Qu’importe, l’ivresse parfumée est là, pour un florilège généreux de pièces a capella qui débute et se termine avec des extraits de la Messe en sol majeur de Poulenc, hautement spirituel, où se déploient un son assez instrumental et des pupitres bien équilibrés. L’Ensemble maitrise parfaitement cette esthétique, lui qui vient d’enregistrer l’intégrale des musiques de Poulenc a capella.
La tendresse qui se dégage du « Kyrie » fait écho à la plénitude du son du « Gloria ». Un très joli travail sur les crescendos et le legato accompagne toute la soirée, tout comme des attaques nettes et des finales propres.

Filer la métaphore botanique n’est pas absurde au vu du thème de la deuxième pièce due à Benjamin Britten, « Rosa Mystica ». Si la diction du chœur s’avère moins précise en anglais, le sens de la narration, lui, est indéniable. La rythmique est délicate, nuancée, et les coloris des timbres intéressants puisque la brillance est ici moins de mise qu’un son mat et rond, avec quelques solistes qui chantent depuis le narthex pour créer un effet de spatialisation tout à fait bienvenu dans le prenant « Heaven Haven ».

Suivent trois superbes extraits de la Messe pour double chœur a capella de Franck Martin. Dans le « Kyrie », la tension dramatique, intelligemment gérée, nous mène du recueillement à une enivrante plénitude du son qui s’épanouit dans le « Sanctus » mettant en valeur la richesse des harmoniques avant « l’Agnus Dei » où le gras du timbre des hommes fait merveille, la sobriété de ce passage contrastant si superbement avec l’exubérance du précédent.
Depuis un jardin printanier, le spectateur chemine ainsi jusqu’à une prairie d’herbe haute sur laquelle passerait une douce brise estivale. Ce souffle – qui est celui de l’esprit –, nous le retrouvons naturellement avec « l’Agnus Dei » de Samuel Barber où malheureusement les aigus des sopranes sont à nouveau un peu tendus et où, avant la reprise du thème, peut-être l’Ensemble aurait-il pu vraiment lâcher prise. Ceci dit, ici encore prévalent l’élégance et la densité sonore.

Pour l’extrait des Vêpres de Rachmaninov le Chef choisit la simplicité de l’émission. L’entrée des femmes seules – dans le medium, cette fois – vulnérable et gracieuse, s’épanouit  jusqu’à la puissance vibrante du tutti constituant encore un moment marquant de ce concert riche en temps forts.

La nature s’impose toujours avec les trois poèmes d’Eichendorff mis en musique par Philippe Hersant. La prosodie allemande du chœur est excellente, l’alternance entre un quatuor vocal et l’ensemble fonctionne extrêmement bien, jamais les dissonances ne sont forcées pour cette première pièce de facture assez classique au charme envoûtant.

Nous demeurons dans la sphère germanique avec le « Warum ist das Licht gegeben dem Mühseligen ? » de Johannes Brahms, lui aussi fort connu, mais tellement extraordinaire… Là encore, travail du legato, des silences, intelligence de la conduite de la ligne… Tout réjouit dans ce ruban soyeux.

La commande à Sarah Grace Graves, « I will work the dawn », plaisante, sous-emploie quelque peu les chanteurs avec ses onomatopées évoquant le vent puis les oiseaux. Mais ainsi, depuis la prairie le regard s’élève pour embrasser tout un panorama qui est peut-être celui des douces collines du Morvan. L’installation de l’atmosphère en imitation de la nature fonctionne au mieux et le côté enveloppant de la page est tout à fait agréable.

Le concert se termine avec « Seigneur, je vous en prie », extrait des Quatre petites pièces de saint François d’Assise de Poulenc… Merveille de douceur. Aux hommes qui interprètent le premier passage répondent les femmes dans l’introduction du « Sanctus » avec un même art pointilliste du paysage et un très bel ensemble pour le « Hosanna » final. On déplore à nouveau un manque de rondeur chez les sopranes dans les attaques aiguës du « Benedictus », compensé par la beauté de la suite du morceau. Enfin, le soprano solo de « l’Agnus Dei » en dépit d’un peu d’appréhension, séduit l’oreille tout comme le tutti qui suit, écho grégorien qui finit de démontrer que l’Ensemble Aedes sait se glisser avec aisance dans chaque univers.

Un concert à réentendre sur France Musique le 14 septembre prochain.

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Le choix de la version de Vienne fait également peser la balance du côté comique. Certes, l’opéra se finit sur la mort de Don Giovanni, sans sextuor final pour clore la soirée, certes Donna Elvira gagne en dignité et en tragique avec l’ajout de « In quali eccessi, o numi ». Mais pour Vienne Mozart a également remplacé l’air de Don Ottavio « Il mio tesoro intanto », air noble aux accents légèrement martiaux, par un duo comique pour Leporello et Zerlina, « Per queste tue manine », substitution qui contribue à donner à l’acte II encore plus de légèreté que les jeux de double de Don Giovanni et Leporello ne le font déjà.

Pierre angulaire de ce retour à une version de Vienne de puriste, sans rajout de l’air de Don Ottavio au détriment du duo de Leporello et Zerlina, pratique courante, l’orchestre Les Ambassadeurs – La Grande Écurie joue avec bonheur la partition de Mozart sur instruments d’époque. Le pincé du hautbois, le son légèrement sourd du cor, la sécheresse parfois des cordes donnent à l’œuvre un caractère légèrement rugueux, plus viscéral que ce que l’on attend d’ordinaire chez Mozart, et cela est ici très heureux. Attentif aux chanteurs, Mathieu Romano dirige l’ensemble avec une belle fougue. Les ensembles, qu’il s’agisse du final du I, le sextuor « Mille torbidi pensieri » au II ou le dîner final, sont tous extrêmement réussis. Peu sollicité par la partition, le chœur Ensemble Vide fait tout de même impression, fugacement, au premier acte, très frais dans « Giovinette che fate all’amore ». Au deuxième acte, en revanche, les hommes sont en nombre un peu trop réduits pour donner aux voix de l’au-delà du festin de pierre toute leur force et faire réellement trembler l’auditoire.

Du côté des solistes, commençons par souligner l’homogénéité de la distribution, qualité indispensable chez Mozart. Louis Morvan, jeune basse aux graves fournis, endosse à la fois le rôle du Commandeur et de Masetto. Dans le rôle du paysan jaloux, il est un peu trop en retrait, timide scéniquement, et manquant d’énergie, de mordant, de diction dans « Ho capito, signor sì ». Ce Masetto se fait bien trop marcher sur les pieds. En Commandeur, en revanche, si le trac l’empêche de faire impression au premier acte, il est très convaincant au deuxième, impeccable vocalement, marmoréen face à l’absence de repentir de Don Giovanni. Catherine Trottmann est une Zerlina délicieuse à la voix fine et fruitée, tirant parfaitement son épingle du jeu en accentuant le côté espiègle de la paysanne face à Leporello, son côté victime prise au piège face à Masetto. Bien que les extrapolations vers l’aigu qu’elle ajoute dans ses deux airs ne soient sans doute pas nécessaires, Mozart se suffisant toujours à lui-même, elle est de bout en bout très musicienne, irrésistible dans le duo avec Leporello. Dommage que l’on n’ait pas entendu son premier cri à l’aide hors-scène dans le final de l’acte I, peut-être par la faute de la mise en espace, ce qui a un peu déstabilisé l’ensemble.

Remplaçant au pied levé le ténor initialement annoncé, Cyrille Dubois est égal à lui-même en Don Ottavio : irréprochable. Il brille par sa diction impeccable et l’élégance de sa ligne de chant. Remarquable dans les ensembles auxquels il apporte dynamisme et mordant, il ne fait qu’une bouchée de son seul air, « Dalla sua pace », ciselé et tout en piani délicats. Avouons avoir trouvé Marion Lebègue moins convaincante en Donna Elvira. Dotée d’un très beau mezzo au médium onctueux et charnu, elle nous a paru un peu à l’étroit dans le rôle de l’amante trompée qui la force régulièrement à des aigus légèrement acides et fâchés avec la justesse. Elle est plus à l’aise dans les ensemble où elle est moins sollicitée. C’est dans le trio au début du II, « Ah taci, ingiusto core », face à Leporello et Don Giovanni, qu’elle nous a paru la plus épanouie, et de fait la plus touchante. En Donna Anna, Marianne Croux emporte l’adhésion. Son soprano est superbe, clair, frais, coloré, irisé dans l’aigu, d’une souplesse remarquable dans la vocalise. Aussi à l’aise dans l’héroïsme un peu tapageur d’ « Or sai chi l’onore » que dans le legato contemplatif de « Non mi dir », où elle touche à l’âme, elle a toute la prestance et la dignité scénique de Donna Anna. Incontestable.

Enfin, dans le duo de tête, deux barytons aux qualités et aux tempéraments très différents, mais qui se valent bien. Thomas Dolié est un Leporello étonnamment sensible et touchant, très clown triste, qui n’hésite pas à donner de superbes piani vers l’aigu à la fin du redoutable « Madamina, il catalago è questo », conférant aux finals « quel che fa » une dimension sinistre et introspective aussi originale que bien trouvée. Excellent de bout en bout, très drôle, très physique, il se joue parfaitement de l’élocution rapide exigée de ce rôle bouffe. Dans le rôle-titre, pour finir, Florian Sempey impressionne par la beauté incontestable, assez renversante, de son baryton parfaitement homogène sur toute la tessiture, sonore et charmeur. Son Don Giovanni est plus viveur que séducteur, bruyant, charismatique au point de virer parfois à l’histrion. Son « Fin ch’han dal vino » est d’ailleurs trop tapageur, recourant systématiquement au cri dans ses dernières phrases. Ailleurs, pourtant, il est capable de tous les raffinements, notamment dans un « Deh vieni alla finestra » remarquable de ligne, de douceur et de nuances, ou dans sa séduction de Zerlina à grands renforts de piani délicats dans le récitatif précédant « Là ci darem la mano ». Surtout, dans la scène finale, le comédien est saisissant, servi par une voix d’une solidité qui lui permet tous les éclats terrifiés. Et finalement, malgré les quelques réserves exprimées plus haut, on doit s’incliner devant l’artiste.

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L’écriture modale, archaïsante et audacieuse est merveilleusement illustrée par Mathieu Romano et son chœur Aedes. La plus large échelle dynamique, du ppp au fff (« Reine à qui Roland… »), le magnifique contrepoint de l’orgue, qui s’enrichit progressivement, et la tessiture s’élargissant pour s’achever dans la douceur qui baignait le début, l’émotion est bien là. La pureté, l’innocence, la transparence, mais aussi la véhémence des voix de cette version première, avec orgue (1), nous captivent.

O doulx regard, o parler gracieux, chanson de Janequin (2) ravira les fervents de chant choral. Elle s’harmonise fort bien entre les deux pièces sacrées de Poulenc, qui appréciait ce répertoire. Cependant, elle surprendra, voire scandalisera, les puristes épris d’authenticité, puisque l’invention chorale, a cappella, des chansons parisiennes de la Renaissance remonte au XIXe siècle, installée durablement ensuite par Charles Bordes et ses Chanteurs de Saint-Gervais (3). Qu’importe, la plénitude et la continuité tonale autorisent un bel enchaînement avec le Stabat mater. Deux observations cependant : la reprise de la musique pour le second quatrain, ici absolument identique, aurait appelé un changement (tutti-soli, ou substitution instrumentale aux parties de superius, altus et bassus). La seconde surprise de cette lecture réside dans la césure – que l’on ne comprend pas – entre « O grand douleur » et « O céleste planète »… oublions.

Le texte du Stabat Mater a inspiré à Poulenc une de ses plus belles pages. Comme auparavant, le texte n’est pas prétexte, il est en chacun des interprètes comme sur leurs lèvres. Le Fac ut ardent, où le chœur, privé de ses barytons et basses, chante a cappella, l’orchestre se limitant à une ponctuation et à l’accord ultime, est un sommet. Jamais l’importante formation orchestrale que mobilise le compositeur ne fait masse, sinon dans de formidables tutti, d’une puissance dramatique paroxystique. La clarté subtile, les équilibres, les respirations sont illustrés ici avec ferveur, gravité comme légèreté par un chœur et un orchestre fusionnels. Les deux pages confiées à la soliste, Marianne Croux, atteignent au sublime. La pureté d’émission, le phrasé au souffle infini nous étreignent. La seconde (Fac ut portem) tout particulièrement, déploration, marche funèbre, avec le chœur, en valeurs longues. La page finale, le Quando corpus, extatique, lumineux, appelle le silence et le recueillement.

Une réalisation qui renouvelle la discographie, à marquer d’une pierre blanche (4).

• 1. Poulenc l’orchestrera ensuite, mais nous préférons cette première version, pour son ascèse et sa ferveur. La registration de Louis-Noël Bestion de Camboulas est un régal. 
  2. Publiée en 1548 par Attaingnant, elle est la seule de Janequin participant au 26e Livre contenant 27 chansons nouvelles à 4 parties. 
  3. Etonnamment, Dominique Visse, auquel ce répertoire doit tant, apparaît dans les remerciements d’Aedes. 
  4. Le minutage réduit aurait autorisé l’ajout de telle ou telle pièce en relation avec le programme. Ainsi, par exemple, les Sept répons des ténèbres, la Messe, ou le Salve regina (les œuvres ne manquent pas)…

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Mon pire souvenir dans une salle d’opéra (ou « dans une fosse d’opéra ») ?
Pendant une production il y a quelques années, le chef assistant de la production est tombé dans la fosse, depuis la scène. Fort heureusement, plus de peur que de mal et aucune blessure, mais quel effroi !

Le livre (/film) qui a changé ma vie ?
Beaucoup de livres et de films m’ont marqué, mais si je dois en prendre un qui a concrètement changé ma vie, c’est un livre intitulé « l’Apathie Hyperactive » de Sergio Rodia, qui m’a donné envie de déconnecter tous les réseaux sociaux de ma vie personnelle.
→ trouvez ce livre chez votre libraire indépendant.

Le chanteur du passé que j’aurais aimé diriger
Luciano Pavarotti

La ville où je me sens chez moi ?
Auxerre (c’est ma ville de naissance !)

La ville qui m’angoisse ?
Je n’ai jamais été angoissé par une ville, j’ai plutôt tendance à m’acclimater assez vite.

Ce qui, dans mon pays, me rend le plus fier ?
Bien qu’imparfait, notre système dit de « l’intermittence du spectacle » permet à de nombreuses personnes de vivre de leur art, et permet une diversité artistique plus grande que dans d’autres pays.

Le metteur en scène dont je me sens le plus proche ?
De celles et ceux avec qui j’ai travaillé : Thomas Jolly.

Le chef ou la cheffe qui m’a le plus appris en l’observant ?
J’en ai finalement observé assez peu mais de celles et ceux que j’ai observés : François-Xavier Roth.

L’œuvre la plus complexe qu’il m’ait été donné de diriger
Difficile à dire ! Toute œuvre peut être soit simple, soit complexe. Tout dépend du degré de travail qu’on veut mettre dedans. Par exemple, la première fois que j’ai travaillé la Passion selon St-Jean de Bach, je me rappelle avoir passé tant de temps à la questionner, à savoir ce que je pouvais y lire et y faire passer. Alors même que la « diriger », c’est très simple ! A l’inverse, parfois certaines œuvres contemporaines sont très dures à comprendre et à « diriger », alors que musicalement elles sont plutôt « simples » car tout y est écrit.

Si je pouvais apprendre un instrument du jour au lendemain, lequel serait-il ?
Le piano. J’en ai fait quelques années, donc je sais me tirer d’affaire, et jouer basiquement, mais j’adorerais pouvoir être excellent pianiste et pouvoir tout jouer, le répertoire du piano est immense et si beau.

Un opéra dont j’aurais voulu être le créateur ?
Tellement d’opéras ! Mais celui qui me passe par la tête : Les Boréades de Rameau. Ou alors, tout simplement, la Tétralogie de Wagner.

Le chanteur du présent que je trouve d’une générosité rare ?
Marc Mauillon ou encore Sabine Devieilhe
→ Lire le Questionnaire de Proust de Sabine Devieilhe.
→ Lire le Questionnaire de Proust de Marc Mauillon.

Mon plus grand moment d’embarras ?
Quand j’étais jeune musicien, je participais à un petit festival dans lequel j’étais à la fois chef de chœur pour un stage de chœur amateur, et flûtiste pour différents concerts (orchestre, musique de chambre, concertos…). J’avais donc pas mal de travail et un soir, j’ai tout simplement complètement oublié que je devais participer à un concert en orchestre, le soir même, dans une ville à 30 min de voiture. Je suis donc parti sur le champ, et je suis arrivé bien sûr en retard, trop tard ! Je n’ai pas joué une note.

Si j’étais un personnage de Disney ?
Mes connaissances en Disneys s’arrêtent au Roi Lion ! Je dirais : le Génie dans Aladdin.

Le compositeur auquel j’ai envie de dire « mon cher, ta musique n’est pas pour moi  » ?
Paganini. Mais c’est sûrement parce que je ne connais pas tout son corpus musical !

Si l’étais un Lied ou une Mélodie ?
« Ich bin der Welt abhanden gekommen », de Mahler !

Mon pire souvenir historique des 40 dernières années
Les attentats en 2015 à Paris et Saint-Denis.

Ma devise
Je n’ai pas de devise, mais je me dis souvent : « rien n’est évident ». Au sens de « toute information peut être mal comprise, toute chose qui nous parait évidente peut ne pas l’être. Il ne faut pas préjuger de ce que l’autre pense ou comment il/elle comprend les choses. ».

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L’intrigue est donc celle de la mystique Bess Mc Neill, jeune fille dont on ne sait si elle est « la bonté » même ou une folle, quasi prisonnière sur l’Île de Skye au Nord de l’Angleterre d’un amour destructeur et d’une communauté réactionnaire calviniste qui la condamne. De fait, l’opéra s’intéresse autant à l’ambiguïté des personnages mise en avant dans le film de Lars von Trier qu’à la dénonciation du patriarcat religieux et de la mesquinerie d’une petite communauté isolée. Remarquablement incarnée par une troupe formidable de jeunes chanteurs, superbement mise en scène par Tom Morris, l’œuvre marque particulièrement grâce à ses scènes chorales.

Sur une scène assombrie que percent et habillent les très belles lumières et la vidéo, un mur de falaise se transformera grâce à une scénographie virtuose, rythmée par les va-et-vient du plateau selon les tableaux, en un bord de mer battu par l’océan, une chambre nuptiale ou d’hôpital, une salle de banquet, une plateforme pétrolière et un temple presbytérien. Les duos ou trios apparaissent musicalement moins intéressants que les grands ensembles (conformisme d’une certaine esthétique compositionnelle ou maladresse de la fosse à organiser et varier ces strates musicales horizontales fondées jusqu’à l’ennui sur une écriture récurrente : une ligne entêtante rythmique, un ostinato que trouent les appels d’instruments souvent doublés ?) Ils sont néanmoins transcendés par l’interprétation habitée des chanteurs.

De presque toutes les scènes, la créatrice du rôle de Bess, la soprano américaine Sydney Mancasola, brûle le plateau avec son charisme d’actrice prête à tout (dans des scènes plutôt crues), sa mezzo voce tenue en un lamento poignant ou ses élans amoureux et mystiques aux aigus brillants (« His name is Jan »). Le plus admirable étant sa voix extraordinairement travaillée vers l’extrême de la tessiture, voix dévolue à Dieu que double un excellent chœur Aedes en fusion. Ce sont des passages que la compositrice réussit parfaitement, de même que les paysages sonores au lyrisme ténébreux, qu’enrichit un instrumentarium original pour colorer cette tragédie. Les scènes chorales sont vraiment de loin les scènes les plus convaincantes, et l’Ensemble Aedes sous la direction de Mathieu Romano brille. Le sculptural baryton Jarrett Ott dans le rôle du mari étranger, Jan Nyman, travaillant sur une plateforme pétrolière, est un interlocuteur idéal. Leurs proches ne le sont pas moins : l’ami du marié, Terry, rôle que possède parfaitement Mathieu Dubroca d’Aedes, la sœur de Bess, la Dodo fine et merveilleuse de la mezzo Wallis Giunta ou le noble Dr Richardson d’Elgan Llȳr Thomas sans oublier leur ennemi, le chef glaçant de la Communauté de l’île, la basse Andrew Nolen aux graves impressionnants. 

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François-Xavier Roth a prêté son orchestre Les Siècles au chef de l’ensemble vocal AEDES, Mathieu Romano. Ce dernier a composé un programme qui, sur le papier, paraît fait de bric et de broc (Janequin y côtoie Charles Ives, Gesualdo Rodion Chtchédrine*) et qui se révèle être, au contraire, un magnifique parcours, un chemin de foi : l’espoir (Janequin), la désolation (Gesualdo) la confirmation (Pärt), la question sans réponse (Ives), la ferveur (Messiaen) pour culminer dans l’éploration du Stabat Mater. 

Un chemin de foi

Toutes les pièces sont enchaînées, quasiment sans interruption. Sans ruptures harmoniques d’un morceau à l’autre, comme s’il était naturel de passer de Janequin à Chtchédrine et du Russe à Gesualdo… Au risque d’une certaine uniformité. Les nuances, les accents, pourraient être plus prononcés, les contrastes entre les époques et les styles plus accusés. On peine à distinguer le vieux français de Janequin du russe de L’ange scellé puis de l’italien de Gesualdo. 

Et pourtant, une fois de plus, on tire son chapeau aux chanteurs de l’ensemble AEDES – ils sont 32 ce soir – et à leur chef  et fondateur Mathieu Romano. Voici une formation fondée en 2005 capable de s’adapter à toutes les situations, tous les contextes, tous les répertoires, avec un égal bonheur. Voici des artistes qui ont depuis longtemps compris qu’on peut attirer, intéresser de larges publics par des propositions qui sortent des sentiers battus.

Le programme de ce vendredi à Laon en était la parfaite illustration : rien vraiment de « grand public » (concept ridicule qui n’est avancé que par ceux qui ne vont jamais au concert et ignorent ce qu’attend précisément le public !), quelques noms plus connus ou familiers que d’autres (Messiaen, Poulenc), des enchaînements, audacieux à priori et finalement totalement convaincants à l’écoute. Moments magiques que la flûte qui se déploie du fond de l’église à la fin du Chtchédrine, ou angoissants comme la trompette qui introduit la « Question sans réponse» de Charles Ives. La présence du soprano fruité de Marianne Croux dans le premier des Poèmes de Mi de Messiaen nous fait regretter la brièveté de l’extrait de ce cycle où s’illustrèrent naguère Françoise Pollet et Pierre Boulez.

Mater dolorosa

Mais on attend évidemment ce qui va constituer la conclusion et l’acmé de ce programme : le Stabat Mater de Poulenc. Lorsque son ami, le peintre et décorateur Christian Bérard (1902-1949), meurt brutalement en 1949, Poulenc songe d’abord à un requiem, mais devant la Vierge noire de Rocamadour, celui qui se définissait lui-même comme « moine ou voyou », choisit le texte médiéval du Stabat Mater et compose, en 1950, une œuvre d’envergure – la seule de ce type avec le Gloria créé dix ans plus tard – pour soprano solo, chœur et orchestre, en douze parties. 

1. Stabat mater dolorosa (Très calme) – Chœur
2. Cujus animam gementem (Allegro molto – Très violent) – Chœur
3. O quam tristis (Très lent) – Chœur a cappella
4. Quæ mœrebat (Andantino) – Chœur
5. Quis est homo (Allegro molto – Prestissimo) – Chœur
6. Vidit suum (Andante) Soprano (ou mezzo-soprano) – Chœur
7. Eja mater (Allegro) – Chœur
8. Fac ut ardeat (Maestoso) – Chœur a cappella
9. Sancta mater (Moderato – Allegretto) – Chœur
10. Fac ut portem (Tempo de Sarabande) Soprano – Chœur
11. Inflammatus et accensus (Animé et très rythmé) – Chœur
12. Quando corpus (Très calme) Soprano – Chœur

Douze parties qui sont du pur Poulenc, alternance de gravité et de légèreté – la douleur de la mère du Christ n’est pas toujours tragique, plutôt révoltée ou contemplative. Marianne Croux fait d’autant moins un numéro que le soprano solo n’intervient jamais seul. Elle en laisse plus d’un au bord de l’émotion lorsque s’achève ce Stabat mater, sa voix si douce au milieu de celles d’un chœur qui se fond dans le silence.

On a pu regretter, dans les épisodes les plus puissants, que le chœur ne soit pas plus nombreux quand l’orchestre se déploie, regret vite effacé eu égard à l’engagement collectif des interprètes, chanteurs et musiciens, et à la performance du maître d’œuvre d’un programme exemplaire. 

La soprano Marianne Croux, Les Siècles et l’ensemble AEDES dirigés par Mathieu Romano © Robert Lefèvre/Festival de Laon

Mathieu Romano, pour remercier un public remarquablement attentif et silencieux, offre en bis une chanson de Clément Janequin, les musiciens des Siècles debout se joignant aux chanteurs d’Aedes :

https://www.youtube.com/watch?v=e6PmzqETnIA

* précision de linguiste : l’alphabet russe comporte une lettre – Щ – qui phonétiquement se transcrit en français par 5 lettres chtch !

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Mathieu Romano, directeur artistique d’Aedes dirige ce Deutsches Requiem d’une battue stable, rassurante avec autant de sobriété que de précision. La conduite de la phrase musicale est ample et fluide, le legato soyeux. Les instruments d’époque 1850, de facture allemande, subliment la version pour orchestre de chambre de Joachim Linckelmann avec un travail de couleur d’une remarquable subtilité. L’équilibre des pupitres se savoure à chaque numéro, avec une mention particulière pour les vents et les cuivres qui sont très présents sans jamais se faire écrasants ou encore les cordes tout en grâce lumineuse dans le 4e mouvement.

Le chœur fait montre des mêmes qualités avec un travail du son particulièrement abouti et une palette colorée extrêmement riche. Cette grande délicatesse est perceptible dès le morceau d’entrée, « Mit geschlossenem Mund » de Wolfgang Rihm (à bouche fermée, comme son titre l’indique), qui met immédiatement en valeur une somptueuse pâte sonore. Le travail des nuances est au diapason avec des forte/piano assez bouleversants dès les deux premiers mouvements du Requiem.

Musiciens et chanteurs partagent un plaisir manifeste qui affleure dans les regards et sourires comme dans le 6e mouvement «  Der Tod ist verschlungen » et culmine avec le motet « Warum ist das Licht gegeben dem Mühseligen ? » proposé en guise de bis et que l’orchestre chante avec les solistes et le chœur dans une belle métaphore qui dit le bonheur de communier par la musique dans une spiritualité lumineuse.

Axelle Fanyo intervient une première fois avec le troisième des Rückert-Lieder de Gustav Mahler, « Ich bin der Welt abhanden gekommen » où sa projection exigeante, sa maitrise du souffle font merveille tout comme la richesse de son timbre charnu et sensuel aux aigus brillants. L’émission est particulièrement suave dans le 4e mouvement « Sehet mich an ».

Julien van Mellaerts est un peu moins convaincant avec des registres qui manquent d’unité, un souffle un peu court, en dépit d’un beau métal aux médiums percussifs.

Cette belle création de 2019 sera à l’affiche à Puteaux vendredi 10 juin et le lendemain à Maladrerie de Beauvais.

*L’orchestre bénéficie du soutien de la Région des Hauts de France et d’une résidence à l’Atelier Lyrique de Tourcoing.

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Programme du concert
 

DÉSOLATION
Jean-Philippe Rameau, Ah! loin de rire
Rocío Márquez, Tona o seguiriya (trad. flamenco)
Johann Hermann Schein, Da Jakob vollendet hatte (tiré des Fontaines d’Israël)
Fabien Touchard, Una canción de guerra (création mondiale)
Rocío Márquez, Bambera Moribunda (arrangement de Stéphane Mège)
Einojuhani Rautavaara, Suite de Lorca
Iannis Xenakis, Nuits, avec pièce traditionnelle de flamenco

RECUEILLEMENT
Gregorio Allegri, Miserere (extraits)
Rocío Márquez, Llegar a la meta
Samuel Barber, Agnus Dei

TOURMENT AMOUREUX
Claudio Monteverdi, Lamento della Ninfa
Rocío Márquez, El Último Organito
Kurt Bikkembergs, Historietas del viento II
Stefano Landi, Passacaglia della vita
Rocío Márquez, Tierra y Centro (arrangement de Stéphane Mège)

Rocío Márquez, voix
Ensemble Aedes
Mathieu romano, direction musicale

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Comme le précise le communiqué de presse, ce chef d’œuvre sera suivi des 4 Motets opus 10 de Maurice Duruflé, courtes partitions composées en 1960 et fortement imprégnées de chant grégorien.

Ces pièces ont été enregistrées au mois d’août dernier au cœur de la basilique de Vézelay. Ce court extrait vous mettra sans doute l’eau à la bouche https://www.youtube.com/watch?v=Pc1Yf7QlmvI&feature=youtu.be

Vous retrouverez l’intégralité de ce concert en Première You Tube sur la chaîne de la Cité de la Voix, à partir de 16 heures ce 20 janvier, puis sur sa page Facebook, ainsi que sur celle de l’Ensemble Aedes.

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