Si on ajoute à cela le fait qu’une fois de plus Karine Deshayes chante tout son répertoire (limité ici à sept mélodies !) le nez dans la partition, y compris les œuvres qui font partie depuis longtemps de son fonds de commerce, on comprendra aisément que la soirée, pour divertissante qu’elle fut, manqua singulièrement d’intensité et de cohérence. C’est une occasion manquée, dans la mesure où les musiciens s’adressaient à un public très attentif et cultivé, celui des récitals de la Monnaie, habitué à des nourritures intellectuelles et émotionnelles plus substantielles.

L’ensemble Contraste, qu’on pourrait présenter comme un quatuor à cordes élargi avec une clarinette et un piano n’a, en dehors de sa composition, rien d’un quatuor. On n’y entend guère de travail de musique de chambre, et si certains instruments font preuve d’une belle virtuosité – notamment la clarinette de Jean-Luc Votano -, le reste du travail présenté fait figure d’une habile mise en place par des musiciens chevronnés plutôt que l’aboutissement d’un réel investissement musical.

Alors que c’est Karine Deshayes qui sur l’affiche semblait être l’attraction de la soirée, ce sont les trois pièces pour violoncelle et piano d’Ernest Bloch qui en constituèrent le point culminant, seule œuvre complète du programme, donnée avec sobriété et recueillement et une très belle sonorité à l’instrument, tenu par Antoine Pierlot.

La prestation de la mezzo, émaillée de très beaux moments vocaux – la qualité de la voix, particulièrement bien servie par l’acoustique de la Monnaie, reste magnifique – fut plutôt décevante sur le plan de la communication avec le public et de l’intensité dramatique, pour toutes les raisons qu’on a expliquées plus haut.

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Le sang viennois coule pourtant, à travers les voix de Marianne Croux et de Léo Vermot-Desroches. Elle, Donna Anna il y a peu au Théâtre de l’Athénée – « Non mi dir » inséré entre deux airs de Lehár et Kálmán le rappelle. Lui, ténor distingué aux Victoires de la musique classique en 2023, bientôt promis aux premiers rôles – il sera Alfredo dans La traviata à Tours en fin de saison. Elle et lui alternant sur scène pour se rejoindre dans « Weisst du es noch ? » de Princesse Csardas et « Glück, das mir verlieb » de Die Tote Stadt, en milieu et en fin de concert.

La complicité ne s’acquiert pas en une seule soirée. Si irrésistibles soient les atours mélodiques de ces duos, la séduction des deux chanteurs agit moins ensemble que séparément. Elle, par le pouvoir d’un soprano au médium élargi sans que l’aigu ait pâti de cet élargissement, les registres soudés, le timbre gorgé de sève et de fruit dans un « Meine Lippe, die küssen so heiß » à la sensualité naturelle puisqu’induite par la voix, dosant jusqu’au tragique l’intensité de la romance d’Antonia, moins inspirée par « non mi dir » – étonnamment –, car peut-être trop confiante pour avoir chanté récemment l’air sur scène, ou au contraire entravée par l’absence du soutien dramatique qu’apportent le théâtre et ses artifices. Allez savoir ! Lui, plus long à céder à l’ivresse de la valse, encore raide dans « Grüß mir mein Wien » extrait de Comtesse Mariza pour mieux se libérer dans une chanson de Kleinsach à la diction irréprochable, dans la noble lignée d’un chant français qui aujourd’hui a pour porte-drapeau Bernheim et Alagna, usant de la voix mixte pour renouveler l’éventail de couleurs tout en préservant intacte sa force d’émission, alternant puissance et douceur comme l’exige ce parangon de Tauberlieder qu’est « Dein ist mein ganzes Herz ». Elle et lui réunis par deux bis, « Heure exquise » de La Veuve joyeuse (en français donc) et de nouveau « Weisst du es noch ? », musique pour laquelle Johan Farjot dit avoir eu un coup de cœur, partagé en ce qui nous concerne.

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Hommage à ses deux patries, la France et l’Italie, Marco Angioloni propose à travers cet enregistrement de confronter les influences réciproques entre deux pays qui ont souvent en commun la notion de divertissement et de séduction immédiate. Pour l’occasion, le ténor s’est entouré d’amis chanteurs complices : Karine Deshayes, Ambroisine Bré, Juan-Carlos Echeverry ou encore Charlotte Planchon. Elle n’est pas douce la vie ?

Marco Angioloni et l’Ensemble Contraste présenteront des extraits de ce nouvel album au Bal Blomet à Paris le 8 mai (plus d’informations)

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Le titre du CD est explicite : les interprètes aiment Schubert, c’est déjà un bon point. Mais Rosemary Standley, la chanteuse/guitariste franco-américaine du groupe Moriarty, cette voix qui s’insinue tendrement au creux de vos oreilles pour vous dire des choses douces ou décalées – on a compris qu’on est fan de la première heure de Rosemary – dans Schubert, dans un récital de Lieder ? 

Réponse de l’intéressée : « J’entends dans la musique de Schubert quelque chose qui m’est complètement familier, dans la ritournelle, dans le rapport à la musique traditionnelle, une musique profondément sombre, qui me touche et me bouleverse toujours ».

On s’éloigne un peu plus encore du récital traditionnel chant-piano avec les arrangements de Johan Farjot pour l’ensemble Contraste : une formation qui est loin d’en être à son coup d’essai en matière de « revisitation » des répertoires  classique, chanson ou jazz (avec le concours de chanteuses classiques comme Karine Deshayes). 

Pour le mélomane « classique » la déstabilisation est immédiate avec la première plage du disque : le célébrissime Ständchen conçu, en effet, comme une ritournelle enfantine, qui ne se prête à aucune aspérité, comme vidée des affects qui surlignent d’ordinaire la poésie schubertienne. 

On peut alors avoir une furieuse envie d’interrompre net l’écoute de ce disque, ou au contraire choisir de se laisser glisser, abandonnant toute réticence, toute référence aussi à une discographie établie de longue date, dans un univers qui cherche à restituer l’ambiance de ces interminables soirées que Schubert aimait à passer avec son cercle d’amis le plus intime.

Le critique trouvera bien, ici et là, des timidités inattendues – comme dans la transcription de l’impromptu op/90 n°3 –, ou pourra se demander pourquoi Sandrine Piau – à l’acmé de son art – vient joindre sa voix à trois des mélodies  et non des moindres (Heidenröslein, Nacht und Träume, Der Tod und das Mädchen) comme si ces Lieder faisaient figure d’intouchables, de trop risqués pour être confiés à des voix moins expertes.

Doit-on encore louer les mérites de l’Ensemble Contraste qui fête ses 20 ans ? Une joyeuse bande de copains, qui évolue au fil des projets, suscite propositions et créations, avec pour seul critère l’excellence : ici l’alto très sollicité d’Arnaud Thorette rejoint la guitare si poétique de Kevin Seddiki, autour du maître d’œuvre, pianiste, chef, arrangeur Johan Farjot. Laure Sanchez à la contrebasse, Jean-Luc di Fraja aux percussions, Antoine Pierlot au violoncelle et Airelle Besson à la trompette enrichissent l’écrin sonore de Mmes Standley et Piau.

Un disque à ranger au rayon Standley plus que Schubert, mais un disque qui dit qu’on peut aimer Schubert de multiples façons.

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Siam, au fil de l’eau, un conte musical
48 pages, livre CD – 246 x 308 mm ; couleur – Relié ; EAN : 9782081513679 ; ISBN : 9782081513679
Dès 6 ans. Prix : 23,90€. Flammarion jeunesse
 

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Jodie Devos©Marco Borggreve

Le programme du récital est peu ou prou une reprise du disque « Offenbach Colorature »  et s’arrime tout comme ce dernier, aux rives de la rareté, à l’exception de la chanson d’Olympia tirée des Contes d’Hoffmann qui donne toutefois ici l’occasion à Jodie Devos de se livrer à un succulent numéro burlesque avec les musiciens de l’Ensemble Contraste, soulignantainsi la belle synergie des artistes sur scène. Le programme tel que proposé joue sur la judicieuse alternance des airs pétillants et des cantilènes introspectives qui permet en outre, comme nous l’a confié Alexandre Dratwicki, de couvrir un spectre chronologique allant de 1855 à 1880 tout en présentant trois grands genres, opérette, féérie, et opéra-comique. Dans cet éventail musical, Jodie Devos interprète certaines pages avec un entrain irrésistible comme l’air de Ciboulette « Quel bruit, quel tapage », dans Mesdames de la Halle  ou celui d’Edwidge « Conduisez-moi vers celui que j’adore » dans Robinson Crusoé. Elle s’y amuse ici avec un charme de meneuse de revue, la voix chaloupée et pétillante comme du champagne, distillant des œillades vocales à chaque inflexion. Elle éblouit par la tenue ronde de ses aigus sans tension et son art consommé des nuances qui apporte une certaine classe  à l’esprit de folie, de délire facétieux si emblématique d’Offenbach. Les qualités techniques de la soprano lui autorise ici ou là quelques variations et aigus extrapolés comme dans « Le voila…c’est bien lui », du Roi Carotte, ou dans la valse-tyrolienne de Rosita d’Un mari à la porte. Mais loin de n’être qu’une reine des cimes vocaux, telle que la Corilla qu’elle interprète en ouverture du récital, diva de pacotille aux vocalises excessives dans Vert -Vert,  Jodie Devos possède également des qualités d’autant plus rare qu’elles méritent d’être particulièrement soulignée : un médium et un grave bien timbrés, charnus et veloutés, qui permettent à l’artiste de donner corps avec aisance autant aux fruitières et dompteuses d’ours qu’aux princesses. Elle sait ainsi parer de suaves variations les pages élégiaques de la splendide mort d’Eurydice et confère  à son interprétation le brin de mystère requis pour le rôle. De même, dans l’air d’Elsbeth, « Voilà toute la ville en fête » tiré de Fantasio, elle distille avec élégance un kaléidoscope de couleurs et de nuances qui en révèle toute l’essence poétique.

Le sémillant l’Ensemble Contraste joue de tout son talent protéiforme pour se fondre avec délectation dans la musique bigarrée d’Offenbach. Il n’est guère difficile pour ces musiciens venant de diverses rives musicales (tango, jazz, création contemporaine), de donner vie aux morceaux choisis oscillant entre exubérance et introspection. Mais loin de n’être que les talentueux accompagnateurs de la reine Jodie, ils sont également les interprètes habités d’une exploration musicale de pièces rares (et moins rares) d’Offenbach, allant des rives de la rêverie mélancolique des Harmonies du soir aux sanglots lents du violoncelle des Larmes de Jacqueline, en passant par la pétillante jubilation d’une fantaisie improvisée autour d’Orphée aux enfers ou de La Vie Parisienne.

Une soirée regorgeant d’énergie positive, que l’on aurait aimé voir se prolonger jusqu’au bout de la nuit, servie par une interprétation en totale adéquation avec l’art maitrisé d’Offenbach des demi-teintes, du comique de situation et de la dérision. Une réussite, incontestablement.

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Pourquoi in progress ? Peut-être pas parce qu’elle est appelée à évoluer, encore que, mais surtout parce que, musicalement, il s’agit d’un spectacle tout à fait expérimental, qui mêle la musique de Purcell à celle de quelques autres (là encore, on gardera le secret) et l’exploite aussi comme base d’improvisations jazzistiques. De la partition originale, les morceaux les plus célèbres se retrouvent, et on admire l’ingéniosité avec laquelle ces airs ont été insérés dans le déroulement de la pièce de Shakespeare. C’est probablement Johan Farjot et Arnaud Thorette qu’il faut féliciter, en l’occurrence, notamment pour l’arrangement permettant à seulement quatre instruments (dont le saxophone, que Purcell ne pouvait évidemment pas avoir envisagé) de donner à entendre cette musique de façon aussi convaincante. L’improvisation ne porte que sur des extraits instrumentaux, et les passages chantés respectent la partition, avec une minime entorse pour l’impayable duo de Corydon et Mopsa, où une troisième voix est insérée. Pour les voix, on a fait appel à quelques-uns des artistes qui fréquentent le plus ce répertoire en France à l’heure actuelle. Habitué du baroque français comme anglais, le ténor Jeffrey Thompson interprète l’air de l’automne et brille en particulier dans la reprise du quatuor « If love’s a sweet torment ». S’il n’a pas les graves insondables d’une basse, le baryton Philippe-Nicolas Martin, que beaucoup ont découvert dans la parodie pour marionnettes d’Hippolyte et Aricie, n’en défend pas moins ses airs avec beaucoup d’art et d’élégance. Dans « I am come to make all fast », Albane Carrère déploie tant de qualités de diction et de timbre qu’on regrette de ne pas l’entendre davantage en solo au cours de la soirée. Quant à Chantal Santon, dont on garde en mémoire la prestation dans le Roi Arthur dirigé par Hervé Niquet, on admire toujours son art dans « Let me weep », par exemple, mais il semble qu’elle soit aujourd’hui à une étape-charnière de sa carrière : la voix a désormais pris une puissance et une ampleur que la soprano parvient encore à discipliner, bien que tout à fait  prête à s’orienter vers un répertoire beaucoup plus lourd.

Bien sûr, si vous avez avalé votre parapluie, il se pourrait éventuellement que vous n’appréciiez pas ce spectacle. Mais enfin, on ne sait jamais, n’hésitez pas à essayer quand même, ça ne pourra que vous faire du bien.

Le Midsummer Festival n’est pas fini : Il reste encore toute une série de concerts du 2 au 5 juillet. Renseignements sur le site du festival.

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Après avoir exploré l’univers de Fauré dans deux disques (Jardin clos – Chanson d’Eve en 2009, La Bonne Chanson en 2011), Karine Deshayes nous livre cette fois un bouquet de mélodies couvrant une période relativement large, de « La Captive » de Berlioz (1832) jusqu’à « Violons dans le soir » de Saint-Saëns (1907). Huit plages chantées au total, les autres étant confiées aux seuls instrumentistes, dont deux versions successives du célèbre « Après un rêve » de Fauré, avec ou sans voix. Avec ses sept minutes et son accompagnement exigeant un quatuor avec piano, la Chanson perpétuelle de Chausson dépasse le cadre du salon pour s’ouvrir sur d’autres horizons. L’ensemble Contraste permet aussi d’élargir le cadre de l’exercice : du simple piano-chant, on passe d’emblée à la musique de chambre. Et l’une des pièces ici enregistrées est devenue une mélodie du fait de son extrême popularité, mais il ne faut pas oublier que la fameuse « Berceuse » de Benjamin Godard – compositeur que le Palazzetto Bru Zane mettra à l’honneur la saison prochaine – est extraite de l’opéra Jocelyn, d’après Lamartine, comme le soulignent la phrase en récitatif qui précède le premier couplet, rarement enregistrée mais ici fort opportunément incluse.

On l’a compris, ce n’est pas pour le plaisir de la découverte ou de l’exhumation qu’on écoutera ce disque, mais pour savourer les raffinements dont est capable une artiste aux affinités confirmées avec la musique française. Gounod lui sied fort bien, et l’on espère que Karine Deshayes ne l’oubliera pas lorsque l’auteur de Faust sera à l’honneur en 2018. La mezzo a par ailleurs le bon goût d’éviter le glissando débraillé dont certain(e)s gratifient le saut d’octave qui ouvre l’ « Elégie » de Massenet. Quant à ses qualités de diction, l’absence de tout texte dans la plaquette d’accompagnement est assez éloquent sur ce point : la limpidité du chant permet de saisir tous les mots des textes. Cette fluidité fait d’ailleurs en partie écho au thème de la rêverie plus ou moins mélancolique, présente dans un certain nombre de pièces, et qui s’accommoderait mal d’un dramatisme trop affirmé. Même souci d’élégance de la part des instrumentistes, avec une méditation de Thaïs particulièrement sobre de la part du violoniste Arnaud Thorette, tout comme l’Elégie du violoncelliste Antoine Pierlot ; le pianiste Johan Farjot assure en plus l’arrangement pour trio de certaines pièces, dont la Pavane de Fauré (à ce propos, une bizarrerie à signaler : cette pièce ne figure pas dans la liste des œuvres enregistrées, mais elle est mentionnée dans le livret d’accompagnement, et elle est en fait ajoutée dans le prolongement de la dernière plage, où elle vient se greffer peu après « La Captive » de Berlioz).

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