Sans doute l’expérience du théâtre aura-t-elle été profitable, toujours est-il que cette Niobe vit enfin ! Là où, dans l’enregistrement publié le premier, le robinet d’eau tiède se remettait à couler à flot dès que les deux héros disparaissaient, Opus Arte nous donne au contraire à entendre une œuvre animée d’un véritable souffle dramatique, riche en tensions et en contrastes, et où l’intérêt ne faiblit pas pour autant lorsqu’Amphion et Niobé sont ailleurs. Thomas Hengelbrock se révèle ici véritable chef d’opéra, capable de tenir un discours construit et d’insuffler à la partition une vie qu’on aurait eu peine à imaginer à l’écoute de l’orchestre dirigé par Paul O’Dette et Stephen Stubbs. Le Balthasar-Neumann-Ensemble déploie toute une palette de couleurs d’une richesse éblouissante et multiplie les atmosphères les plus variées. Les sonorités des instruments offrent donc un premier régal pour l’oreille, et l’on en regretterait presque que cette version-ci soit nettement moins longue que l’hyper-intégrale Erato, qui incluait entre autres des musiques de ballet additionnelles.

Tout change également avec l’équipe de chanteurs rassemblée à Londres. Bien sûr, Jacek Lazczkowski est on ne peut plus différent du très angélique Philippe Jaroussky ; bien sûr, le sopraniste polonais accumule les aigus miaulés et les notes graves terriblement sourdes. Mais le personnage existe, plus tourmenté sans doute, et il parvient à nous toucher, d’autant que certains airs conviennent à merveille au chanteur qui y atteint une émotion intense et s’avère à plusieurs reprises extrêmement impressionnant. Dans le rôle-titre, Véronique Gens fait valoir, on s’en doute, de tout autres arguments que Karina Gauvin, pour une prestation également convaincante, par la noblesse et la fermeté de son ton et par le dramatisme affirmé de son incarnation. Combien de temps faudra-t-il encore attendre pour que la France accueille dignement une chanteuse régulièrement acclamée à Munich ou à Vienne ?

Autour d’eux, Amanda Forsythe était déjà présente, comme elle le serait encore en 2013 pour Erato, mais sa Manto est ici infiniment plus espiègle. Et, en lieu et place des seconds couteaux du Boston Early Music Festival, on savoure aussi la présence d’authentiques personnalités. Plutôt moins cocasse que la nourrice de l’autre version, qui ne l’était déjà guère, Delphine Galou y impose du moins la belle consistance de son timbre androgyne. On peut reprocher beaucoup de choses à Alastair Miles, mais son Poliferno a toute la noirceur nécessaire et l’acteur compose un redoutable méchant. Toujours du côté des voix graves, Bruno Taddia est un Tirésias à l’italianité bienvenue, tandis que le Tiberino de Lothar Odinius n’a rien d’un amant compassé. Plus-value incontestable, enfin, avec les deux contre-ténors britanniques Iestyn Davies et Tim Mead : Creonte et Clearte sont ici des protagonistes à part entière, sans pâleur ni mollesse, avec des timbres solides.

Et maintenant, soyons fous : quand Opus Arte livrera-t-il un DVD de la production montée par Lukas Hemleb ? Les bruits de scène et les rires du public donnent furieusement envie de voir un spectacle qui avait ravi notre collègue à Londres.

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C’est justement ce qui manque à la présente version, gravée suite à la première nord-américaine de l’œuvre en juin 2011 : les deux principaux protagonistes y distillent d’immenses beautés, on y reviendra, mais on a hélas le sentiment qu’ils sont isolés sur une île, un océan les séparant des comparses qui peinent à les rejoindre à ce niveau d’excellence. Entendons-nous bien, personne ne chante mal, mais les différents membres de cette équipe ne nous emportent jamais sur les mêmes sommets que les deux stars qu’ils côtoient. Déjà présente à Londres, la soprano Amanda Forsythe ne manque pourtant pas de piquant, mais du côté des voix graves, Jesse Blumberg manque cruellement de noirceur dans le rôle du magicien Poliferno, reproche qui vaut un peu moins pour le Tirésias de Christian Immler. Le ténor Colin Balzer s’en sort plutôt bien, malgré des intonations parfois un peu trop anglo-saxonnes. Pour les voix masculines les plus aiguës, Aaron Sheehan et Terry Wey se laissent écouter mais ne marquent guère l’auditeur. Même José Lemos, qui hérite du rôle travesti de la nourrice Nerea, échoue à conférer la moindre truculence à un personnage qui ne demande pourtant que cela. Ces gens-là chantent fort correctement, mais où est le théâtre, où est la vie ? Il s’agit là d’un enregistrement de studio, et peut-être une version de concert aurait-elle été préférable, ou même un live du spectacle donné à Boston en 2011, à supposer que le spectacle empesé, emplumé et cuirassé réglé par Gilbert Blin ait permis aux artistes de donner le meilleur, même s’il dégage de forts relents de naphtaline, ce qu’on devine à l’écoute de certains récitatifs désespérément statiques. La faute en incombe peut-être aussi à la double direction d’orchestre, partagée entre les luthistes Paul O’Dette et Stephen Stubbs : plus soucieux de joliesse de détail que de dramatisme et d’énergie d’ensemble, ils ne confèrent pas toujours à cette partition la vigueur qu’on souhaiterait.

Heureusement, il y a Karina Gauvin et Philippe Jaroussky, deux voix complémentaires par tout ce qui les oppose, mais réunies par une musicalité et une expressivité aussi différentes qu’efficaces. Dès que l’un des deux ouvre la bouche, notre oreille est captivée. Naturellement, leurs airs et duos forment la ligne de crête de cette intégrale inégale. Hasard extraordinaire, le découpage en trois disques de longueur à peu près équivalente, qui ne correspondent pas tout à fait aux trois actes, permet de terminer chaque galette sur un clou musical : le duo Niobé-Amphion pour la première, l’air de bravoure d’Amphion pour la deuxième. Idéalement, le troisième acte devrait se terminer sur le grandiose suicide d’Amphion et la non moins extraordinaire transformation en statue d’une Niobé harcelée par ses visions funestes. Hélas, les comparses reviennent sur le devant de la scène, et ces cinq dernières minutes semblent bien longuettes, malgré une assez belle chaconne conclusive.

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L’opéra s’ouvre sur un long purgatoire dont nous ne sortirons qu’en traversant un vaste rêve éveillé (acte I, scène 13) : l’accompagnato d’Anfione (« Dell’alma stanca a raddolcir le tempre »), ourlé d’une voluptueuse orchestration et l’air sur un ostinato particulièrement enivrant qui lui succède (« Sfere amiche ») où la voix de Philippe Jaroussky rivalise de délicatesse avec les cordes ondoyantes du Boston Early Music Festival Orchestra. Le chanteur retrouve la grâce de ses débuts et apparaît comme l’interprète idéal des pages célestes que Steffani conçoit pour le fils de Zeus, poète et musicien avant que d’être monarque. Las de régner, Anfione n’aspire d’ailleurs qu’à la sérénité et voudrait céder le trône à Niobe, mais il est retenu par l’offensive du prince de Thessalie, Creonte, manipulé par le magicien Poliferno qui entend assouvir sa propre vengeance. Du castrat Clementin Hader, créateur du rôle, Steffani sollicite également la virtuosité échevelée qui, comme celle de Farinelli hier, excède les moyens du contre-ténor. Celui-ci se démène comme un beau diable et vient à bout d’un air impossible (« Trà bellici carmi »), mais à quel prix ! Hormis cette performance moins musicale que sportive qui brutalise l’instrument, Philippe Jaroussky signe une composition remarquable, fouillée, très engagée que couronne une lente et difficile scène d’agonie maîtrisée jusque dans les plus infimes nuances.

L’arrogante, la coléreuse Niobé semble appeler les ressources d’un soprano dramatique colorature, seul apte à embrasser sa démesure tout en assumant ses exigences techniques. Les vocalises de Karina Gauvin manquent d’éclat et l’organe n’a pas toujours l’impact souhaité pour exprimer la violence de cette femme, capable de jeter au sol le grand prêtre de Latone, mais la vérité de l’incarnation ne laisse pas de fasciner. Climax de l’ouvrage, son ultime et glaçante aria (« Funeste imagini »), lorsqu’elle découvre le geste fatal de son époux puis apprend le massacre de ses enfants, nous prend à la gorge. Difficile de s’en remettre, a fortiori quand le lieto fine vire au pétard mouillé. Noyé sous les trompettes, l’alto exsangue de Maarten Engeltjes (Creonte), effarant contre-emploi, aura bu le calice jusqu’à la lie. Gageons que Terry Wey le remplace avantageusement dans l’enregistrement qui vient de paraître chez Erato. Heureusement pour les spectateurs, le Boston Early Music Festival Orchestra nous ragaillardit avec la chaconne d’Enrico Leone qui conclut brillamment la soirée.   

Ténor un peu court mais d’une rare éloquence, Colin Balzer réussit à tirer son épingle du jeu dans une partie a priori peu gratifiante (Tiberino). A n’en pas douter, des nymphettes moins godiches que Manto ne résisteraient pas à ses manières enjôleuses. Teresa Wakim, excessivement précautionneuse, semble constamment marcher sur des œufs et joue avec nos nerfs, mais cette apparente fragilité souligne la candeur virginale de la jeune fille. A en croire ses admirateurs, Agostino Steffani serait le chaînon manquant entre Cavalli et Haendel. Certes, il privilégie la forme brève, mais ses airs ne possèdent ni la vivacité ni la puissance expressive de ceux de son illustre aîné et il peine surtout à renouveler cette figure emblématique de l’opéra vénitien qu’est la nourrice : Nerea fait tapisserie et n’aligne que des tirades éculées, mais José Lemos cabotine juste ce qu’il faut pour mettre le public dans sa poche. S’il n’a pas le métal sombre ni la projection de Christian Immler (Tiresia), a priori plus indiqués pour le magicien Poliferno, le baryton très homogène de Jesse Blumberg a pour lui la souplesse et la vaillance qui feraient très probablement défaut à son aîné dans la bravoure. Quant à la morbidezza mélancolique d’Aaron Sheehan, elle sied au docile et pâle Clearte, amoureux transi de la reine qui l’instrumentalise sans vergogne.

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