© Mirco Magliocca

La distribution est entièrement revue par rapport à celle de 2022, à commencer par la direction d’orchestre, confiée cette fois-ci à Giacomo Sagripanti qui avait fait une  apparition remarquée au Festival d’Aix-en-Provence en 2025. Cordes soyeuses, vents sans défauts, équilibre recherché entre la fosse et la scène, ce début de saison est en tout point réussi pour l’orchestre national du Capitole de Toulouse.
Le plateau vocal est lui aussi inédit et sans point faible. Ruzan Mantashyan a pris le rôle de Rusalka à Limoges en 2021. Aujourd’hui, la soprano arménienne campe une ondine volontaire, battante, à laquelle manque peut-être  une touche supplémentaire de magie poétique dans le tableau qu’elle brosse de son personnage. Vocalement les choses sont bien en place. Mantashyan excelle dans les parties lyriques (Chanson« à la lune » au I et « Necitelná vodní moci » au III) davantage que dans le mode dramatique, très présent au final du II (Ó marno, ó marno !) : dans ce registre plus exigeant on attend davantage de densité.
Pavol Breslik est le Prince. Ecartelé entre celle qu’il aime d’un amour réfléchi et celle qui lui fera tourner la tête le temps d’un bal, il rend bien les deux facettes du personnage. Le tableau d’ensemble est convaincant, le ténor est vaillant, surtout à partir du II (au premier acte, il aura tendance à détimbrer dans les suraigus forte).
Copie parfaite pour le Vodnik d’Aleksander Roslavets ; lui qui, présent dans les trois actes, passera l’intégralité de son temps dans l’eau (avec quelques acrobaties apnéiques par-dessus le marché !), il maintiendra tout du long une basse non seulement solide mais puissante et surtout chantante. On retiendra particulièrement son air du II (« Běda ! Běda ! ») qu’il fera chanter en magnifiant l’amour d’un père pour sa fille. Ovation méritée pour le Biélorusse.
La grande Ricarda Merbeth a choisi d’inscrire à son répertoire un nouveau rôle, celui de la Princesse étrangère. Tache méritante, car le rôle est aussi ardu que bref – et lui a demandé de se familiariser avec une langue qui lui était jusqu’à récemment totalement inconnue. Mission accomplie : Ricarda Merbeth se plie à toutes les exigences artistiques, voire chorégraphiques du metteur en scène tout en distillant ici et là les aigus tranchants dont elle a le secret.
Aigus tranchants aussi, et même métalliques pour la Ježibaba d’Agnieszka Rehlis. La mezzo-soprano polonaise a tout d’une diabolique créature (toute vêtue de noir, crâne rasé), elle incarne à merveille celle à qui on ne voudrait surtout pas confier son âme.
Timothée Varon est un chasseur énergique ; son comparse le marmiton (Anne-Lise Polchopek) l’est tout autant et les deux font la paire.
Enfin, il ne faudrait pas oublier les trois nymphes (Marianne Croux, Marion Vergez-Pascal et Svetlana Lifar), dont les voix s’accordent merveilleusement dans un ballet nautique (aux I et III) là encore tout de poésie.

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La soprano sud-africaine a composé un programme ambitieux avec quelques-unes des plus belles pages écrites pour sa voix ; mais nous retiendrons essentiellement la – courte – seconde partie, après l’entracte, de sa prestation. « Quel guardo il cavaliere » (Don Pasquale) bien vocalisée avec les fraiches et juvéniles couleurs qui siéent. « Casta Diva », probablement le plus beau moment de la soirée ; superbe articulation, souffle long, graves et médiums au rendez-vous. Elle conclura « O rendetemi…Vien diletto » (I Puritani) tout en force et en autorité, avant la sensualité magnifiquement rendue du seul bis du programme : « O mio babbino caro » (Gianni Schicchi).
Mais, par contraste, que la première partie nous a semblé laborieuse ! Les difficultés se sont multipliées et rien ne semblait fonctionner. Débuter un récital par « E strano…Sempre libera » peut vite apparaître comme une pure folie, tant les quatre parties de cette scène font appel aux plus extrêmes exigences vocales. La voix n’était pas stabilisée, la justesse avait beaucoup de mal à se fixer, le vibrato se mettait trop tard en place et le legato terminait aux abonnés absents. Yende finit bien sur le contre mi-bémol, mais comme concédé in extremis.
Et comment passer ensuite de cette aria assassin à l’air peut-être moins redoutable mais aux exigences si différentes : le « Dove son » de la Comtesse (Le Nozze di Figaro) ? Là encore, la justesse fera défaut ici et là, dès que la puissance sera exigée. On pourrait faire les mêmes remarques pour la « Valse » de Roméo et Juliette qui suivra.
La première partie se conclura toutefois de plus belle manière par « Je dis que rien ne m’épouvante » (Carmen, acte III, Michaëla) aux accents aussi douloureux que chaleureux.
Après l’entracte, heureusement, le meilleur restait à venir.

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De Caluwe n’est pas un inconnu à Salzbourg – et cette candidature à la direction n’est pas non plus une première pour lui. En 2013 déjà, il avait posé sa candidature pour succéder à Alexander Pereira et avait alors été retenu parmi les finalistes. C’est finalement Markus Hinterhäuser qui l’avait emporté.
De Caluwe a dirigé l’Opéra de Bruxelles La Monnaie/De Munt de 2007 à 2025 ; sous sa mandature, La Monnaie a été élue à deux reprises « Opéra de l’année », et de Caluwe lui-même a été désigné « Directeur de l’année » en Belgique.
Peter de Caluwe prendra la tête du Festival de Salzbourg le 1er octobre 2027. D’ici là, Karin Bergmann assurera l’intérim à la tête du festival.

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Rappelons que des demandes avaient été faites visant à exclure Gardiner, à la suite d’un incident survenu lors du Festival Bach de cette année. Lors des applaudissements de clôture d’un concert à l’église Saint-Thomas de Leipzig, le chef d’orchestre âgé de 83 ans aurait eu un comportement inapproprié envers une employée du Festival Bach. La collaboratrice concernée avait alors porté plainte contre Gardiner. L’affaire est actuellement examinée par le parquet de Leipzig. Le chef d’orchestre rejette catégoriquement l’accusation de harcèlement sexuel. Il s’était excusé auprès de la collaboratrice peu après.

À la suite de cet incident, plusieurs parties avaient réclamé le retrait de l’invitation adressée à Gardiner, notamment l’ancien pasteur de l’église Saint-Thomas de Leipzig, Christian Wolff.

D’autres organisateurs se penchent actuellement sur la question de l’invitation ou de l’exclusion du chef d’orchestre anglais. Au Musikfest de Brême, c’est son assistant Finan Jones qui a pris la direction du concert du Constellation Choir & Orchestra à la place de Gardiner la semaine dernière. La série de concerts « Soli Deo Gloria » à Wolfsburg, où Gardiner et son ensemble devaient se produire avec la Messe en si mineur à l’issue du Festival Bach en juin 2027, a reporté la mise en vente des billets pour ce concert. Toutefois, au festival « Erasmus klingt ! » à Bâle, Gardiner dirigera comme prévu le concert d’ouverture le 6 septembre.

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Lors de la cérémonie, Barenboim, visiblement ému, est apparu sur scène en fauteuil pour recevoir une ovation debout. L’orchestre du festival a ensuite interprété, sous la direction de Simone Young, Siegfried-Idyll et le prélude de Tristan et Isolde.

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Festival en extérieur et acoustique naturelle de moindre qualité obligent, la représentation est légèrement sonorisée, avec les inconvénients de la chose. Malgré tous les réglages techniques imaginables, la balance n’est vraiment pas idéale avec la mise en avant excessive de certains cuivres (pas toujours irréprochables) et de certains rôles. Par ailleurs on regrettera le remplacement du chœur d’enfants par une seule et unique soprano et, surtout, les nombreuses coupures dans la partition. Certaines sont sans grande incidence (Gaston, Juliette et Lucienne au premier tableau), d’autres portent davantage à conséquence (duo Paul-Marietta au premier tableau encore, ou dans le long monologue de Paul en introduction du deuxième tableau).
Nous avons beaucoup apprécié la direction sobre mais tellement efficace de Dmitri Jurowski (qui remplace au pied levé Axel Kober) à la tête de l’Orchestre Tonkünstler de Basse-Autriche. La ligne orchestrale est claire, peut-être pas toujours assez dynamique, mais la mise en avant des leitmotive est réussie et chacun des pupitres est clairement perceptible). De toute évidence il aura manqué du temps de répétition, il y a quelques hésitations, approximations ou décalages que ce soit à l’orchestre ou chez les chanteurs.
Camilla Nylund, qui sortait d’un séjour bayreuthien au goût un peu amer, retrouve avec un plaisir visible la scène où, même en version de concert, son expressivité fait merveille. Elle vient à bout de – presque – tous les pièges de la partition grâce à une technique sans aucune faille qui l’invite parfois à rester en retrait. Le baryton de Samuel Hasselhorn, au timbre envoûtant, fait merveille en Franck et en Fritz. Eric Cutler embrasse le gigantisme du rôle de Paul avec prudence dans un premier temps, et tient la distance dans un rôle écrasant. Mais il ne rend pas entièrement la complexité de la personnalité de Paul – la version de concert ne l’aide pas, concédons-le. Christa Mayer enfin déploie un mezzo chaleureux qui pare magnifiquement le personnage de Brigitta.

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Aujourd’hui le Semper zwei est dirigé par Nora Schmid, qui a engagé cette salle depuis 2024 dans des sujets de société. Nous citerons l’opéra de chambre As One de Laura Kaminsky, Mark Campbell et Kimberly Reed, dont la première au Semper Zwei a clôturé la saison 2025/26, et qui raconte l’histoire d’une femme trans en quête d’elle-même. A noter aussi la création mondiale de Pech, Marie! de Jens Joneleit prévue au Semper Zwei pour la saison 2026/27.

Forum Opéra était présent en 2023 au Semper 2 de Dresden pour la très belle production de Powder Her Face de Thomas Adès, mise en scène par Georg Schmiedleitner.

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Loge, Siegmund et les deux Siegfried, comment l’idée est-elle née ?
Au départ c’était une proposition de Christian Thielemann et je n’ai pas dit non, naturellement. En fait j’avais très envie de chanter le rôle de Loge [c’est une prise de rôle pour lui], et puis bien sûr ce défi des quatre pièces à la suite m’a bien plu. Je vais refaire la même chose en 2027 à Paris puis à New York juste après.

Vos premières impressions après un cycle et demi ? [L’entretien est réalisé au milieu du second des trois cycles]
Je le referais à coup sûr. Cela me plaît beaucoup ; bien sûr c’est challengeant  mais j’y prends beaucoup de plaisir, et le faire avec Thielemann c’est merveilleux. J’aime bien me définir comme un teamworker et pour moi le plus important c’est d’être avec l’équipe pendant les quatre pièces. Faire ce cycle avec ces collègues fantastiques c’est une expérience unique. Etre là chaque soir avec eux, cela me donne beaucoup de plaisir.

Vous l’auriez fait avec un autre chef ?
Je ne sais pas. Oui il y aurait peut-être eu d’autres chefs avec lesquels je l’aurais fait. Mais le faire ici à Bayreuth et qui plus est avec Thielemann…

Mais alors qu’est-ce qu’il a en plus ce Thielemann ?
En plus je ne sais pas, je parlerai plutôt de ce qu’il est ; il a une compréhension musicale incroyable, il connaît ces opéras de Wagner sur le bout des doigts, il les a beaucoup dirigés, et ce que je ressens c’est que chaque soir, il opère de la magie. Chaque soir est différent il faut le savoir, même en ce qui concerne les tempi, il faut faire très attention, même si, comme nous nous connaissons très bien, nous n’avons pas besoin d’en parler beaucoup à l’avance. Je sais réagir à ce qu’il veut faire et inversement : nous nous renvoyons la balle en quelque sorte et cela procure beaucoup de plaisir.
Et puis cet immense appareil orchestral qu’il gouverne, où chaque musicien est attentif, chacun est heureux d’en être, chacun est prêt à beaucoup donner. Qui plus est, la centaine de musiciens dans la fosse sont des instrumentistes d’exception, qui connaissent cette musique par cœur ; je l’ai remarqué dès la première répétition d’orchestre : tous les musiciens sont enthousiastes et heureux d’être là. Voilà comment la magie opère.

Et vos relations avec les autres chanteurs sur scène ?
J’ai déjà énormément chanté avec Camilla Nylund et Michael Volle et je crois que nous nous complétons bien. Il n’y a jamais de concurrence entre nous ; nous sommes là les uns pour les autres et chantons les uns avec les autres sans que l’un essaie de se mettre en avant. D’où certainement cette impression pour le public que ce « chanter ensemble » passe bien.

Quand le public justement vous réserve une ovation phénoménale comme celle après « Rheingold »  ?
Bien sûr je suis très touché quand tant de sympathie se manifeste, cela ne me laisse pas indifférent. Et puis Loge était un nouveau rôle donc je ne savais pas comment le public allait réagir. J’ai chanté ce rôle à ma façon comme toujours et quand je constate que le public suit, c’est encore plus beau.

Il nous faut maintenant parler de la mise en scène…
…je ne préfèrerais pas ! (rires)

Mais si, votre avis nous intéresse particulièrement, que pensez-vous de cette mise en scène par l’IA ?
J’aurais aimé que nous ayons d’autres costumes, qui nous auraient permis de mieux nous distinguer. J’aurais également aimé avoir davantage de liberté de mouvement sur scène.

Avez-vous eu l’occasion d’en parler avec Marcus Lobbe ?
Pas encore.

Pensez-vous que Thielemann a pu donner son opinion à ce sujet ?
Je ne sais pas.

Passons à autre chose ! Sigmund puis Siegfried ; c’est un cheminement logique ?
Pour moi oui. Siegfried est autrement plus complet, il y a beaucoup plus à chanter. Je me suis laissé beaucoup de temps avant de prendre ce rôle il y a trois ans et j’en suis content.

Lequel des deux Siegfried préférez-vous ?
Siegfried-Siegfried.  Celui-là je l’aime beaucoup. Le troisième acte bien sûr, même si là on est déjà dans la perspective de Götterdämmerung. Mais les deux premiers actes sont ceux que je préfère ; parce qu’il se passe beaucoup de choses, cette querelle avec Mime, mais j’aime aussi beaucoup le Waldweben, cette histoire tranquille où Siegfried devient vraiment un jeune homme. Au II, il devient clair pour tout le monde que Siegfried est loin d’être un simplet, mais au contraire très sensible.

Parlons maintenant de votre carrière : peut-on dire que Lohengrin a été un tournant ?
Oui, on peut le dire. Je ne sais pas combien de fois je l’ai chanté car je ne compte pas, mais ce rôle reste un de mes préférés.

Votre histoire avec Bayreuth a commencé il y a presque 20 ans, en 2007, depuis vous y avez chanté chaque année. Les choses ont changé ici.
Bayreuth a beaucoup changé. Il y a eu des étapes importantes comme lorsqu’on a retransmis des opéras en direct sur la place, je trouve que c’était une excellente idée. En revanche je trouve un peu dommage qu’à cause des mesures de sécurité, le Festspielhaus se soit de plus en plus barricadé ; par exemple on ne peut plus se promener tout autour du bâtiment comme avant.

Vos plus beaux souvenirs à Bayreuth ?
Faire un Ring complet c’est quelque chose que je n’aurais pas pu imaginer. Il y a eu aussi le Lohengrin de Hans Neuenfels, mais chaque année a ses caractéristiques. J’avais aussi beaucoup apprécié les Maitres chanteurs de Katharina Wagner ; et puis c’était mes débuts ici. Il y eu aussi les autres Maitres chanteurs de Barrie Kosky que j’ai beaucoup aimé chanter.

Il y a des metteurs en scène avec lesquels vous ne voudriez pas travailler ?
Oui oui, il y a bien ici et là quelques … personnalités je dirais que je préférerais éviter disons-le ainsi.

Siegfried il y a trois ans, Tristan il y a deux ans. C’est une évolution naturelle de passer de l’un à l’autre ?
Non je pense que le chemin naturel  est plutôt inverse. Si j’avais pu choisir j’aurais d’abord fait Tristan puis Siegfried. Parce que Tristan est beaucoup plus lyrique ; Siegfried particulièrement dans le premier acte de Götterdämmerung est très exigeant pour la voix. Mais bon, cela s’est fait ainsi et c’est très bien.

Vous avez un attirance particulière pour le Paul de Die tote Stadt .
Oui parce que c’est un personnage tellement extraordinaire. Cet opéra est thriller en fait. Ce Paul est tellement perdu psychologiquement ; c’est un défi qui me plait de montrer cela sur scène. Et puis cette musique ressemble un peu à de la musique de film ; il y a un passage qui rappelle beaucoup Retour vers le futur de Star trek. Au passage on remarque comment la musique de film a emprunté à Wagner ou Korngold. Musique très romantique, gros orchestre, tout ce que j’aime !

Le répertoire italien ?
Je ne chante pas de répertoire italien. Il ne m’attire pas. J’essaie de le dire simplement : une grande partie du répertoire italien est trop superficiel pour moi. Pour le dire autrement : ce qui me manque, c’est la profondeur, la richesse que propose justement la musique de Wagner.

Mais vous chantez aussi Tamino. Passer de Tristan à Tamino….
Aucun problème ! (rires). Oui parce que même dans les grandes œuvres de Wagner, on peut avoir besoin de retrouver des couleurs mozartiennes. Pensez à Walbweben encore une fois : c’est doux, chantant, lyrique, il faut savoir chanter doucement. J’aimerais bien qu’on me propose à nouveau de chanter Tamino.

Vous avez combien de rôles dans votre carquois, que vous pouvez décocher du jour au lendemain ?
Entre dix et douze.

Y a-t-il encore des rôles dont vous pourriez rêver ?
Non. Mes rêves de rôles je les ai réalisés au centuple. Et je dois dire que Bayreuth a été pour moi une motivation et même une occasion de devenir chanteur. Jeune adulte j’ai pu assister à des répétitions ici. Mes beaux-parents ont longtemps travaillé à Bayreuth, ma belle-mère dans le chœur, mon beau-père contrebassiste dans l’orchestre. Je venais donc souvent et cela m’a beaucoup impressionné. Je jouais déjà du cor dans l’orchestre à Hambourg mais quand j’entendais les chanteurs sur scène, cela m’impressionnait beaucoup.
Ma voix je l’ai découverte parce que ma petite amie de l’époque qui est devenue mon épouse étudiait la musique pour devenir chanteuse et je suis entré naturellement en contact avec le chant. Et puis il y a eu des hasards, nous avons chanté des duos dans le cercle familial et c’est comme cela que les choses se sont faites.

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– Votre programme de l’été ?
Cet été, je passe mes vacances en quelque sorte à Bayreuth. J’ai vraiment hâte de faire mes débuts dans le rôle de Fricka dans Das Rheingold et Die Walküre. Mais heureusement, malgré le travail, j’ai aussi le temps de me détendre – surtout parce que Falstaff, mon caniche nain âgé de cinq mois, m’accompagne et veille à ce que je ne m’ennuie jamais !

– Un festival que vous recommandez ?
Bien évidemment le Festival de Bayreuth. C’est un lieu magique, avec des collègues exceptionnels et une atmosphère tout à fait particulière.

– Votre livre sur la plage ?
Probablement un livre sur des faits divers criminels. Étonnamment, c’est en lisant des affaires de meurtre que je me détends le mieux – à condition qu’elles restent confinées dans les pages d’un livre !

– La musique qui tourne en boucle dans vos écouteurs ?
La plupart du temps, en fait, pas de musique classique. En ce moment, j’écoute en boucle une playlist de Guns N’ Roses.

– Votre plus beau souvenir estival… ?
Là encore, je vais répondre Bayreuth. Depuis l’été dernier, je suis tombé amoureuse de cette ville, du Festival et des personnes qui y travaillent. L’un des moments les plus marquants pour moi a été de voir Tomasz Konieczny dans le rôle de Wotan l’été dernier. Son interprétation a été une expérience profondément bouleversante et inoubliable – l’un de ces rares instants qui vous accompagnent pour toujours. Ma joie d’y retourner cette année n’en est que plus grande.

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