Historique, le Ring de Melba Recordings ? Oui mais pas dans le sens que notre époque, prodigue en hyperbole, a coutume de donner à l’adjectif : mémorable, anthologique, inoubliable, inouï, dingue quoi. Historique parce que l’enregistrement appartient à l’histoire du disque. Capté en public fin 2004, il s’agit d’une première en Australie, qui plus est enrobé dans un paquet de choix : 4 carnets faisant office de coffret, d’une bonne centaine de pages chacun, avec synopsis, texte d’introduction à l’œuvre en 3 langues dont le français, et livret original traduit en anglais. Sans oublier l’essentiel, une prise de son SACD qui autorise la comparaison avec la version Solti, du moins dans l’esprit car pour le reste…

Pour le reste, autant la seule Walkyrie, examinée ici même lors de sa parution, laissait entendre des similitudes entre la direction d’Asher Fish et celle de l’illustre « Sir Georg » : un goût de l’effet, une volonté d’aller de l’avant coûte que coûte, sans trop d’introspection, ni de sous-entendus mais un lyrisme certain. Autant l’écoute du cycle complet modifie sensiblement l’impression première. Le discours, s’éloignant du modèle, abandonne toute idée de brillance pour apparaître dans son ensemble anguleux, pour ne pas dire aride, avec une recherche de la pulsation qui laisse souvent poindre l’os au détriment de la chair. Vision encore épique mais bilieuse qui refuse de rendre les armes, même lorsque la partition fait des concessions au pessimisme ambiant. Rien d’étonnant à ce que Siegfried avec son panthéisme, son enthousiasme juvénile et son duo d’amour classé X se présente alors comme le maillon faible et qu’a contrario, l’inquiétude qui ronge Le crépuscule des dieux s’imprègne d’une noirceur fascinante, au risque de frôler la neurasthénie. Conception tragique donc, rythmique aussi, avec quelques partis-pris de lenteur surprenants (le finale de L’Or du Rhin, le prélude du 3e acte de Siegfried), qui à défaut de délivrer des prodiges de sons, apporte un éclairage différent, voire pas d’éclairage du tout tant le résultat peut parfois sembler sombre.

La comparaison avec la version Solti s’arrête là, l’équipe réunie autour d’Ascher Fisch ne pouvant prétendre rivaliser avec le fleuron du chant wagnérien convoqué par Decca en 1959. A défaut, la cohérence forme la première de ses qualités. D’une œuvre à l’autre, les mêmes interprètes se chargent des mêmes rôles, exception faite de Siegfried dont il faut deux chanteurs pour venir à bout : Gary Rideout dans la deuxième journée puis Timothy Mussard dans la troisième, aussi chétifs l’un que l’autre malheureusement. On passera vite sur le Wotan brutal au débit haché de John Bröcheler et la Brünnhilde massive de Lisa Gasteen qui s’accomplit mieux cependant dans Götterdämmerung que durant les deux premières journées ; question d’aigu et de tempérament. L’accablement désespéré qui dicte l’immolation finale vaut le détour. Elizabeth Campbell fait de Fricka une marâtre quand d’autres ont montré que l’épouse de Wotan pouvait avoir, tout au moins dans Die Walküre, une stature de reine. Deborah Riedel en Sieglinde peine aussi à faire oublier ses illustres devancières.
C’est ailleurs que l’on trouvera son plaisir car la distribution réserve tout de même plusieurs bonnes surprises : le Mime visqueux de Richard Greager ; les graves sépulcraux du Fafner de David Hibbard, l’ample contralto de Liane Keegan, Erda rêveuse dont chacune des apparitions suspend le temps et qui vole sans mal la vedette à Wotan dans le troisième acte de Siegfried ; le bronze noir et le mordant de John Wegner propres à donner des frissons. Malédiction vertigineuse dans L’Or du Rhin, présence délétère dans Siegfried et Le Crépuscule, son Alberich est d’une haine exaltante. Et, last but not least, Stuart Skelton dont le Siegmund, poétique et héroïque à la fois, demeure un miracle.

Christophe Rizoud

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Hélas, force est de constater une fois de plus le décalage entre la scène et le disque. Le son privé de l’image ne produit plus le même effet. Disparus l’engagement, le charisme, la magie qui apparemment enveloppait la cantatrice au point de faire prendre le boitement causé par une mauvaise chute pour un geste scénographique. Brünnhilde se dessine ici sans charme, lourde, massive, privée de féminité. La charpente, du grave au medium, demeure solide mais l’aigu vacille. On regrette alors l’absence de ces flêches dardées qui frappent en plein coeur ; non pas tant l’ « Hoïotoho ! » dont le contre-ut relève de l’anecdote – peu importe qu’il soit ici comme souvent lancé un peu trop bas – mais les traits sauvage du duo final, quand la vierge, à bout d’arguments, abat ses notes les plus hautes comme un joueur de poker son carré d’as. Lisa Gasteen se montre guerrière plutôt que femme, barbare finalement, à l’image du Wotan de John Bröcheler dont le chant fruste ne rend pas mieux justice au roi des dieux. Tel père, telle fille ; la silhouette semble là aussi monolithique, l’instrument également instable. Le baryton néerlandais pousse même le bouchon un peu plus loin en utilisant, pour tout effort de caractérisation, une espèce de Sprechgesang qui n’a pas grand chose à voir avec Wagner. Dans le même (mauvais) esprit, Elizabeth Campbell, affublée elle aussi d’un large vibrato, propose une Fricka conforme à la tradition, mégère aux traits ingrats que rien ne peut apprivoiser. On est loin de la séduction vénéneuse distillée par Mihoko Fujimura au Théâtre du Châtelet un an auparavant. Mais le Walhalla n’est pas seul en mauvais état. Sieglinde, rôle à l’exigence moindre – un soprano intensément lyrique suffit à l’habiter – succombe à son tour sous les coups de Deborah Riedel. La chair de la voix semble flasque et épaisse, dénuée de l’ardent frémissement qui nimbe le personnage.

Que reste-t-il alors pour éviter le naufrage ? Le principal d’abord dans un opéra wagnérien, à savoir l’orchestre dirigé par Asher Fish dans la droite ligne de Sir Georg Solti, sans introspection, épique et passionné avant tout, servi par des cuivres dont l’éclat éclaire sans aveugler, des cordes soyeuses qui tendent le récit sans le rompre, une meute de walkyries qui ne hurlent pas et mieux, chantent en mesure.

Le Siegmund de Stuart Skelton ensuite ; du héros, il possède le timbre particulier, cet alliage d’or fondu et de bronze, la clarté du ténor ombré de teintes barytonales, le souffle inépuisable – ah ! ces « wälse » qui n’en finissent pas – la vaillance et la jeunesse. Mais l’interprétation ne se satisfait pas d’hédonisme vocal ; elle sait aussi traduire le poids du sort qui s’acharne. Et plus encore qu’à la poésie du printemps, on s’abandonne au désespoir du duo du deuxième acte, l’annonce de la mort accueillie avec une douleur résignée que la noblesse de l’accent transcende.

Il est intéressant de constater comment alors le centre de gravité de l’oeuvre se déporte, le poids que prend soudain le premier acte au détriment du dernier, le transfert de la charge émotionnelle des adieux de Wotan vers l’ultime combat de son fils. Le héros amorce avant l’heure le crépuscule des dieux. Et si, à Adelaide, en 2004, le public avait pour Brunnhilde les yeux de Wotan, on a plutôt, en écoutant cet enregistrement, pour Siegmund les oreilles de Sieglinde.

Christophe RIZOUD

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