avons ensuite entendu à quelques courtes reprises, la dernière fois lors des concerts du mercredi de l’Opéra de Lille. La noirceur soutenue du timbre, la largeur, la longueur, une technique solide fondée sur la maitrise du souffle lui ouvrent grand l’éventail des possibles, du baroque en son agilité virtuose aux ardeurs romantiques, d’autant que la voix se projette avec facilité. C’est cependant lorsque le chant consent à plus de retenue que l’artiste apparaît sous son jour le plus favorable : dans la romance populaire de Kodaly lorsque transparaît son attachement sincère à ses racines hongroises (par sa grand-mère), dans la canzone de Donauty – compositeur de salon dans le goût de Tosti – lorsque la douceur des sentiments l’envahit, dans le duo de Semiramide, lorsque, oubliant la proximité du public, l’expression prend le pas sur la démonstration et que se dresse Assur terrible et menaçant.

Karine Deshayes renoue le temps de ce duo avec un rôle qu’elle a interprété à Saint-Etienne en 2018 puis à Rouen et Paris la saison dernière. La ductilité d’émission fait la chanteuse caméléon, capable d’apporter l’éclairage le plus juste à chaque partition abordée. N’avait-on jamais ressenti combien L’Absent était pétri de regrets ? Gounod l’aurait composé lors de son exil à Londres, sur ses propres vers, comme une demande de pardon adressée à son épouse trahie. N’avait-on jamais mesuré combien Belà crudele – une mélodie de Rossini considérée souvent comme un passe-temps de salon – recèle de sincérité ? N’avait-on jamais été autant ému par les stances de Sapho, égrenées telles des perles fines sur un long fil d’or, sans rupture de registres, ni excès de pathos, en entière communion avec le piano, tandis que par la fenêtre scintille la Tour Eiffel – conjonction sublime des éléments comme réglée par le Grand Maitre des horloges. Antoine Palloc sort alors du cadre dans lequel on enferme trop souvent le rôle d’accompagnateur pour se placer au niveau de sa partenaire – c’est à dire haut – dans l’expression des sentiments. Plus tard, l’arrangement de la Vocalise de Rachmaninoff pour piano seul – « en hommage au lieu », précise Antoine Palloc – expose de manière aussi évidente cette sensibilité à fleur de doigt qui fait le maître de chant, non seulement humble serviteur de la musique, à l’écoute attentive de la voix, de la respiration, du style – mais aussi artiste à part entière.

Prochain rendez-vous du Conservatoire Rachmaninoff, le 19 février 2026 avec le baryton mexicain Carlos Reynoso et la pianiste Annalisa Orlando dans le cadre d’une « Carte Blanche d’Opera for Peace ». Alexandre Baldo chantera Jésus dans La Passion Selon Saint Matthieu dirigée par Thibault Noally le 1^er avril à Tourcoing puis le 3 avril au Théâtre des Champs-Elysées.

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C’est dans cet esprit qu’il accueillera, le vendredi 23 janvier 2026 à 19 h 30, un récital réunissant Karine Deshayes, Norma consacrée au Théâtre des Champs-Élysées il y a quelques jours, le baryton-basse Alexandre Baldo, l’un des jeunes espoirs du chant actuel, et le pianiste Antoine Palloc, de retour à Paris après avoir accompagné le récent triomphe d’Annick Massis à Toulouse. Un programme éclectique, du lied au bel canto, de Mendelssohn à Rossini, fera de cette soirée un des premiers rendez-vous de l’année à ne pas manquer.

La programmation du Conservatoire Rachmaninoff se poursuivra ensuite avec le baryton mexicain Carlos Reynoso et la pianiste Annalisa Orlando le 19 février 2026, dans le cadre d’une Carte Blanche d’Opera for Peace.

Plus d’informations et billetterie (tarif de 10 à 25€) via ce lien.

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De la scène au disque, il y a un fossé à franchir. Dans quelle catégorie ranger un album qui est bien plus qu’un simple recueil de mélodies : musique ou théâtre ? L’auditeur, qu’il soit mélomane, amateur de littérature ou citoyen engagé, devra accepter une approche hybride pour apprécier à sa juste valeur cette exploration musicale et philosophique.

Ancien journaliste politique, directeur de rédaction de l’hebdomadaire L’Express entre août 2006 et octobre 2016, Christophe Barbier se consacre pleinement aux planches depuis 2017. Pauline Courtin – son épouse – a débuté sa carrière internationale en interprétant Blondchen dans L’Enlèvement au Sérail de Mozart au Teatro Argentina de Rome. Soprano d’essence légère, elle a ensuite chanté Despina dans Così fan tutte, Gilda dans Rigoletto ou Eurydice dans Orphée aux Enfers , s’est aussi illustrée dans des œuvres contemporaines, mais depuis quelques années semble accorder sa préférence aux ouvrages écrits à leur intention par Christophe Barbier. Après Choses vues et chantées, elle jouait Constance dans Mozart, mon amour puis Hortense Schneider dans Offenbach et les Trois Empereurs au Théâtre de Poche Montparnasse la saison dernière. De l’enregistrement alterné de leur voix nait un dialogue original où récitant et chanteuse redonnent force et souffle aux mots de Hugo : lui, par sa capacité à articuler clairement et à moduler – varier le ton, le volume, le rythme – pour transmettre les émotions et les intentions du texte ; elle par l’attention, parfois perfectible, portée à la diction, et par la vivacité d’un chant qui s’abreuve à la source confluente de la poésie et de la musique.

Mais ces choses chantées n’auraient pas la même saveur sans l’accompagnement d’Antoine Palloc. La connaissance du style de chaque compositeur permet au pianiste d’adapter son interprétation avec justesse. Le maître de chant se devine par la manière dont le jeu se met à l’écoute de la voix, de sa respiration et de la moindre de ses inflexions. Par-delà la technique se ressent la compréhension intime de ces poésies. Chaque nuance, chaque silence donnent corps et profondeur au texte chanté. Autant que les mots, ce piano sensible dessine en transparence l’âme du poète. Pour qui sait les voir, les plus petites choses sont souvent les plus grandes, déclame Christophe Barbier dans « Rue de Chartes », le premier extrait lu du programme. Et pour qui sait les entendre ?

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« Béatrice est mon amie, ma complice, ma Chimène, ma Didon, ma Santuzza , ma Carmen et tant d’autres héroïnes.
Elle est ma jeunesse, elle est là, près de moi et en moi, compagne et artiste de rêve, symbole et protagoniste de nos espoirs, de notre devenir. Elle est la symbiose parfaite d’une interprète et son personnage. Pas besoin de mots pour expliquer cette fusion.
Elle est ma Carmen et ma Béa pour toujours. »

Roselyne BACHELOT, ancienne Ministre de la Culture

Quand une artiste de l’envergure de Béatrice Uria-Monzon part pour le grand voyage, vous revient alors en un chagrin insondable et une gratitude vibrante les héroïnes qu’elle a transfigurées de sa magnifique personnalité, Carmen, Charlotte, Chimène, Dalila, Sarah, Eboli, Tosca pour ne citer que celles pour lesquelles je l’ai applaudie. Puis, comme une dague plantée en plein cœur, c’est la Santuzza déchirante de ce soir d’aout 2009 au Théâtre antique d’Orange qui envahit tout l’espace de l’émotion.

Ce n’est sans doute pas le personnage que Béatrice aurait choisi si un critique lui avait demandé de dresser le palmarès de ses rôles. Mais il est des moments où la communion est si forte que l’on comprend au plus profond ce qui fait la pâte humaine d’un interprète.

Je l’ai rencontrée sur le mode amical, joyeuse et chaleureuse, en gala caritatif où sa générosité n’était jamais prise en défaut, en compagnonnage lors de jurys de concours expliquant aux concurrents avec humanité et sans démagogie comment ils ou elles pouvaient progresser, et  en sortie de scène après tant de triomphes qui nous avaient transportés. 

Béatrice, c’était d’abord le respect absolu de l’œuvre. Pas d’échappatoire, de trucage, de ces facilités que ne détectent que les spécialistes. Au moment où l’on croit sauver l’art lyrique par la politique du grand n’importe quoi, sa rigueur devrait servir de fil conducteur aux barbares qui le martyrisent.

Béatrice, c’était aussi la certitude qu’on sert l’œuvre et le personnage non pas en se moulant dans un académisme réducteur, mais en fouillant les tréfonds de sa sensibilité pour mieux les cerner. « Je veux  faire bouger les choses » nous disait-elle pour la sortie de son album Assoluta. Le respect pour elle n’était pas de l’immobilisme.

Béatrice, c’était aussi une dignité absolue sans morgue et sans facilité populacière. C’est sans doute cette dimension que j’avais intimement comprise en cette nuit d’aout : interpréter une simple paysanne en lui donnant la stature d’une aristocrate, donner à une fille du peuple la grandeur d’un destin brisé.

En 2021, comme ministre de la Culture, j’avais fait Béatrice commandeur dans l’ordre des Arts et des Lettres. Si la dignité de Grand-Croix avait existé dans cet Ordre, c’est bien ceinte de cette écharpe qu’elle serait au paradis.

Bertrand DE BILLY, chef d’orchestre

J’ai travaillé pour la première fois avec Béatrice Uria-Monzon à l’occasion d’une production de Hamlet, d’Ambroise Thomas, au Liceu de Barcelone, avec Natalie Dessay et Simon Keenlyside. Elle interprétait la Reine Gertrude, et donnait à ce personnage une dimension dramatique captivante. Mais en coulisses, c’est par son sens de l’auto-dérision qu’elle se distinguait. J’ai compris dès ce moment-là que Béatrice faisait partie de ces artistes qui prennent leur travail très au sérieux sans se prendre eux-mêmes au sérieux. Une qualité rare et précieuse ! En travaillant Carmen avec elle, j’ai aussi découvert un autre aspect de sa personnalité artistique : sa capacité à se remettre en question, sa volonté d’essayer de nouvelles choses. Avoir été l’une des plus grandes interprètes de Carmen ne l’empêchait pas de rester curieuse et ouverte, à l’écoute. Enfin, un autre souvenir marquant me revient en mémoire, celui de son Eboli, dans le Don Carlos de Verdi, en version française, à l’Opéra de Vienne. Ce rôle constituait un vrai défi pour elle, défi qu’elle a relevé avec panache, parce qu’elle n’a pas cherché à travestir sa voix. Elle a gardé ce qu’elle avait de mieux en elle, et qu’elle pouvait apporter à ce rôle : son timbre chaud et capiteux, « Samt und Seide » comme on dit en Allemagne (« velours et soie »), sa superbe présence scénique, et son format vocal, d’essence profondément lyrique. Et elle a obtenu, à Vienne, dans ce rôle si difficile, un grand succès, grâce à son talent, son intelligence et son humilité. Autant de qualités dont, avec son humour, nous nous souviendrons toujours lorsque nous penserons à Béatrice.

Jean-François BORRAS, ténor

Je suis très ému par sa disparition. J’ai eu le privilège de faire son dernier opéra Mefistofele de Boito à Toulouse en juin 2023. Elle était en pleine forme, souriante et espiègle. J’ai connu Béatrice relativement tard sur La Vestale de Spontini au Théâtre des Champs-Elysées. Lors de la présentation du metteur en scène, nous nous sommes regardés et nous nous sommes directement parlé comme si nous nous connaissions depuis des années. C’était une très belle femme, une immense artiste avec son caractère mais toujours le sourire aux lèvres. Elle fut ma Marguerite aux Chorégies d’Orange. C’était aussi une artiste généreuse avec les jeunes et une amatrice de bon vin et de la vie.

Jean-Sébastien BOU, baryton

Ce qui était fascinant chez Béatrice, c’était sa capacité à se livrer telle qu’elle était sur scène dans toute sa vérité et toute son humanité. Lorsqu’elle chantait, lorsqu’elle jouait, lorsqu’elle évoluait sur un plateau, le temps s’arrêtait et nous partagions émotionnellement son histoire. C’était une magnifique artiste parce que c’était une magnifique personne. Il est rare de rencontrer quelqu’un d’aussi généreux dans une vie. Je vous envoie également une photo d’elle que j’ai faite alors que nous étions en pause à l’Opera de Paris. Le soulier de satin est la dernière production où nous avons partagé la scène. C’était en 2021.
Jean-Sébastien

Yann BEURON, ténor

J’ai connu Béatrice sur Così fan tutte en 1996, la seule Dorabella de sa carrière je pense. Magnifique de mon point de vue. De timbre surtout. Puis nous nous sommes retrouvés la dernière fois sur la création du Soulier de satin en 2021. Je serai économe. Elle était solaire, cela la définissait essentiellement à mes yeux. Et adorait rire. Et j’adorais la faire rire. Elle était bon public…suis profondément peiné. 

Laurent CAMPELLONE, chef d’orchestre

Béatrice faisait partie de ces artistes qui entrent en scène et nous saisissent immédiatement d’un état bouleversant : être à la fois pleinement un personnage et demeurer la vérité de soi-même. Béatrice épousait chaque incarnation de tout son être, avec une sincérité et un engagement sans limite. Mais, elle le faisait toujours du haut de toute son élégance et de toute son intelligence. Pour cela, on ressortait chaque fois d’une représentation chantée par Béatrice en ayant appris des choses fondamentales sur un rôle qu’on connaissait pourtant déjà. 

Un souvenir de Béatrice au Festival Berlioz de 2006. Elle interprétait  La Mort de Cléopâtre.

Nous avions eu une séance de travail passionnante au piano avant que de répéter avec l’orchestre. Alors qu’elle était encore une fois sublime de justesse, son humilité face à cette partition et sa volonté d’aller toujours plus loin dans la compréhension des ressorts de chaque mot et de chaque note n’avaient pas de limite. 

Je me souviens du concert. Et plus  particulièrement, de toute la palette de couleurs de sa voix dans la dernière partie de la cantate, lorsque le venin de la vipère commence à glacer le sang de Cléopâtre et que le rythme de son cœur (les contrebasses de l’orchestre) commence à défaillir, à devenir irrégulier jusqu’à cesser. Sous la voûte étoilée de ce mois d’août, tout le monde avait été saisi par tant de vérité : Cléopâtre était là. Et tous nos cœurs réunis devenaient, mesure après mesure, son cœur qui s’arrêta d’un seul coup de battre et nous laissa tous suspendus dans le néant. 

Depuis l’annonce de sa mort, je repense à ce moment de musique inouï.

Moment de musique qui, parce que c’était cela aussi Béatrice, avait eu, bien entendu un prolongement humain de partage et de générosité tout aussi puissant.

De retour à l’hôtel après la fin du concert, très tard donc, alors que le service de restauration était terminé depuis longtemps, elle avait, en un seul sourire, fait chavirer le patron en lui disant simplement : « Même si je suis encore une fois morte sur scène, vous n’allez pas me laisser mourir de faim quand même ! ». Les frigos et celliers de cet établissement, renommé pour sa formidable cuisine, s’étaient ouverts instantanément. Et nous avions alors passé un moment extraordinaire à table, avec force pâtés en croûte, fromages et vins de la vallée du Rhône, à parler de la joie de vivre et du bonheur qui était le notre de pouvoir porter chaque soir vers le public les traits sublimes des compositeurs que nous admirons tant.

Laurent Campellone

Marc-André DALBAVIE, compositeur

Béatrice a été très importante pour la création de mon opéra le Soulier de Satin à l’opéra de Paris en 2021. Elle chantait le rôle d’Isabel et comme compositeur et comme chef d’orchestre, notre collaboration a été formidable. Néanmoins, je n’ai pas pu approfondir mes contacts avec Béatrice car c’était pendant la période COVID et les rapports en dehors des répétitions étaient inexistants. Je ne suis pas assez proche de Béatrice pour écrire quelque chose sur elle dans cette circonstance. Je ne la connais pas assez et je le regrette. Je garde malgré tout un souvenir émerveillé de notre très courte mais très intense collaboration.

Marc-André Dalbavie

Karine DESHAYES, mezzo-soprano

BUM , parmi tous les grands rôles qu’elle a interprétés , était pour moi l’incarnation même de Carmen. Lorsque je l’ai entendue la première fois à L’Opéra de Paris à la fin des années 90, sa voix , son timbre chaud , sa présence scénique, sa classe et son élégance naturelle m’ont marquée à jamais. J’ai ensuite eu la chance de chanter à ses cotés dans Carmen aux Chorégies d’Orange en 2004 dans la production de Jérôme Savary. Alors que j’étais en prise de rôle pour Mercedes et que je faisais mes débuts à Orange, elle s’est montrée très généreuse avec moi, m’a beaucoup soutenue et même guidée. Dés lors nous sommes devenues des amies proches … elle a toujours suivi ma carrière jusqu’en avril dernier, où elle est venue m’écouter dans Norma à Toulouse.
Béatrice était une femme extraordinaire, qui aimait la vie, rire, les soirées entre amis… et qui a toujours été souriante et attentionnée.

Karine Deshayes

Julien DRAN, ténor

Selon moi, Béatrice, était tout ce qu’un.e artiste doit représenter : l’élégance, la classe, l’intégrité, la générosité et la simplicité dans la grandeur. Elle était perfectionniste et l’intensité avec laquelle elle montait sur scène était stupéfiante. Elle a, pour moi, toujours été un exemple du chemin que ceux qui désirent brûler les planches doivent suivre.
J’ai eu l’honneur et l’immense plaisir de partager la scène avec Béatrice quelques fois et la fierté que j’en éprouvais me marque encore maintenant, et pour le reste de ma vie. 
En tant que femme, j’ai aussi eu la chance d’être touché par sa générosité, son écoute et son soutien indéfectible. Je lui en serai éternellement reconnaissant. 
Une grande dame, une immense artiste qui va beaucoup manquer à toutes les personnes qu’elle a touché. 

Julien DRAN

Delphine HAIDAN, mezzo-soprano

Un des plus beaux timbres de voix , une amie fidèle depuis plus de 30 ans ,une femme genereuse et courageuse  ! Elle va me manquer

Delphine Haidan

Jean-François LAPOINTE, baryton

Béatrice était une grande artiste et une femme d’exception. Nous avons fait plusieurs Carmen ensemble. Elle transcendait l’image qu’on se faisait du rôle. Elle m’a toujours impressionné. Je garde aussi en tête son petit côté rebelle presque rockeuse. Je la vois encore arriver sur sa grosse moto à Toulouse dans les années 90. Elle était belle, elle était libre, elle était magnifique!
Je crois que de toutes les productions que nous avons faites ensemble, c’est Cléopâtre de Massenet à l’Opéra de Marseille qui nous aura permis de développer notre plus grande complicité scénique. Je garderai toujours dans mon coeur ce souvenir merveilleux et précieux où nous avons incarné ces personnages mythiques. Béatrice était une reine magistrale, éblouissante. Elle est maintenant éternelle.

Jean-François Lapointe

Antoine PALLOC, pianiste et chef de chant

Il y a des chanteurs et il y a des artistes, des âmes, des êtres chantants avec qui il n’est pas utile de répéter car la musique, la connexion et le partage se font naturellement.
Béa appartient à cette catégorie : en un clin d’œil rieur et heureux, le partage, la connexion, la connivence sont là, simplement, joyeusement et tendrement. Le travail peut commencer pour aller au plus profond des émotions en quête de cette vérité, de sincérité que tout artiste recherche.
Cette force généreuse et créatrice, Béatrice, Béa, ma cocotte, BUM, LA BUM, l’a toujours eue, avec classe et élégance, en humilité, en simplicité, en doutes, en questions, en travail, en rigueur, mais toujours en joie de vivre.

Antoine Palloc

Alexandra MARCELLIER, soprano

Béatrice Uria-Monzon, c’était bien plus qu’une voix : c’était une présence, une lumière, une force tranquille. Dès notre première rencontre à Agen, elle a marqué ma vie. Elle était une artiste rare, une vraie, animée par une passion brûlante pour la musique, pour la vie, pour les autres et pour la nature. Elle avait ce lien profond avec la terre, avec ce qui est essentiel, vrai, vivant. Je la revois dans son jardin, rayonnante, enracinée, pleinement elle-même. Ce que j’aimais profondément chez elle, c’était cette alliance unique de grandeur et de douceur, de feu et de grâce, de générosité et de pudeur. Même face à la maladie, elle ne montrait jamais sa peur, préférant protéger ceux qu’elle aimait. Elle m’a transmis l’exigence, la liberté, le courage, et cette idée précieuse qu’il faut vivre pleinement. Aujourd’hui, chaque note que je chante lui est dédiée. Béatrice était, et restera, l’un des piliers de ma vie.

Christophe GHRISTI, directeur du Capitole de Toulouse

De Béatrice Uria-Monzon, j’ai évidemment beaucoup d’images sur scène. J’en évoquerai deux.

La première dans mon souvenir, alors que j’étais tout jeune dramaturge au Capitole : Béatrice chantait Carmen, Michel Plasson dirigeait. Elle faisait sa première entrée sur une passerelle à quelques mètres du sol (sublime décor de Frigerio), les bras nus, les cheveux négligeamment attachés, narguant le monde entier, d’une beauté tranchante et irrésistible. Plasson l’enveloppait de mille rayons de soleil. Et, je m’en souviens extrêmement bien, je m’étais dit du haut de ma jeunesse imprudente : « plus jamais je n’entendrai Carmen comme ça ». Et en effet, j’en ai entendu d’autres, et des magnifiques, mais plus jamais ce sentiment de volupté et de vérité sans limite, absolument nietzschéen.

La dernière, pendant Mefistofele au Capitole en juin 2023, ses derniers spectacles. Béatrice était très déprimée, sans doute déjà épuisée par le mal qui allait se déclarer peu après. Sublime en scène, elle éblouissait dans ce rôle pourtant si ingrat de Hélène de Troie, arrivant pour un seul tableau à la fin d’un ouvrage si prolixe. A la dernière, elle m’a dit avoir le triste sentiment qu’elle venait de chanter là pour la dernière fois. J’ai ri et j’ai balayé ses craintes d’un revers de la main, avec mes projets pour elle dans la tête.

Christophe GHRISTI

Olivier FREDJ, metteur-en-scène

Béatrice était une magicienne. Rayonnante de bonheur quand elle s’occupait de ses plants de tomates et dressait les grandes tables de sa maison, en haut de sa colline. Des vues peintes par son père, une colline sur laquelle trônait sa maison, toujours ouverte aux amis. J’ai rencontré Béatrice à Bruxelles, elle était ma Lady Macbeth, y prenait le rôle. Elle travaillait d’arrache pied ses « trois cerveaux » comme elle les appelait. Celui de la voix et de la musique, celui du texte et du sens, celui de la mise en scène et de ses partenaires de jeux. Elle irradiait, pourtant terrorisée à tout instant de ne pas être à la hauteur. Parce que c’était elle, elle est devenue Lauren Bacall dans l’acte I, Jackie Kennedy à l’acte II, Nancy Reagan  au III… et sublime plus que tout dans la fragilité du somnambulisme. Comme état physique, je souhaitais qu’elle se nourrisse de la fameuse scène de Pina Baush dans Café Muller. Elle la regarda, une fois, avec moi, puis répéta la scène. Dés la première tentative, devant une salle de répétition médusée, elle a lancé, inquiète, au jeune débutant que j’étais : « ça va, comme ça, c’est bien? ». C’était bien. Et je comprenais dans son souci de bien faire qu’elle ne savait pas, ne voulait pas sans doute savoir à quel point elle dégageait quelque chose qui transcendait les directions données. J’ai essayé de longues années à le lui faire entendre, à ce qu’elle ose cette confiance dans ce qu’elle proposait. En vain, elle était au service d’un tout, et l’inquiétude de ne pas être assez ne s’apaiserait qu’aux pieds de ses tomates, plus tard, ailleurs. J’ai l’impression qu’on s’était reconnus. Parce qu’on ne s’attachait qu’à l’ensemble, qu’au résultat global, bien au delà de nos enjeux personnels. Je garderai toujours deux images d’elle, chez elle, un verre de vin et une cigarette si rarement  possible quand elle travaillait, à rire aux larmes sur la terrasse. Et celle empruntée à Blue Velvet, en Lady Macbeth, une lampe de chantier à la main en guise de micro, ouvrant la bouche d’un hurlement muet, son corps entier disparu dans cette Lady. Adieu ma Lady, je suis sur que je ne suis pas le seul que tu as changé par ta présence.

Olivier FREDJ

Michel PLASSON, chef d’orchestre

Béatrice… c’était le timbre et le charme !

Elle avait ce charme, pas celui qu’on affiche, pas celui qu’on joue mais celui qui ne s’use pas, qui ne se montre pas, qui ne s’exploite pas. Elle portait le charme comme gravité. Comme les planètes, comme le magnétisme. Un mystère venu d’ailleurs. Elle ne l’utilisait pas, elle l’avait, tout simplement. Et c’est ça qui me bouleversait. Le charme, le vrai, est inexplicable. Ce n’est ni technique, ni scolaire. C’est au-delà. Et Béatrice l’avait, elle le portait comme une étoile brillante au firmament.

Elle n’était jamais dans l’artifice. Elle était vraie. Dérangeante de vérité parfois. Et cette vérité, je voulais la révéler, pas la diriger. Accompagner, oui mais indiquer, jamais. Car ce que je cherche, dans la musique, c’est la personne. Et avec Béatrice, il y avait une personne entière, grave, joyeuse, troublante.

Elle avait un timbre très particulier. Franco-espagnol peut-être ? Ni tout à fait espagnol, ni tout à fait français. Mais surtout un timbre à elle. Le timbre, c’est l’ADN du chanteur. On ne le change pas, il est inaltérable. Le sien était surtout singulier. Ce timbre racontait quelque chose. On sentait derrière lui un cœur qui n’était pas toujours heureux. Et moi, j’y sentais une fragilité, une absence de bonheur. Cette tristesse délicate mêlée à la lumière était bouleversante.

J’ai eu pour elle une tendresse rare. Une tendresse que je n’ai pas eue pour beaucoup de chanteuses. Et je le dis sans détours car avec elle, il n’y avait pas de faux-semblants.

Elle est partie. Et je sens qu’elle n’a pas tout dit, pas tout chanté. Mais ce qu’elle a laissé, c’est cette vibration intérieure qui dépasse les rôles et les scènes. Elle était accordée à quelque chose de plus grand. Et ça, ça ne s’oublie pas.

Michel Plasson

José VAN DAM, baryton-basse

Béatrice était une chanteuse unique. Une belle âme, une grande artiste, une superbe voix et une personnalité en dehors du commun avec qui il était toujours très agréable de partager la scène.
Quelle tristesse de la savoir partie….

José van Dam

Maurice XIBERRAS, directeur de l’Opéra de Marseille

Écrire quelques lignes sur Béatrice est difficile pour moi.

J’avais beau m’attendre à cette nouvelle, mais depuis je suis anéanti et pense à tous nos multiples souvenirs communs, amicaux et artistiques.

Mon « histoire » avec Béatrice, commence il y a fort longtemps lorsqu’elle  était stagiaire au Cnipal à Marseille dans la phalange consacrée aux apprentis choristes.

Je passais voir des amis chanteurs, et je suis interpellé par une voix que j’entendais derrière une porte. J’écoute avec curiosité , la personne sort.  C’était Béatrice qui prenait un cours avec son professeur Pali Marinov. Je m’enhardis en me présentant et en lui disant que la qualité de sa voix était plus que prometteuse et celle d’une soliste. Depuis ce jour, nous sommes restés amis.

Le hasard des parcours a voulu que je devienne Directeur de l’Opéra de Marseille et bien entendu j’ai tout de suite appelé Béatrice. Elle m’a fait le cadeau de venir à de nombreuses reprises à Marseille,, se sentant à la « maison » comme elle le disait.  Je pense à Carmen bien sur, à Hérodiade, à Roberto Devereux, Gioconda, Le Cid et Les Troyens avec Roberto, Le Roi d’Ys, Cléopâtre… A chaque fois c’était un plaisir renouvelé. Tout d’abord celui d’amis qui se retrouvent, comme si ils s’étaient quittés la veille , mais également un délice aux couleurs de bonheur musical et artistique.

Malgré son statut de star internationale , Béatrice était restée d’une simplicité étonnante, avenante, à l’écoute de jeunes chanteurs ou de la moindre personne qui avait envie de lui parler.

Elle laisse un grand vide, un gouffre dans mon cercle d’amis. Je pense à sa fille, à son compagnon, aux personnes qui ont pu l’aimer .

Il nous reste de nombreux témoignages où on la voit incandescente et investie. Mais il va me falloir du temps avant de pouvoir la réécouter ou la revoir.

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La programmation explore tous les genres et tous les répertoires. Par exemple, la valse mandingue, la viole de gambe, la musique savante et populaire d’Arménie ou – davantage dans nos cordes –, l’opérette le 19 juin en clôture de saison et, ce 10 avril un récital d’Antoine Palloc et Alexandre Baldo, un jeune baryton basse sur lequel un récent album Caldara a attiré l’attention,.

Dans le grand foyer, rideaux tirés pour favoriser l’obscurité nécessaire à la concentration, les sièges ont été disposés en éventail autour d’une estrade. Plus une place de libre ! Qui doutera de l’intérêt du public pour la musique dite savante, lorsqu’elle est mise à sa portée ?

« Les plus beaux cris du cœur » : le thème du concert a offert aux deux artistes toute latitude pour composer le programme. Leur choix s’est porté sur des pages romantiques françaises et italiennes en une carte du tendre qui chemine de la mélodie à l’opéra. En bis – cherchez l’intrus ! –, une pièce de Zoltàn Kodaly par laquelle Alexandre Baldo rend hommage à ses origines hongroises maternelles.

Les fées se sont penchées nombreuses sur le berceau du chanteur, enfant de la balle – sa mère est la soprano colorature Ilona Baldo –, licencié en musicologie, altiste professionnel formé au Mozarteum, avant de mettre à profit la pandémie pour changer son fusil d’épaule. Peu d’années, un album et quelques prix plus tard, le voilà déjà lancé. Avec le temps, nul doute que la voix gagnera en relief, que le vocabulaire expressif s’enrichira. Mais sa maturité artistique étonne eu égard à la jeunesse de son parcours.

Du répertoire mélodique, Alexandre Baldo sait préserver l’intimité, créer le contact avec le public, ne pas abuser de puissance mais au contraire alléger l’émission, travailler la couleur pour habiter le texte. « Non t’amo più », une des plus belles pages de Tosti, prend à la gorge lorsqu’elle obéit à ces principes, et que le pianiste ajoute à la sentimentalité, sans surenchère, ni abus de rubato, avec naturel et sincérité.

Les airs d’opéra font valoir l’étendue d’une voix moins barytonnale que basse, même si l’aigu ne pose aucun problème. La volonté interprétative se double d’une souplesse, une facilité à vocaliser qui prédestine aujourd’hui Alexandre Baldo au répertoire baroque et l’autorise à envisager le belcanto romantique. La conduite de la ligne dans l’extrait de La sonnambula le suggère. La première partie de la scène d’Assur dans Semiramide le confirme, du récitatif dessiné d’un trait large et assuré, à l’air en lui-même, non abordé à la hussarde comme une occasion de prouesse mais animé d’une juste théâtralité. Là encore comme précédemment, le piano d’Antoine Palloc se fait allié ; l’instrument règle sa respiration sur la voix.

L’art du pianiste s’épanouit au premier plan dans un nocturne de Chopin, effeuillé, effleuré, infusé jusqu’à ce que survienne la fameuse note bleue, qui donne à elle seule la tonalité de l’instant, puis dans une pièce de Catalani, elle aussi éclairée d’une douce lumière mélancolique.

Les fanfaronnades du Caid mettent un point final au programme. L’air n’est pas des plus célèbres. C’est au disque que nous devons de le connaître. Il figure au programme du récital d’opéra français de Samuel Ramey. Simple coïncidence ?

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Alexandra Marcellier a roulé sa bosse avant qu’en 2021, Butterfly à Saint-Etienne puis à Monte-Carlo la propulse sous les feux de la rampe. Une récente Victoire de la musique classique dans la catégorie révélation lyrique a validé ses acquis.

Comme elle, Marie-Andrée Bouchard-Lesieur s’est formée au Conservatoire de Bordeaux. L’Académie de l’Opéra national de Paris lui a donné accès à de petits rôles (Troisième Dame dans La Flûte enchantée, Fille-Fleur dans Parsifal…) dont elle commence de s’affranchir pour entreprendre l’ascension du répertoire. Elle sera Mère Marie dans Dialogues des Carmélites en fin de saison à Bordeaux

Leur Instant Lyrique est à leur image : affirmé, prodigue et cependant structuré, pensé à la manière d’un voyage qui de Saint-Pétersbourg traverserait la Mitteleuropa pour s’achever en légèreté à Paris avec un peu d’Espagne autour. Atala et Rosaline, le dernier numéro du programme, est un duo bouffe composé par Auguste de Villebichot (1825-1898), un chef d’orchestre de cafés concerts. Château-Margaux auparavant est une zarzuela de Manuel Fernández Caballero (1835-1906).

Airs et duos alternent sans temps mort. Le violon de Yoan Brakha intervient pour napper de crème le café viennois – un arabica corsé, puissant – et pour rendre l’archet de Nicklause encore plus frémissant.

L’une – Alexandra Marcellier – aime les défis, les partitions qu’il lui faut dompter quitte à les brusquer, la sève abondante de l’air de Iolanta autant que le champagne de La Venus in Seide ou le Château-Margaux de Caballero bu au goulot un sourire narquois au bord des lèvres. L’agilité, inattendue chez un soprano aussi large pourrait lui ouvrir si elle le souhaite les portes du répertoire belcantiste. Norma en bis le laisse entrevoir.

L’autre – Marie-Andrée Bouchard-Lesieur – possède un timbre d’une rondeur enivrante, une vitalité et une musicalité qui ne demandent qu’à s’épancher sur scène. La beauté du son n’affecte pas la diction. Les grands rôles de mezzo affleurent, dans le répertoire français assurément – Dalila, Léonor – et peut-être au-delà. Nicklause paraît déjà étroit pour cette voix vorace. Il y a de la va-t-en-guerre wagnérienne dans l‘énergie indomptable avec laquelle « Hör ich Zymbalklange », le csárdás de Zigeunerliebe est harponné.

L’une et l’autre sont encore dans la démonstration. Servantes écarlates de l’art lyrique, il leur faut convaincre pour s’imposer, avant de partir en quête de sens : élargir le spectre expressif, baisser la garde pour trouver la nuance, ne pas céder à la tentation des décibels mais traquer l’émotion, oser le silence.

Elles ont pour les accompagner dans cette direction le piano d’Antoine Palloc, attentif comme à chaque fois, inventif, capable de les suivre dans leur cheminement en suggérant par la magie de ses dix doigts les humeurs et les climats des multiples paysages traversés.

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