Au prologue, ce ne sont pas les dieux et déesses qui introduisent l’action, mais Darwin, qui dialogue avec son iguane domestique pour nous entraîner dans une fable : l’histoire des dinosaures au temps précédant le déluge. Nous changeons d’ère. Autour du roi Tyrannosaure, les dinosaures jouisseurs insouciants – métaphore des milliardaires vaniteux et repus – courent à leur perte, alors que l’agence de voyage de Noé invite les espèces dans son arche avant le cataclysme. Struthiomimus, d’humble condition, amoureuse dédaignée, exprime sa rancune l’endroit de ses congénères dinosaures. Les mammifères embarquent, tout en commerçant.  Ayant acquis une montre, Struthiomimus découvre que c’est l’heure du départ. L’orage menace et les dinosaures se dirigent vers l’arche, mais il est trop tard, le cadran solaire ne vaut pas la montre à quartz. Malgré une plaidoirie en latin, et le combat de deux rivaux, Noé se montre inflexible. L’iguane leur donne une ultime chance s’ils parlent d’une seule voix. Struthiomimus, à bord de l’arche, interrompt le combat : seule la musique est universelle. Les dinosaures entonnent alors un De profundis (2) qui émeut Noé et les mammifères. Embarrassé, Noé évoque une herbe des fonds marins qui donne la vie éternelle. L’un d’eux la rapporte, tous la mangent et les mutations s’opèrent. Les dinosaures se font volatiles… les espèces se réconcilient. Darwin et son iguane tirent la moralité avant que l’opéra s’achève sur un arc-en-ciel, qui signe l’harmonie retrouvée. Un grand spectacle, où tout fait sens, qui réunit les espèces, la science et la poésie, pour une ode à la vie.

La mise en scène de Julien Condemine tire pleinement parti de l’espace scénique et d’un décor simple et fonctionnel. Les éclairages signés Sylvain Séchet nous permettent de nous envoler comme de nager dans les abysses, retrouvant la magie des machineries baroques. Quant aux costumes de Sylvain Wawrant, mêlant taxidermie et récupération, leur invention réjouit petits et grands. La dramaturgie de Margaux Blanchard, une direction d’acteurs efficace participent à la réussite. Gestes et mouvements, très travaillés, confèrent une vie constante au propos. L’essentiel repose sur l’écriture musicale, particulièrement aboutie. Elle emprunte au baroque comme au style galant, qui lui succède, et il faut saluer le talent du compositeur, qui écrit une œuvre originale, loin du pasticcio. Ainsi, la tempête, la déploration, si souvent illustrées il y a trois siècles, sont bien présentes sans jamais renvoyer à tel ou tel. Les formes, du récitatif, de l’aria da capo aux ensembles les plus complexes, l’ornementation, les traits virtuoses, tout est là. La seule réserve réside dans le livret français, souvent affligeant. On attendait des Meilhac et Halévy mêlant Quinault à Boby Lapointe, pour une langue drôle, facétieuse et grave. Las, la réécriture du livret s’avère artificielle, laborieuse, d’une prosodie parfois malencontreuse. Le potentiel que recèle l’histoire n’est que faiblement exploité, dans un français frelaté. L’artifice limite la verve comme l’émotion, bien présentes musicalement. L’ouvrage mérite beaucoup mieux.

La Cappella Mediterranea, renouvelée, jeune, d’une quinzaine de musiciens, en formation Mozart, est dans son élément. Tous les codes, formes et procédés d’écriture baroque sont mis à profit pour traduire les situations dramatiques et les émotions de chacun. Si le clavecin n’est pas perceptible, on entend un glockenspiel, qui renvoie à la Flûte enchantée, deux clarinettes, fort habiles et colorées, dont la présence surprend et réjouit, les cors, sans oublier les percussions (on ne citera pas tout), c’est un régal. Jamais les bruitages ponctuels, opportuns, ne sont envahissants. La direction imprime la vigueur comme la poésie, toujours soucieuse du chant. Leonardo García Alarcón a réuni une pléiade de quatorze jeunes chanteurs, de toutes origines, partageant leur goût pour la scène et la musique baroque. On ne citera que les rôles les plus exigeants. Mariana Da Silva Ferlita est l’iguane qui conduit la danse : son à-propos, son bon sens comme son impertinence séduisent. Quant à son chant, servi d’une voix sûre, épanouie, d’une autorité naturelle, charmeuse, c’est un bonheur dès son arioso initial, et cela durera jusqu’à ses deux duos du dernier acte. Autre belle pointure vocale, Valérie Pellegrini, au mezzo chaleureux, qui incarne la rebelle Struthiomimus. Son chant couvre toute la palette expressive, de sa révolte à sa déploration (« ô tourment, ô douleur »). Le morceau de bravoure, indissociable du parti pris baroque, est confié à Charles Sudan, contre-ténor remarquable, pour le rôle d’Anatosaurus, seul sage parmi les courtisans dinosaures. Dans une forme vocale somptueuse, il se joue des traits les plus redoutables, la voix est longue, ductile, colorée. Velociraptor, prédateur véloce comme l’indique son nom, ambitieux et vindicatif, est Oscar Esmerode, dont l’émission, arrogante, mordante, correspond idéalement au jeu. Le Darwin / Noé de Sebastià Peris a la noblesse du port et de la voix. L’autorité suffisante et versatile de Tyrannosaure Rex revient à Raphaël Hardmeyer dont la pédante oratio latine est un régal. Un mot du rat, vendeur à la sauvette, Bastien Masset, savoureux. Il faudrait citer toutes et tous, car les ensembles, d’une rare exigence vocale, sont nombreux, et chacun relève d’une prouesse.

Merci à elles et à eux, chanteurs et instrumentistes, auxquels on doit l’émotion de ce spectacle pétillant d’intelligence, même desservi par des textes médiocres.

1. La Cité bleue, salle à l’équipement ultra-moderne, de taille modeste (301 places, toutes aussi confortables acoustiquement, visuellement que physiquement), avec une vaste fosse, et un beau plateau, autorise pratiquement tout, du récital à la production lyrique.  
2. La version originale usait du choral Aus der Tiefe, qui en est la traduction, plus familier aux auditeurs germaniques que le De profundis à nous autres. Pourquoi avoir préféré le De profundis à sa traduction française, ou au choral allemand ?

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Les six sélectionnés ayant accédé à la finale se répartissaient comme suit : une soprano, 3 mezzos, un ténor et un baryton, aucun contre-ténor n’ayant franchi cet ultime cap. Le jury, renouvelé, comportait Hasnaa Bennani, qui a fait bien du chemin depuis son premier prix, obtenu ici même en 2011. Franck-Emmanuel Comte, qui présidait, était toujours assisté de Matthieu Rietzler, directeur de l’opéra de Rennes, et de Charlotte Blin, en charge du Jardin des Voix, de William Christie. Pour la seconde année, le Concert de l’Hostel Dieu accompagnait les candidats finalistes, avec Hélène Dufour et Stefano Intrieri, fidèles accompagnateurs au clavecin, qui avaient également assuré les demi-finales.

Le programme, exigeant (consultable sur le site du concours), a été conçu pour permettre d’apprécier toutes les qualités de chacun. Il imposait trois œuvres, dont une française, à la demi-finale, et trois autres, différentes, pour l’ultime épreuve. Trois langues au minimum, donc, pour des airs chantés dans leur version originale, non transposés. A côté de pages connues, chaque candidat s’était vu imposer un récitatif et une œuvre rare ou inédite parmi les trois de la demi-finale. Le sort de chacun allait se jouer en deux fois quinze à dix-huit minutes…

Outre la satisfaction légitime, le bonheur de la reconnaissance, les lauréats sont généreusement récompensés (7500 € de prix et un engagement sur une production du Concert de l’Hostel Dieu). Plébiscitée par le public, Blandine de Sansal décroche le premier prix. Splendide mezzo de 29 ans, déjà familière de plusieurs formations reconnues, elle aura valu de belles émotions aux auditeurs, conquis.  Les couleurs, la projection, la conduite de la ligne emportent l’adhésion. Le « Vergnügte Ruh’ » de la cantate 170 de Bach, un air virtuose de Juditha triomphans de Vivaldi, puis, plus émouvant que jamais, le « When I am laid » de la Didon de Purcell ont été magistralement servis. Les deux autres mezzos en compétition avaient fait des choix qui empruntaient également à ces pièces. Valérie Pellegrini avait ainsi commencé par le même air de Bach, non moins remarquable, suivi d’un extrait de Il Giasone, de Cavalli, puis de Tolomeo, de Haendel. L’émission est charnue, les graves sont aussi impressionnants que le caractère sensible et dramatique qu’elle imprime à son chant. Une grande, n’en doutons pas, qui obtient le troisième prix. Le deuxième a été attribué au baryton, Matthieu Walendzik, dont la stature est aussi imposante que le chant. L’aisance, la projection d’une voix agile, égale, bien timbrée, à l’articulation exemplaire lui permettent de traduire le lyrisme le plus émouvant comme de donner vigueur aux passages dramatiques. Dès le récitatif d’un air extrait de l’Ercole amante, de Cavalli, ses qualités s’imposent. La souplesse, la longueur de voix des redoutables phrases de « The people that walked » (Messiah) le hissent parmi les meilleurs haendeliens. Quant au « Gratias » de la messe en sol majeur de Bach, il confirme que nous avons affaire à une grande pointure, dont l’aisance dans les trois langues est rare.

Imaginez le bonheur de la troisième mezzo des finalistes, 22 ans, n’ayant jamais participé à un concours, ni chanté avec orchestre, de se voir récompensée par le prix Génération Opéra (anciennement Centre Français de Promotion Lyrique), remis par Matthieu Rietzler ?  Juliette Gauthier n’avait pas choisi la facilité. Le hasard avait voulu qu’elle et la lauréate chantent les mêmes œuvres, suscitant ainsi une comparaison positive… La jeunesse et l’expérience, mais un même engagement et, certainement, une belle promesse pour la benjamine, dont le Vivaldi a été remarquable d’aisance rayonnante. Aucun des deux autres finalistes n’a démérité. Une voix pleine, impressionnante d’autorité et de projection, Maximilien Hondermarck nous a valu un superbe « Deposuit », du Magnificat de Bach, comme des traits vivaldiens remarquables (Ottone in villa, « Che giova »), de son côté, Clémence Niclas a fait montre d’agilité et d’une technique sûre dans Purcell (The Tempest, « Dry those eyes ») pour finir par un éblouissant « In furore », de Vivaldi. Mais il n’y avait que trois place sur le podium… Souhaitons le meilleur à chacune et à chacun.

Rendez-vous est déjà donné pour la 12^e édition du concours, du 22 au 24 septembre 2023, comme pour le Festival, du 3 juin au 8 juillet.

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