Pour Faust, c’est la version dirigée en 1978 par Georges Prêtre qui a été retenue parmi tant d’autres. Le chef français choisit des tempos étonnamment mesurés : au deuxième acte, après une kermesse déjà lente, la valse est carrément soporifique. Au moins trouvera-t-on ici tout le premier tableau de l’acte IV, si souvent coupé. Avec plus de muscles que de poésie, Placido Domingo a au moins le mérite d’essayer des nuances (« A moi la jeunesse » pris sur le ton du rêve), mais son contre-ut est bien court… Nicolai Ghiaurov rappelle de loin Boris Christoff, dont il n’a que les défauts sans les qualités : même accent slave, mais surtout négligence rythmique et truculence absente, son Méphisto existe à peine. Comme on pouvait s’y attendre de la part d’une spécialiste des « petites femmes » pucciniennes, Mirella Freni est une Marguerite moins éthérée qu’à l’ordinaire, mutine et coquette dès sa première intervention, mais aussi une Marguerite un peu vériste, qui s’autorise des éclats auxquels n’aurait sans doute jamais songé madame Carvalho, pour qui Gounod conçut plusieurs de ses plus grands personnages féminins.

Intéressante rareté pour les francophones, la fameuse Margarethe, version traduite de ce que les Allemands refusent d’appeler Faust pour ne pas insulter la mémoire de Goethe. Dommage qu’il ne s’agisse que d’un « Grosser Querschnitt », une sélection d’extraits, car la distribution est plus qu’alléchante. En 1973, deux ans avant sa participation à la légendaire production signée Jorge Lavelli à l’Opéra de Paris, Nicolai Gedda était encore le plus séduisant des Faust, avec un contre-ut éclatant concluant « Salut, demeure chaste et pure ». Kurt Moll propose un Méphisto aux moyens somptueux, mais extrêmement sérieux jusqu’à la Sérénade. Dietrich Fischer-Dieskau est un Valentin rébarbatif à souhait. Edda Moser rate un peu son entrée, trop « grande voix » pour la modestie de Marguerite refusant la main que lui propose Faust, mais tout le reste est superbe, et l’on regrette que la scène de l’Eglise ne figure pas dans ces morceaux choisis, le 33-tours ayant limité la durée du disque à une cinquantaine de minutes. Giuseppe Patanè dirige le tout avec sérieux, très loin de l’esprit opéra-comique des origines de cette partition, et le Rias-Kammerchor sonne presque trop virginal pour la Valse.

Pour Roméo et Juliette, nous sommes toujours dans l’ère où aucun chanteur français n’était jugé digne de se voir confier les rôles principaux. Alfredo Kraus est un Roméo de 56 ans et, malgré la délicatesse de l’incarnation, cela s’entend, comme il est inévitable : l’aigu final dans « Ah, lève-toi, soleil » sent terriblement l’effort et n’est pas très agréable à l’oreille. En écoutant Catherine Malfitano pépier assez joliment dans l’aigu, on n’imagine pas qu’elle abordera Salomé quelques années plus tard. José Van Dam est un Frère Laurent très sentencieux, mais après tout, c’est ce que veut le personnage. Michel Plasson propose une version aussi complète que possible de l’acte IV, en faisant suivre l’air du poison du « cortège nuptial », de l’épithalame et de la pseudo-mort de Juliette.

Par chance pour le mélomane francophone, Mireille est sans doute un opéra trop hexagonal pour avoir suscité beaucoup de titulaires à l’étranger : Mirella Freni, encore elle, est donc la seule non-francophone présente dans l’intégrale dirigée par Michel Plasson, encore lui. Le chef confie Andreloun à un jeune garçon – on a évité le pire, car lorsqu’il dirige Faust sur scène, il a la mauvaise habitude de confier Siébel à un ténor, au nom d’une prétendue vraisemblance. Avec un style qui n’est guère plus français que pour Marguerite, Freni semble néanmoins mieux canalisée. Comme on pouvait s’y attendre, Alain Vanzo est un modèle de raffinement, et il chante cette musique en héritier de toute une tradition longtemps préservée dans les théâtres français. Van Dam est un bel Ourrias, encore assez fringant pour imposer son bouvier.

Côté airs d’opéra, on trouvera ici presque tous les grands numéros ayant survécu de La Reine de Saba, de Cinq Mars et de Sapho (avec même la légende d’Héro et Léandre au premier acte de Sapho, enregistrée en 1984 par Marilyn Horne). Le jeune Rolando Villazón était encore en 2004 un chanteur prometteur, et Françoise Pollet à son zénith était une bien belle artiste. « O ma lyre immortelle » gravé en 1958 par Régine Crespin reste un classique indémodable, indépassable. Côté mélodies, on n’en dira peut-être pas autant de la plage la plus ancienne de tout ce coffret, « Au rossignol » enregistrée en 1945 par Pierre Bernac avec Poulenc en personne au piano : la diction est exemplaire, mais le style semble aujourd’hui bien désuet. De 1957 datent vraisemblablement les deux plages où l’on entend Camille Maurane, qui sonne lui aussi un peu pointu. En 1992, José Van Dam sonnait très pompeux, décidément plus « père noble » qu’amant enflammé dans « Medjé », et il est dommage que n’ait pas plutôt été réédité dans son intégralité le disque de mélodies de Gounod proposé en 1973 par Gérard Souzay, un véritable modèle du genre. De Barbara Hendricks (qui avait en 1982 chanté Juliette sur la scène du Palais Garnier), on remarque surtout les e muets beaucoup trop appuyés et la fragilité vocale. José Carreras interprète « Au printemps » dans un français assez remarquable. On est ravi d’entendre Felicity Lott et Ann Murray chanter en duo (même si les paroles de « L’Arithmétique » ne sont pas d’un certain « Marzials » mais de Charles Turpin), ainsi que deux exquises fables de La Fontaine pour quatuor de voix d’hommes (a cappella dans le cas de « La Cigale et la fourmi »).

Côté musique religieuse, Mors et vita n’a pas bénéficié de tant d’enregistrements, et la version Plasson reste la seule disponible pour cet oratorio, genre qui motivait davantage Gounod que l’opéra dans les dernières décennies de son existence. Pour la puissante Messe de sainte Cécile, le choix était à peine plus large, plutôt que la version de 1984, dirigée par Georges Prêtre (avec l’inévitable Barbara Hendricks), Warner a repris celle de 1963, avec une assez superbe Pilar Lorengar. Au chapitre des curiosités, les deux symphonies gravées en 1979 par, forcément, Michel Plasson, donnent une idée de ce que Gounod aurait été sans la voix humaine.

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Si ce n’était que pour Pavarotti, cet enregistrement ne remplirait donc pas toutes ses promesses. Mais le reste de la distribution fait tout le prix de ce DVD.

Dotée d’un potentiel exceptionnel, Katia Ricciarelli a connu un déclin relativement rapide par la fréquentation de rôles trop lourds, rôles parmi lesquels on pourrait justement compter l’Amelia du Bal. A ce stade précoce de sa carrière, le soprano italien est absolument remarquable : phrasé, coloration, la maîtrise vocale est parfaite ; les aigus, qui seront bientôt gagnés part un vibrato intempestif, sont parfaits ; l’actrice est sobre mais émouvante, et sa beauté évanescente vient redoubler sa crédibilité. Suicide vocal en direct, sans doute, mais ne boudons pas notre plaisir.
L’enregistrement permet également à un plus large public de découvrir Louis Quilico (père de Gino Quilico) : véritable force (vocale) de la nature, parfait vocalement malgré ses 55 ans, le baryton canadien ne le cède en rien à des confrères plus réputés. Faisant preuve d’une excessive sobriété dramatique, on pourra regretter qu’il ne chante guère pour la caméra.
Faute d’une voix assez large, Bianca Berini laisse un peu sur sa faim en Ulrica. Certes, toutes les notes sont là, mais la noirceur du rôle est absente.
Judith Blegen est en revanche un Oscar tout à fait convaincant. Si la voix est un peu plus large que celle des Oscar habituels, les aigus sont néanmoins atteints sans efforts, et l’actrice est sympathique.
Les petits rôles, enfin, sont bien tenus, mais confiés à des voix pas toujours très belles.
En bon routier, Guiseppe Patané assure une direction sans surprises (ni bonnes ni mauvaises) mais suffisamment théâtrale pour faire prendre la mayonnaise de cet incroyable mélo.

La version proposée est ici l’édition révisée par Verdi à la demande de la censure, et transposée à Boston. Ceux qui s’imaginent que les mises en scène du Met sont toujours flamboyantes, seront ici déçus : la production sent l’économie ; les décors sont assez laids, les costumes criards … Compliments au coiffeur, en revanche : Luciano arbore une de ses plus belles perruques et Katia est magnifiquement bouclée … Quilico, hélas, ressemble à un gigantesque poisson-chat.
Comme souvent au Met, la direction d’acteur est réglée dans les moindres détails. Que de grands noms réunis toutefois pour un si modeste résultat !

La qualité technique n’est pas exceptionnelle. Le réalisateur abuse des gros plans, pour éviter les vues d’ensemble trop peu éclairées. La captation sonore est sans concession : les voix les plus puissantes sont au rendez-vous, mais les autres ont un peu de mal à se faire entendre, en fonction de la situation du chanteur sur le plateau (comme « en vrai », quoi !). De même, la musique de scène est quasi inaudible faute de micros en coulisses.
Au global, un enregistrement pas vraiment indispensable si vous n’avez aucune version du Ballo, mais qui aura de son intérêt pour les amateurs souhaitant entendre Pavarotti ou Ricciarelli plus tôt dans leurs carrières, ou qui voudraient découvrir Louis Quilico.

Placido Carrerotti

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