L’article Nelsons-BSO : divorce à l’amiable est apparu en premier sur Forum Opéra.

L’article Annulation de la tournée européenne de l’Orchestre Symphonique de Boston est apparu en premier sur Forum Opéra.

Cet enregistrement monographique paru chez Deutsche Gramophon (c’est dire…) comprend deux œuvre récentes : un deuxième Concerto pour piano et une partition vocale au titre alléchant de Totentanz.
Totentanz, c’était déjà l’idée de Liszt, qui signait là une très mauvaise pièce pour piano et orchestre, pleine de septièmes diminuées, de montées chromatiques et de coups de cymbales bien sentis pour impressionner le public habsbourgeois. Après ce premier écueil, il fallait être plus intelligent. Adès prend un peu plus de recul historique, en s’inspirant des danses macabres du XVe siècle, et plus particulièrement de celle de l’Eglise de Lübeck, détruite pendant la Guerre. La Mort entraîne chaque membre de la société, du plus puissant au plus faible, du pape au nourrisson, dans une ronde folle. Un texte piquant accompagne la fresque, où chaque personnage se débat vainement pour échapper à son destin. Pour Adès, la Mort sera une voix d’homme, un baryton, et les malheureux protagonistes de cette danse macabre seront incarnés par une mezzo.
La partition réserve des moments très réussis, y compris dans ses passages barbarisants. La musique de forge et d’enclumes qui caractérise le Chevalier rappelle le meilleur d’Asyla, tandis que la Jeune Fille déroule sa complainte au son d’un orchestre qui s’égoutte et s’étiole peu à peu. La fin aussi, où la berceuse du nourrisson s’enlise dans un orchestre impitoyable, rappelle le goût du compositeur pour les ambivalences musicales.
On s’avoue moins friand des passages clinquants de l’œuvre, où le compositeur semble avoir succombé aux sirènes lisztiennes. Adès maquille d’un orchestre ronflant les travers d’une musique qui tourne parfois à vide, jouant la seule carte de la démesure pour pouvoir s’en sortir. A cet effet, le Boston Symphony Orchestra et sa pâte orchestrale plutôt sombre et cuivrée était peut-être le candidat idéal pour l’enregistrement.

Nous l’avons compris, il faut beaucoup de cran aux chanteurs pour aborder une telle œuvre. Mark Stone et Christianne Stotijn se plient à une ligne vocale rugueuse et peu souple, souvent dans un aigu peu pratique et ingrat. Malgré cette difficulté, le duo s’en tire assez avantageusement, car il est certain que d’autres auraient terminé le larynx derrière les yeux après dix minutes. Un tel manque de considération de la part d’un compositeur que l’on sait sensible à la voix humaine surprend.

Plus encore que Totentanz, le Concerto nous laisse perplexes. Celui-ci marque peut-être une rupture dans le langage harmonique du compositeur : résolument tonal (on songe au Concerto en Fa de Gershwin, Boston oblige ?), il ne tire son piment que d’un léger déhanchement rythmique qui parcourt les mouvements rapides. L’Andante central se souvient de Rachmaninov, mais pas nécessairement pour le meilleur. Contrairement à Totentanz rattrapée par son gigantisme, ce concerto pêche en plus par une certaine tiédeur du discours, et ce n’est en rien la faute du jeu plutôt racé et puissant de Kirill Gerstein.

Adès nous a-t-il habitué à sa folie des grandeurs ? On observe en tout cas que ce Concerto nous paraît un peu trop sage, et qu’à l’inverse, la pompe de certains passages de Totentanz finit par lasser. Il est difficile de demander l’équilibre à un compositeur qui s’évertue à le bousculer, mais Adès est de ceux qui aiment à cultiver ce genre de paradoxes.

L’article Adès conducts Adès est apparu en premier sur Forum Opéra.

Pour servir un tel monument, la Philharmonie de Paris avait réussi à capter la tournée internationale du Boston Symphony Orchestra, emmené par son directeur musical Andris Nelsons. Alternant ce programme mahlérien et un dyptique Bernstein / Chostakovich, cette tournée semble s’inscrire dans un hommage à la naissance de « Lenny », dont la relation avec l’orchestre dura près de cinquante ans.

© Marco Borggreve

Dès les premières mesures, l’orchestre impose par la clarté du son et la brillance des timbres, Andris Nelsons menant l’introduction d’une main ferme. Pourtant passée cette ouverture toute en noblesse, une sorte de routine semble s’installer entre le chef et les instrumentistes. Celui-ci n’est pas exempt de musicalité, puisque les solos de trombone et de trompette sont admirables, mais il faut attendre une bonne dizaine de minutes  pour que le premier grand tutti réveille l’étincelle de génie du chef d’orchestre. Celui-ci s’amuse alors à souligner le piquant de l’orchestre mahlérien, fait de canards humoristiques et de « Naturlaute », rappelant la Bohème d’enfance du compositeur. Le deuxième mouvement, « Ce que me content les fleurs des champs », permet à Andris Nelsons de faire étalage de toute sa technique, le montrant aussi à l’aise dans la pompe du mouvement précédent que dans la dentelle de ce charmant menuet. Il en va de même pour un scherzo, mené avec autant de richesse d’idées dans le dialogue entre le coucou et le rossignol, que de grâce et de retenue dans les (fort belles) interventions solistes du cor de postillon.

Pour cette tournée, l’orchestre s’est offert la présence de Susan Graham, mezzo mahlérienne s’il en est. A bientôt soixante ans, on constate que la voix est toujours aussi saine, le lied « O Mensch » de cette symphonie ne laissant pas passer la moindre imperfection vocale. Malgré les quelques graves qui lui font défaut, l’excellente musicienne qu’est Susan Graham tire son épingle du jeu en chargeant chaque mot d’une tension expressive impressionnante. A cette concentration répond celle du chef, qui articule chaque note de ce mouvement comme s’il s’agissait d’un évènement hors du commun. Enfin, le magnifique solo de la konzertmeisterin Tamara Smirnova complète ce quatrième mouvement en suspens entre deux mondes. 

A la voix de la mezzo se joignent celle du chœur de femmes et de la maîtrise de Radio France, dans l’étonnante cantate profane du cinquième mouvement. Préparées respectivement par Johannes Prinz et Victor Jacob, les deux phalanges brillent à la fois par la justesse de l’intonation et par leur capacité d’adaptation à la battue du chef letton. On savoure ainsi de véritables triple-pianos, à l’image de ce dernier « Bimm », qui résonne longtemps dans les vignobles de la Philharmonie.

L’hymne à l’amour que constitue le dernier mouvement se transforme au fur et à mesure en hymne à la concentration. La section des cordes, jusqu’ici relativement discrète, s’expose sous son meilleur jour, avec une tension qui se construit sans discontinuer jusqu’à la rayonnante entrée des cuivres. Nelsons l’enthousiaste conduit ce grand crescendo avec une maîtrise des équilibres remarquable, qui n’empêche aucunement un lyrisme débonnaire, indispensable pour restituer pleinement l’esprit féérique qui habite chacune des symphonies de Mahler.

L’article MAHLER, Symphonie n° 3 en ré mineur — Paris est apparu en premier sur Forum Opéra.

Camilla Nylund faisait semble-il également ses premiers pas en Isolde. La voix est lyrique et le timbre est agréable. Mais nous entendons une Elsa von Brabant, une Elisabeth de Tannhäuser,  à la limite une Sieglinde. Pour Isolde, la voix manque de corps. Certains aigus sont même un peu truqués, émis en arrière sans projection, privant le chant d’impact. Pris comme une page isolée, leur duo est néanmoins sublime de beauté. Mais il y manque cette angoisse sourde propre à la menace qui plane et qui est clairement exprimée par la musique : Tristan et Isolde ne sont pas deux jeunes Roméo et Juliette insouciants. Il y manque également l’expression de cette tension implacable qui monte vers le coitus interruptus. Il est toutefois difficile ici de faire la part des choses entre l’interprétation des chanteurs et celle du chef.

© Chris Lee

Andris Nelsons offre ici en effet une lecture plutôt hédoniste de la partition, sans chercher à théâtraliser la musique. Les voix baignent dans le son plutôt qu’elles ne dialoguent avec l’orchestre (une approche qui rappelle le Karajan tardif). Fidèles à leur réputation, les cordes sont magnifiques, en cohérence avec l’interprétation musicale, mais l’orchestre n’est pas parfait (les cors en particulier) avec quelquefois de minuscules décalages.

Les émotions les plus authentiquement wagnériennes viennent de là où on ne les attendait pas nécessairement. Le roi Marke de  Georg Zeppenfeld est impressionnant de puissance. L’incarnation dramatique est justement équilibrée, renforcée par la relative jeunesse de l’interprète, rival crédible de Tristan. Son intervention lui vaudra une formidable ovation aux saluts. Mihoko Fujimura apporte à Brangäne l’urgence voulue. La voix est puissante (voire très puissante à certaines occasions !) avec un timbre riche. Andrew Rees offre un Melot impeccablement projeté et dramatiquement engagé : pendant quelques minutes on se serait crû à la scène et non plus au concert !

L’article WAGNER, Tristan und Isolde — New York est apparu en premier sur Forum Opéra.

L’article Jonas Kaufmann, et maintenant Tristan est apparu en premier sur Forum Opéra.