L’idée d’écrire un prolongement, la désinence d’un texte classique n’est pas nouvelle. Radamès (1975/97) de Peter Eötvös, qui métabolise Aida, ou Orest  (2011) de Manfred Trojahn, qui commence où Elektra se termine, en témoignent – pour ne citer que deux exemples. L’originalité de l’œuvre de Dusapin réside dans sa nature de Macbeth « en négatif ». Sous la conduite du compositeur, le librettiste Frédéric Boyer ressuscite Macbeth et Lady Macbeth – en anglais. Lors d’un prologue, Hécate annonce le retour du couple auquel la paix éternelle est refusée. Le fait que ce soit la déesse de la mort et de la nuit qui préside sur ce début rapproche l’opéra d’une tragédie grecque. Par la suite, les deux protagonistes revivent des fragments de leur histoire, hantés par le souvenir de leur crime (le meurtre du roi), condamnés à une auto-réflexion en cercle vicieux. D’autres personnages s’invitent à ce tableau, mi-danse macabre mi-messe noire, afin de les accabler ; notamment les Sœurs bizarres – variation des trois sorcières –, le Portier ainsi qu’un Spectre et un Enfant. Ces derniers sont peut-être le reflet de Banquo – ancien compagnon de Macbeth que celui-ci finit par assassiner – et de son fils Fleance. A moins que ce ne soit qu’une projection des esprits tourmentés de la Lady et de son mari. Ces personnages reviennent régulièrement telle une ritournelle rythmant la forme en huit parties, dont l’ordre pourrait tout aussi bien être différent – à l’exception de la fin – car dans cet univers du déjà vécu, de la reprise sans avenir, le temps s’est arrêté, ou plus précisément, les événements se superposent à l’image d’un cauchemar dont les fantômes se transforment les uns en les autres. 

La musique commence par des octaves majestueuses à l’orchestre, comme si le premier accord d’une marche triomphale restait accroché dans l’espace, sa réalisation étant impossible. On entend un orgue au timbre chargé, comme celui des jeux de mutation de cet instrument dont Dusapin jouait lui-même dans sa jeunesse. Cela rappelle l’effectif de son opéra Medeamaterial dont le tempérament inégal diffère de la gamme tempérée habituelle. La présence de l’orgue semble se répercuter sur l’écriture, une superposition de strates distinctes, de riches sonorités continues étant la texture principale de l’œuvre. Malgré la nature atonale de la musique, des notes centrales et des modes se dessinent dans ces masses sonores, permettant à Dusapin de jouer avec des effets cadentiels, des décalages harmoniques et des véritables modulations. À l’orgue, qui émet par moments des archaïsmes musicaux, se joignent d’autres corps étrangers, notamment un archiluth – lorsque Lady Macbeth, redevenue fille, chante une berceuse aux allures élisabéthaines – et un violoniste sur scène dont le jeu populaire accompagne le Portier. « Tout est jeu, tout est mort. »  Ces éléments forment un monde à part qui finit englouti dans l’orchestre. Toutefois, la dramaturgie lyrique n’est pas linéaire, elle est précisément stationnaire, les structures sont déployées au ralenti, secouées seulement par quelques irruptions inattendues. Le passage de l’archiluth est le premier moment de respiration, et un signe. Par la suite, la musique devient plus disparate, avant que les nappes sonores ne reviennent.

Sous la baguette de Franck Ollu, familier du langage de Dusapin, ce jeu de strates prend tout son relief dont la musique dépend grandement.

Le baryton Jarrett Ott campe un Macbeth à la fois juvénile et sans âge. Sa voix souple rebondit à chacun des nombreux changements d’expression d’une partie pleine de contradictions.  Des phrases telle que « J’ai assez vécu » résonnent étonnamment touchantes au vue de l’interprétation vigoureuse. À la fin, il refuse justement de se battre avec l’Enfant. La Lady Macbeth de Katarina Bradić, tout comme son modèle shakespearien, est plus grave et en même temps plus fragile. Son timbre clair et puissant enrobe ses lignes vocales, même lorsque celles-ci s’acharnent aux notes répétées, phénomène qui caractérise son personnage obsessionnel. Le moment où, exaspérée par des hallucinations d’une tâche de sang, elle essaie en vain de se réfugier dans le sommeil, est un des rares sans orchestre : « Au lit ! au lit ! au lit ! » (« To bed ! »). À l’autre bout de la distribution se trouve la basse ronde et ferme d’Hiroshi Matsui, dont le Spectre est certes implacable, mais catastrophé par sa propre nature : « Effrayé car je suis vivant. » (« I am afraid of my living. »). L’Enfant est un rôle de soprano fille exigeant, digne d’un Miles dans Le Tour d’écrou de Britten – bien que celui-ci soit un soprano garçon. Il est parfaitement maîtrisé par Rachel Masclet, membre de la Maîtrise Populaire de l’Opéra-Comique. La gamme vocale du Portier, entre chant et voix parlée, n’est pas en reste. Le ténor britannique John Graham Hall, qui incarne également Hécate, réalise habilement les transitions d’un état à l’autre et prend un malin plaisir à orchestrer la fameuse scène de la tâche de sang. Dans la pièce de théâtre, le rôle du Portier brise le quatrième mur et l’opéra ne manque pas à y réagir ; le personnage s’adresse au public et l’orchestre développe une rare activité rythmique. Les trois Sœurs bizarres, quant à elles, forment un trio maléfique, capable de developper une incroyable force sonore, mais aussi une fausse douceur ensorcelante. Enfin, le chœur accentus, sous la direction de Richard Wilberforce, brille avec la précision et l’enthousiasme qu’on lui connaît. 

La mise en scène de Thomas Jolly reprend l’aspect physique, immédiatement tangible de cette proposition et investit tout l’espace scénique visible, jusqu’au plafond, dans lequel les personnages déambulent sans repères temporels ou spatiaux. Toutefois, les surfaces portent les cicatrices d’une vie antérieure qui est comme calcinée. D’immenses arbres morts, sur lesquels les Sœurs se tiennent tels des vautours, d’anciennes demeures décaties, des façades déchirées par des traces de lumière rouge. Les décors de Bruno de Lavenère sont constamment en mouvement et se tournent parfois vers le public d’une manière menaçante. Tandis que les lumières conçues par Antoine Travert sont indirectes, comme si une lueur émanait des objets au lieu de les éclairer de l’extérieur. Jolly parle d’un véritable « vocabulaire » lumineux. Cependant, l’ombre est omniprésente, encadrant une lumière négative à l’image de l’intrigue. Cette stylisation distingue aussi les costumes de Sylvette Dequest, qui semblent réaliser un dégradé de couleurs : Macbeth, Lady Macbeth, le Spectre et l’Enfant tout de blanc vêtus et maquillés, le chœur et les figurants entre habits gris et soutanes rouges, les musiciens de scène en noir. Un certain clin d’œil à l’esthétique de Robert Wilson se manifeste encore davantage dans l’apparence du Portier, pierrot grotesque aux cheveux roux, ou d’Hécate, sorte de caricature d’un célèbre portrait d’Élisabeth I^ère,

Le public accueille très favorablement cette création française que le nouveau directeur de l’Opéra-Comique, Louis Langrée, inscrit à juste titre dans une longue tradition de la maison.

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Mon pire souvenir dans une salle d’opéra ?
La première fois où j’y suis allé (j’avais aussi 14 ans…)

Le livre (/film) qui a changé ma vie ?
Madame Bovary

Mon plus grand moment de grâce face à une œuvre d’art.
Les harmonies du vent entendues sur les rives de La Moselle quand j’avais 6 ou 7 ans…

La ville où je me sens chez moi ?
Paris

La ville qui m’angoisse ?
Paris

Ce qui, dans mon pays, me rend le plus fier ?
L’école gratuite, laïque et républicaine.

Le compositeur dont je me sens le plus proche esthétiquement ?
Mahler

Mon pire souvenir de mise-en-scène ?
Celle de mon opéra Passion au Festival d’Aix en 2008

Si je pouvais apprendre un instrument du jour au lendemain, lequel serait-il ?
Le piano enfin…

Un opéra dont j’aurais voulu être le créateur ?
L’Orfeo de Monteverdi

Le chanteur du passé dont l’écoute m’a le plus appris ?
Maria Callas

Le chanteur du présent que je trouve d’une générosité rare ?
Joyce DiDonato

Mon plus grand moment d’embarras ?
Par chance je ne m’en souviens plus…

Si j’étais un personnage de Disney ?
Pluto (même si au fond, j’ai un faible pour le grand méchant loup…)

Le compositeur auquel j’ai envie de dire “mon cher, ta musique n’est pas pour moi” ?
Jamais je ne dirai çà d’un compositeur…

Ma personnalité historique préférée.
Spinoza

Si j’étais une pièce ou un livret d’opéra ?
Je ne comprends pas la question…

Ma devise
Plus jamais !

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Arrivés dans l’outre-monde, Macbeth et son épouse revivent leur folie meurtrière. S’agitant autour d’eux : trois sœurs bizarres (the Weird Sisters) que Pascal Dusapin a rendu plus ensorcelantes que sorcières, le Spectre de Banquo, le Portier du château ou des enfers… Quant à l’enfant fantasmé du couple, il vient, lui aussi, harceler ses parents. Nous sommes en plein accord avec le compte-rendu de Benoit Jacques pour dire tout le bien que nous pensons de la qualité musicale, des interprètes avec l’indispensable Georg Nigl dans le rôle-titre. L’inventivité de cette mise en scène fluide en symbiose avec la musique tient en haleine pendant près de deux heures.

Dans la notice de la partition, Pascal Dusapin a écrit : « Macbeth est fou ; mais je ne suis pas sûr d’avoir raison. Je pense que c’est le monde qui est fou et que Macbeth est ce que le monde fait de lui. » Comme par hasard, quelques mois après le triomphe de cette sinistre bouffonnerie sanguinolente à Bruxelles au Théâtre de la Monnaie, voici que la création française programmée de longue date tombe en rade dans un monde déboussolé par une pandémie galopante.

Pour l’heure, les quatre représentations à l’Opéra Comique du 25  au 31 mars et les deux spectacle prévus à l’Opéra de Rouen (co-producteur) les 12 et 14 mai, sous la direction musicale de Frank Ollu, avec Katarina Bradic en Lady Macbeth, dont nous devions rendre compte n’ont pas pu avoir lieu. En attendant la réouverture des théâtres et leur éventuel report, le streaming de Bruxelles est un substitut dont il faut nous contenter. https://www.youtube.com/watch?v=XwCo7VARZlQ&feature=emb_err_watch_on_yt

>> Lire le compte rendu détaillé de Benoît Jacques

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Adepte convaincu du travail en équipe, Dusapin s’est assuré la collaboration de deux créateurs aussi polyvalents que lui, mais qui ont déjà prouvé leur profonde connaissance du grand barde anglais. Frédéric Boyer, romancier, poète, homme de théâtre, éditeur et traducteur, est familier de Shakespeare dont il a traduit le théâtre et les sonnets. Le courant est parfaitement passé entre le compositeur et lui pour élaborer livret et musique en interaction constante. Les deux hommes se sont d’ailleurs promis de se lancer très vite dans un nouveau projet commun. Pour la mise en scène, ils se sont tournés vers un jeune talent, l’acteur Thomas Jolly qui a porté à la scène les trois parties de la pièce-fleuve de Shakespeare, Henry VI, un marathon de 18 heures ! Il n’avait jusqu’ici signé que deux mises en scène d’opéra, toutes deux saluées sur ce site : Fantasio d’Offenbach et Eliogabalo de Cavalli. Il vient en outre d’être nommé directeur du Quai-Centre dramatique national d’Angers. Si on adjoint à cette équipe le talent musical d’Alain Altinoglu, familier de l’oeuvre de Dusapin, on réalise que la création de ce 20 septembre se présentait sous les meilleurs auspices.

La pièce, conçue en un prologue et huit chapitres, nous emmène dans une double temporalité : dans un monde parallèle ou onirique, les protagonistes revivent et ressassent en boucle leurs méfaits, et en même temps les grands moments de ce drame sont décrits l’un après l’autre. Le tout se déroule dans une continuité totalement fluide, grâce au dispositif scénique subtil et brillant de Bruno de Lavenère et aux lumières d’Antoine Travert. Dès le prologue jusqu’au noir final, la scène propose constamment d’autres tableaux, par le biais de rotations de tout ou partie des éléments de décor. Durant tout le spectacle, près de deux heures d’une seule traite, on a l’impression de ne jamais voir le même décor. Les éléments qui pivotent sur eux-mêmes ou s’emboîtent évoquent les rouages d’une horloge qui avance inexorablement ou remonte le temps pour repasser encore et toujours les crimes monstrueux du couple Macbeth. Les diverses structures du décor appartiennent à la nature – essentiellement des arbres morts –  ou esquissent des bâtiments, nous ramenant au monde des humains. Les lumières nous maintiennent sans surprise dans un univers sombre et nocturne. Mais ici aussi les atmosphères évoluent constamment et subtilement, changeant parfois au rythme de la musique, apportant une touche de rouge ou transperçant les structures pour nous éblouir. 

© Baus

La partition soutient parfaitement le déroulement inexorable de la pièce, nourrie de noirceur et baignée de folie. De longues notes tenues constituent le fil sur lequel le texte et le drame progressent, mais de nombreux événements viennent rompre la longue progression vers le paroxysme final. Dusapin apporte quelques couleurs spécifiques à son orchestre : un archiluth nous renvoie à Dowland et crée des intermèdes plus intimes, un orgue soutient de ses longs accords et par ses multiples registres colorie et dynamise quand il le faut. Enfin les percussions nous surprennent par des nouvelles sonorités inouïes et contribuent aux ruptures. Certains des instruments proviennent de la collection personnelle du compositeur. 

Pour donner vie à la pièce, huit chanteurs : il y a le couple maudit, Macbeth et Lady Macbeth, un Spectre, le Portier, un Enfant et les Three Weird Sisters, qui nous renvoient aux sorcières de Macbeth. Georg Nigl confirme en tous points l’admiration que lui porte Dusapin. Il habite le personnage de Macbeth en montrant tous ses états d’âme, de l’arrogance violente aux doutes et aux remords. La voix est superbe dans tous les registres et rivalise sans outrance avec les éclats de l’orchestre. Présent dans toutes scènes, Nigl crée de manière totalement convaincante un rôle très lourd, exigeant tant pour le chanteur que pour l’acteur. On n’attendait pas Magdalena Kožená en Lady Macbeth, et le pari n’est pas totalement gagné. Elle reste touchante en proposant une femme ambitieuse, capable de violence effrayante, mais aussi aimante. Pourtant son texte n’est guère intelligible et son registre grave manque de volume, alors même que le rôle a été spécialement écrit pour elle. Le Spectre, celui de Banquo ou de Macduff, veille à rappeler à Macbeth la manière dont il a conquis son pouvoir. C’est la basse islandaise Kristinn Sigmundsson qui assure avec talent ce rôle et sa voix puissante et bien timbrée nous renvoie efficacement au monde spectral, cher à Shakespeare. Autre figure allusive, l’Enfant intervient au début à la fin de la pièce, évoquant tant une éventuelle maternité de Lady Macbeth que l’un des crimes dont les époux ensanglantés ont parsemé leur route. Ce rôle est chanté en alternance par deux jeunes filles issues de la Maîtrise de la Monnaie. Naomi Tapiola a eu le privilège de le créer, avec ce délicat mélange de fragilité et de pureté angélique qui vous touche de manière irrésistible. Graham Clark apporte la touche british indispensable pour rendre pleinement justice à la saveur incomparable de l’idiome shakespearien, si truculent, si riche de musicalité poétique. Il tient le rôle d’Hécate dans le Proloque et surtout celui du Portier, une sorte de bouffon qui perpétue le suave mélange de drame et de dérision qui peuple l’œuvre du barde anglais. Sa voix de ténor, d’un métal bien trempé, convient parfaitement au personnage parfois grinçant imaginé par Dusapin et Boyer. Les Three Weird Sisters enfin, représentent ici les trois sorcières, celles chez qui Macbeth veut absolument entendre son destin, ou plutôt la destinée qu’il espère pour lui, quitte à ne pas lire la réalité des oracles. Ici, ce sont elles qui mènent la danse, présentes dans plus de la moitié des chapitres. Etant « sœurs bizarres », Dusapin leur a réservé l’écriture la plus exigeante, d’une virtuosité comparable à celle de Penthesilea* ou de Medeamaterial. Le défi est relevé haut la main par Ekaterina Lekhina, Lilly Jorstad et Christel Loetzsch dont les entrelacs pyrotechniques ponctuent un jeu de scène très physique.
Finalement, le fait de considérer l’histoire des Macbeth dans une espèce de flashback les rend presque pathétiques : durant toute la pièce, on les voit soit pris d’un remords qui mène au suicide, soit sombrant dans la folie, car incapables de supporter le poids de leurs crimes.

Dans la fosse Alain Altinoglu mène avec une belle rigueur l’Orchestre Symphonique de la Monnaie, en très grande forme, maintenant une tension constante dans la ligne de conduite, tout au long d’une prestation très exigeante. Belle mention également pour le chœur des femmes, qui prolongent avec justesse le trio des sorcières.

En conclusion, le répertoire lyrique compte maintenant une nouvelle version du Macbeth de Shakespeare, une version pleinement réussie, orginale dans son approche, riche de multiples niveaux de lecture et qui restitue avec un profond respect l’inépuisable univers de William Shakespeare. La Monnaie réussit en fanfare sa rentrée placée sous le signe de la double création, puisque la semaine prochaine, le 25 septembre, sera créée une autre commande : Le Silence des Ombres de Benjamin Attahir. Et dans quelques mois, les spectateurs parisiens découvriront à leur tour l’œuvre de Pascal Dusapin, co-commandée par l’Opéra Comique. Et en mai prochain, ce sera au tour de l’Opéra de Rouen Normandie d’accueillir cette production pour deux dates.

* L’enregistrement réalisé par Alain Altinoglu vient de sortir chez Cyprès 

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