La plus grande originalité de la partition réside dans son introduction orchestrale représentant le chaos, que le compositeur avait soigneusement préservée de toute indiscrétion jusqu’au jour de la première exécution de l’œuvre, et qui prend, sous la baguette de Jordi Savall, de savantes couleurs de mystère qui en révèlent à la fois toute l’originalité et toute la science. Outre les éléments très contrastés que toutes les interprétations mettent en évidence, on trouve ici une recherche de timbres, de climats, une élaboration dramatique particulièrement soignée et instruite.

Les mêmes caractéristiques, soin, attention aux détails mais aussi  souci de la forme et élaboration dramatique, se retrouvent tout au long de l’enregistrement qui met particulièrement bien en lumière les éléments structurels de la partition : son découpage en trois parties, chacune centrée sur un thème bien précis : les éléments, les animaux, l’homme et le paradis terrestre, et composées chacune d’abord du récit biblique, ensuite d’un commentaire lyrique où apparaissent les airs confiés aux parties solistes, et enfin d’un chœur de louanges.

A tout moment, le chef souligne le rôle primordial de l’orchestre qui est le véritable moteur du récit et qui lance toutes les propositions thématiques de l’œuvre. Ces propositions très élaborées sont d’une grande richesse à laquelle le Concert des Nations rend honneur, et à laquelle le chef donne tout sa cohérence.

Le fait d’avoir – à juste titre – mis l’orchestre au centre du projet laisse objectivement moins de place aux solistes, d’ailleurs assez peu sollicités, et enregistrés un petit peu en retrait, comme issus du chœur (ce qui n’est pas du tout le cas). Pas de mise en avant d’une brochette de vedettes, donc, mais une distribution très homogène et de bonne qualité, parfaitement en ligne avec les propositions du chef, et qui contribue à la très grande cohérence de cet enregistrement. Pris individuellement, ces trois solistes sont pourtant ce qu’on pourrait appeler de solides pointures de la jeune génération: la soprano coréenne Yeree Suh a été formée à Berlin et Leipzig, le jeune ténor Tilman Lichdi s’est un peu spécialisé dans le répertoire baroque, et en particulier l’œuvre de Bach quant au jeune baryton bavarois Matthias Winckhler, il s’est déjà abondamment fait remarquer à l’opéra de Hanovre ou même à Salzbourg. Leurs compétences à tous les trois, tant pour ce qui concerne la technique vocale que le style ou la connaissance du répertoire classique sont très solides, et se trouvent ici humblement mises au service du projet du chef.

Il en va de même de l’enthousiasme contenu du chœur de la Capella Reial de Catalunya, à qui revient la tâche de faire les synthèses, de tirer la morale des différents épisodes et de louer le seigneur, l’esprit des lumières n’étant pas opposé ici à une foi bien réelle et assumée.

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Voici un disque-livre dont le titre sonne comme une provocation, ou comme une nostalgie, à l’heure où la haine se donne libre cours et où l’incompréhension se fait meurtrière.

Qu’on ne s’y trompe pas. Cet opus ne fait aucunement l’impasse sur la complexité et sur les heurts de l’histoire de Jérusalem. Mieux : c’est cette complexité historique, religieuse, esthétique, qui a guidé Savall vers cette ville, à un moment où justement il cherchait à unifier une réflexion musicale sur les trois monothéismes.

L’album se structure en sept chapitres : la Jérusalem biblique (1200 avant Jésus Christ), la Jérusalem juive (~1000-70), la Jérusalem chrétienne (326-1244), la Jérusalem ville de pèlerinages (383-1326), la Jérusalem ville arabe et musulmane (1244-1917), enfin Jérusalem, Terre d’Exil (XVe-XXe siècle) et « La Paix terrestre : un espoir et un devoir ».

Foisonnement culturel, bouillonnement poétique. Toutes les langues résonnent, du turc au grec en passant par le français et l’hébreu et l’arabe. Les instruments et les artistes sont irakiens, arméniens, marocains, syriens.

Deux craintes pourraient assaillir qui voudrait acquérir cet album : d’une part l’extrême dispersion menaçant un aussi long parcours historique ; d’autre part la tentation d’une world music folklorique et sans caractère.

Je dois dire que les deux écueils sont admirablement évités.

La dispersion nous est épargnée par la rigueur chronologique et la cohérence thématique : on ne nous abreuve pas d’entours et d’enjolivements, mais nous propose réellement des pièces étroitement liées au sujet et à la situation historique.

Le folklore dilué dans la bonne conscience nous est évité par des interprètes remarquables de ferveur, des interprètes chantant ou jouant non des partitions qui leur semblent de la reconstitution historique, mais des musiques attachées par tous leurs liens à leur cœur même.

Les psaumes en hébreu, les chants arabes, sont d’une fraîcheur et d’une vivacité hallucinantes. Etonnamment, même les chants de croisade revêtent une saisissante vérité.

Vérité reconstituée, dira-t-on, et certes l’on est en face d’une tentative de part en part historique, avec ce que cela comporte de concessions aux goûts de notre temps : nous risquons, avec nos oreilles d’aujourd’hui, de ne pas saisir ce qui, dans ces musiques, n’est pas seulement musical, mais spirituel, intimement cultuel (et culturel).

C’est là que joue le miracle Savall : avec le présent livre-disque, il démontre une fois de plus qu’il est un des seuls aujourd’hui à pouvoir exposer des musiques aussi denses et spéciales à la lumière crue du disque et du public sans en déflorer les mystères. Au contraire, il nous fait entrer avec lui dans une dimension historique absolument saisissante où nous faisons, nous, auditeurs, l’effort (si c’en est un) de comprendre au plus proche des musiques qui ne nous sont, a priori, rien.

Entendre le Psaume 121 dans cette interprétation nue et ardente, ce n’est plus une expérience d’auditeur de disque, ni de mélomane, c’est une progression au cœur de ce qui a pu pendant des millénaires faire chanter l’âme des hommes.

Il y a quelque grandiloquence dans le thème retenu par Savall et beaucoup d’ambition dans ce traitement par-delà les âges. Qui écoutera ces deux disques et lira les textes d’accompagnement comprendra qu’il n’a pas à faire à un Disneyland new age, ni même à une promenade dans un musée, mais à une porte dérobée ouvrant sur le dédale des siècles et des croyances, dont la musique fut l’invariable scansion.

Sylvain Fort

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Les innocents devront, pour commencer, passer l’épreuve la plus terrible qui attend ceux qui veulent aller vers ces territoires passionnants où Savall règne en maître : la voix de Montserrat Figueras. Blanche, tirée, inapte à l’accentuation ou à l’évocation, approximative en italien, elle pourra faire reculer les moins déterminés, comme elle nous fit – avouons-le – très longtemps reculer, et continue souvent de le faire, quand bien même, avec le temps nous eussions saisi ce qu’il y a, chez cette chanteuse, de fièvre et d’ardeur.

Une fois passé cette première initiation, le jeune novice se devra d’en passer par la seconde : surmonter l’ineffable ennui qui naît de ces interprétations, volontiers lentes, pesantes, sombres, languides. Une potion de vitamines et un thermos de café ne seront pas de trop.

Quand enfin le novice foulera ces terres arides, il pourra se laisser aller aux pures voluptés que recèle l’art de Savall : simplement, un art du son, de la sonorité, du phrasé, de la suggestion musicale, du modelé, de la coloration, constamment admirables.

Et il y a davantage. Ce double disque le montre : Savall a su percer le secret de musiques qui ont été oubliées non parce qu’elles étaient décoratives ou de circonstance – les baroqueux s’affalant plus souvent qu’à leur tour dans des piécettes secondaires – mais parce qu’elles étaient abstraites, cérébrales, presque des musiques mentales, parlant à l’imagination, à la mémoire, et non au sentiment direct.

Les chants de Guerrero ou de Morales ne sont certes pas des rengaines de même que les œuvres de Marais ne se dansent pas, ni ne se chantent. Quelque chose dans cette musique sollicite des arrière-mondes, des temps enfouis, des sépulcres couverts de ronces et d’écritures curieuses. Ce sont des musiques profondément, violemment, parfois insoutenablement désolées, sans jamais être vraiment mélancoliques : un étrange demi-jour les hante, quelque chose comme le sourire de la rêveuse de Marais, ou comme le spectacle d’une pensée faisant retour sur elle-même comme dans la 3e suite de Bach (BWV 1068).

Tout cela est ingrat, complexe, difficile, mais souvent foudroyant, et indispensable.

Sylvain Fort

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