Malheureusement, la vie ne semble pas plus palpitante pour elle,  que pour le commun des mortels… Bloquée en Nouvelle-Zélande faute de pouvoir prendre l’avion pour regagner la Grande-Bretagne, Dame Kiri dessine, coud des masques, fait des gâteaux et des confitures, grâce aux fruits qui poussent en abondance dans sa propriété, notamment les feijoas, ces « goyaves du Brésil » typiquement néo-zélandaises. Elle pêche aussi, malgré le manque de poissons sur le rivage où le confinement l’autorise encore à mettre les pieds – car oui, aussi étonnant que cela puisse paraître, c’est une activité très appréciée par la soprano.

Mais bien plus important, Dame Kiri te Kanawa tente d’apporter une aide financière à ses étudiants par le biais de sa fondation, créée en 2004, et qui vise à aider les jeunes chanteurs à lancer leur carrière, ces derniers ayant été frappés de plein fouet par les annulations liées au Covid-19. Espérons pour eux qu’un soutien pourra leur être apporté.

 

 
 

 

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A post shared by Dame Kiri Te Kanawa Fan Page (@kirionline) on Mar 31, 2020 at 11:32pm PDT

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Pas de raretés dans les titres choisis, seules des valeurs sûres du répertoire sont présentes : Don Carlo, Don Giovanni, Parsifal, Lucia di Lammermoor, Madama Butterfly… Toutes ont d’ailleurs déjà été publiées de manière indépendante par le Royal Opera House.  Et puis il y a les grands soirs, ceux qui sont entrés dans la légende. Récemment Christophe Rizoud écrivait que la version studio de 1961 (rééditée par Alto) de Lucia Di Lammermoor « possède tous les atouts pour rafler la mise » de la version de référence. La piste gravée dans ce coffret en serait la version live. Nous sommes deux ans plus tôt en 1959, et ce soir-là, Joan Sutherland atteint la stratosphère des belcantistes, devant Maria Callas présente dans le public ; nous le racontions dans notre dossier consacré aux Opéras du Monde. La soprano australienne est époustouflante : vocalises superlatives, trilles variés, et personnage très bien caractérisé. Seuls quelques aigus extrêmes sonnent acides.

Peut-être est-ce dû à la qualité de la prise de son. Le live ne trahit pas et si le chant, les modes et les techniques évoluent,  ce coffret témoigne en premier lieu des progrès manifestes de la prise de son en une cinquantaine d’années. Il est émouvant, cet Otello (1955) au son ouaté où surnage le Maure éruptif de Ramon Vinay et la moelleuse Desdémone de Gré Brouwenstijn, tous deux portés aux nues par la baguette de Rafael Kubelik. Mais combien il est loin de la précision cristalline de la captation de ce Cosi fan Tutte de 1981 qui réunissait la crème du chant mozartien : Kiri Te Kanawa, qui de beautés vocales fait fondre les plus durs métaux ; Agnes Baltsa tout aussi belle mais plus prosaïque ; Stuart Burrows et Thomas Allen chantant avec panache les deux amoureux. Quand on ajoute Colin Davis en fosse on tient un giocoso électrisant. Il y a toutefois quelques ratés. Quel dommage que Don Giovanni (1962) dirigé par Georg Solti soit plus problématique dans sa prise de son : les soprani en pâtissent et notamment l’Anna impériale de Leyla Gencer qui fait saturer les aigus très rapidement. Aucun problème en revanche pour jouir du sens inné du théâtre de Cesare Siepi (Don Giovanni), Geraint Evans (Leporello) ou encore Sena Jurinac (Elvire) et la jeune Mirella Freni (Zerline).

Autre problème de taille, ces lives sont le fruit de leur époque et certaines manies de se servir du ciseau ne sont pas encore passées aux oubliettes. Ainsi le Don Carlo de 1958 avec Carlo Maria Giulini en fosse est dépecé de nombreuses mesures (il est bien en italien et en 5 actes, contrairement à ce que suggère le livret du coffret qui ajoute un « s » à Carlo) . Pas le temps de s’ennuyer à Fontainebleau expédié en quelques minutes, pas de lacrimosa pour le Posa de Tito Gobbi… C’est d’autant plus discutable quand la serpette est maniée par les techniciens et réalisateurs du présent coffret : ainsi une fort belle soirée de répertoire autour d’un ballo in maschera réunissant Jon Vickers, Ettore Bastianini, Amy Shuard et Regina Resnik se trouve proprement tronçonnée quand certains finals ne sont pas purement et simplement assourdis comme de vulgaires morceaux pop. Fallait-il donc gagner quelques secondes pour réduire le nombre de galettes du coffret ?

Mais passons, ce qui se fait jour en filigrane au fil des décennies, c’est la volonté de « restaurer Covent Garden comme centre d’opéra et de ballet digne des plus grandes traditions musicales », comme l’écrivaient les pères fondateurs au sortir de la guerre. Condition sine qua non : une troupe et un orchestre fixe. Là encore on mesure combien Londres aura bataillé. Le Parsifal de 1971 qui réunit Jon Vickers, Donald McIntyre, Amy Shuard et Norman Bailey ne donne pas autre chose à entendre qu’une belle soirée wagnérienne alors que va commencer la décennie dite de crise de chant wagnérien. Le chef ce soir-là, Reginald Goodall, est notoirement connu pour avoir enregistré la version la plus lente de l’oeuvre. Même démonstration en 1997 avec Die Meistersinger von Nürnberg, même si la crise est passée, pour le Sachs de John Tomlinson accompagné par les artistes maison.  Plus que la Butterfly de Victoria de los Angeles, que les « Vittoria » glorieux de Franco Corelli (dans Tosca en 1957) ou qu’un Rosenkavalier de luxe en 1995 (Baron Ochs de Kurt Moll, Anna Tomowa-Sintow en Maréchale), le florilège ici capté de soirées de répertoire de grande qualité montre ce théâtre qui se réinvente, s’affirme et triomphe.

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Kiri Te Kanawa a eu soixante-dix ans en mars dernier. Elle avait fait ses véritables adieux à l’opéra avec d’ultimes Maréchales à Cologne. Sensiblement amaigrie, sa voix n’avait rien perdu de son singulier frémissement ; la chanteuse portait glorieusement les ans.

Ses apparitions désormais sont calculées : parenthèse dans La Fille du Régiment en Krakentorp, amusement en Nellie Melba dans Downton Abbey (un « O mio babbino caro » stridulent), rares récitals, un disque de chants maoris. La pédagogie et l’aide aux jeunes artistes ont pris le relais.

En six disques, DECCA rappelle ce que fut cette artiste : tout simplement la reine de l’art lyrique pendant une bonne vingtaine d’années, de ses débuts fracassants au Covent Garden en Comtesse des Noces jusqu’à la célébration grandiose de ses cinquante ans au Royal Albert Hall en 1994. Suprématie attestée par son Elvira dans le Don Giovanni de Joseph Losey en 1979, son interprétation de « Let the bright Seraphim » au mariage de Charles et Diana en 1981 (coiffée d’une toque bleue électrique du plus bel effet), ou l’enregistrement de West Side Story sous la baguette de Bernstein himself en 1984, ou par sa Desdémone aux côtés de l’Otello de Pavarotti, sorte de hapax discographique.

Et avec cela, belle. Apprêtée toujours comme si le Président des Etats-Unis allait sonner à la porte. Le méchage auburn façon Sue Ellen associé à des mises en pli impeccables qui n’eurent de rival qu’en Samuel Ramey.

Etonnant comme tout cela a vite périclité. Demandez à n’importe quel amateur aujourd’hui quelles chanteuses il retient des années 70 à 90 : il est peu probable que Kiri Te Kanawa figure sans la liste. Julia Varady (née en 1941), Teresa Berganza (née en 1935), Grace Bumbry (née en 1937), Lucia Popp (née en 1939), Ileana Cotrubas (née en 1939), Margaret Price (née en 1941), Jessye Norman (née en 1945), pour ne citer que quelques-unes de ses contemporaines immédiates, auront conquis nos cœurs plus sûrement, et occupent aujourd’hui un rang élevé dans nos références, alors que leur présence médiatique et discographique fut bien moindre que celle de Dame Kiri.

Pourquoi ? Le présent coffret se charge de nous offrir la réponse. Pour la résumer en un trait, disons qu’on ne fait plus de musique ainsi. Et qu’en un sens, la période pendant laquelle on en fit ainsi fut assez brève. L’approche qui prévaut ici est celle d’un hédonisme sonore de tous les instants. Les enregistrements furent réalisés dans les années 80, à l’exception des lieder de Strauss, enregistrés en 1990. On y entend une recherche constante du bien-chanter, de la ligne propre, chatoyante, d’une sorte de satin vocal qui surprend par sa permanence : ce n’est pas simplement une technique, c’est un style ; ce n’est pas simplement un style, c’est une esthétique.

Car les orchestres sont à l’avenant – rutilantes machines aux mille reflets. On se love dans ce son avec un frisson d’aise. Aucune aspérité ne viendra troubler ce confort – qui bientôt devient un ennui. Proximité sidérante, avec le recul, entre cette esthétique et l’émergence dans ces mêmes années 80 d’un rock synthétique polissant ses sonorités. Il semble qu’en ce temps-là, on considéra que le progrès naissait de l’uniformité. Hé bien, non, c’est bel et bien l’ennui qui en naît – hélas.

Le disque consacré aux airs sacrés est presque renversant de ce point de vue. Je ne me souvenais plus qu’on ait pu enregistrer de manière aussi léchée et dévitalisée. L’English Chamber Orchestra sonne comme un harmonium électrique. La voix de Kiri est lisse et douce et fleurie comme une toile cirée.

Les airs d’opéra et les airs de Mozart passent et se ressemblent d’une manière préoccupante. Jamais un accent pour les singulariser. C’est bel et bien toujours « Kiri chante… » – nom du compositeur ajouté à la demande.

De là le naufrage du disque 4, consacré à la mélodie, Purcell côtoyant Liszt et Ravel mais aussi Granados dans une indifférence complète. Trop de glamour tue le glamour.

Ce qui survit à cela, ce sont les Canteloube : la rusticité délibérée de l’orchestration contraste heureusement avec cette voix si sophistiquée et disciplinée. Et ce sont, surtout, les Strauss : les Quatre derniers lieder et des mélodies avec Solti dirigeant les Wiener Philharmoniker puis se mettant au piano (quel luxe). Evidemment parce que tout ce qui fait l’art de Te Kanawa trouve là son plein régime et son meilleur emploi, mais aussi parce que Solti est le seul à pouvoir lui offrir une sonorité opulente sans être chiquée, somptueuse mais substantielle, animée, vivante. Alors la voix de la chanteuse s’insère naturellement dans un bain sonore qui l’enveloppe et pour ainsi dire l’exhausse, faisant d’elle le premier instrument d’un orchestre superlatif. On ne peut s’empêcher du reste de noter qu’à ce même élément sonore constitué par Solti, Renée Fleming offrira une réponse autrement riche et caractérisée.

La vocalité de Kiri Te Kanawa restera comme l’artiste-témoin de l’espèce de sidération jouissante provoquée par l’irruption de la stéréophonie et l’apogée de l’ingénieur du son comme confectionneur en chef de la musique enregistrée. Cela ne diminue en rien l’impressionnante qualité de sa voix, la discipline absolue de son chant et l’éclat d’une carrière hors-norme ; mais cela les remet en perspective.

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Il faut manger pour chanter ! C’est avec cette déclaration à contre-courant de la tendance actuelle que Kiri Te Kanawa jette un pavé dans la mare lyrique. « Il faut des kilos pour atteindre les notes les plus aigües », explique dans The Independent la soprano néozélandaise, précisant que si elle n’a jamais été obèse quand elle se produisait sur scène, elle n’était pas mince non plus. Puis Dame Kiri de dépeindre les starlettes du Met, affamée, condamnée par le diktat de l’image à une taille mannequin qui s’avère contraire aux exigences du chant. Reste à savoir si notre cantatrice, quel que soit son immense talent, aurait eu le même succès avec un physique moins avenant. Sa présence dans le Don Giovanni de Losey, auquel elle doit une part de sa popularité, aurait-elle été possible si elle n’avait pas été aussi photo que phonogénique ? Faut-il rappeler le cas de Maria Callas dont la silhouette de sylphide, suite à un régime dont on n’a jamais percé le secret, a indéniablement contribué au rayonnement. Certains disent qu’elle y a laissé sa voix, d’autres affirment le contraire. La discussion est encore d’actualité. [Christophe Rizoud]

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Kiri Te Kanawa (Magda), Plácido Domingo (Ruggero), Leo Nucci (Rambaldo), Mariana Nicolesco (Lisette), David Rendall (Prunier), Lilian Watson (Yvette), Gillian Knight (Bianca)
London Symphony Orchestra, The Ambrosian Opera Chorus
Lorin Maazel (direction), CBS/Sony (1983).

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