Après l’entracte, Yannick Nézet-Seguin chef dansant et parfaitement maître du jeu donne à la Symphonie n°4 les couleurs du « conte de fées » que Bruno Walter y voyait, et le Met Orchestra rend justice à sa riche imagination sonore. D’une durée ramenée à une heure, avec un effectif moins lourd en cuivres et l’absence de chœur des précédents opus, Gustav Mahler vient d’entrer dans sa période de maturité et peint un tableau aux couleurs vives, entre allégresse et contraste gentiment ironique des sentiments. Le quatrième mouvement consiste en un lied à l’humour fin, rappelant que la symphonie devait s’appeler d’abord « Humoreske ». Joyce DiDonato, placée encore légèrement de côté derrière les pupitres des cordes, est restée sur scène pendant toute la symphonie, encourageant ses collègues instrumentistes, vivant chaque mouvement avec ferveur. Ce n’est pas si courant. Elle livre une vision irrésistible du paradis et du bonheur («  Das Himmlische Leben ») entre naïveté enfantine et sérénité, grâce à une interprétation qu’on ne saurait qualifier que d’idéale.

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Les deux premières dates sont confiées à l’Orchestre du Metropolitan Opera de New York, sous la direction de son chef principal, Yannick Nézet-Séguin. La formation star de l’opéra américain reprend pour les Prem’s les programmes qu’elle a interprétés lors de ses débuts aux BBC Proms de Londres il y a quelques jours. Avant une soirée Saariaho/Mahler avec Joyce DiDonato, le public parisien a donc pu entendre un concert de pièces de Richard Strauss, illuminé par la présence de la soprano Elza van den Heever.

La soirée commence avec la suite du Chevalier à la rose : cet amalgame d’extraits de l’opéra ne fait pas preuve d’un grand souci de continuité et n’est sans doute pas un concentré des plus efficaces d’un si précieux chef-d’œuvre. Ainsi, après un condensé du sublime trio final, où l’absence des voix n’est que maigrement compensée par le jeu des solos orchestraux, survient un tonitruant roulement de caisse claire et la suite s’achève dans un retour de bonne valse viennoise… Du reste, quand en 2015 Alan Gilbert avait dirigé le New York Philharmonic dans la même salle et dans la même suite, il avait remplacé ce barouf final par la véritable conclusion de l’opéra.

Nézet-Séguin, lui-même scintillant de paillettes, propose une lecture très hollywoodienne du Chevalier à la rose, où domine la recherche du moelleux et du rebond, d’un lyrisme fait de lignes splendides et de timbres bien mariés. L’orchestre a pour lui un son homogène et vibrant de couleurs, des pupitres d’une netteté remarquable et de très bons solistes qui font merveille quand on a besoin d’eux (beau hautbois dans la présentation de la rose). Les virages straussiens, ces moments où, passant par le chas d’une aiguille, la musique bascule dans une atmosphère et une harmonie qu’on croyait impensables quelques secondes plus tôt, sont rendus avec grâce et sans excès d’affectation. La lecture est impeccable, pittoresque même : on croit entendre du Rimsky dans la présentation à la rose et la valse d’Ochs est si lourdée qu’on croit voir un danseur ivre qui nous arrache quelques sourires. Les amateurs d’un Strauss moins rose repasseront.

Puis vient la scène finale de Salomé. Elza van den Heever avait fait des débuts retentissants dans le rôle à Paris en 2022 et la voix est toujours aussi impressionnante : ronde mais claire, souple, à l’émission franche et lumineuse. La soprano choisit d’incarner autant que possible l’évolution du rôle : elle donne plus dans la jeune fille illuminée que dans la harpie sanguinaire, mais ose un passage presque hurlé, et n’hésite pas à esquisser des mouvements de danse pour rendre la sensualité de la fille d’Hérode. On serait entièrement à la fête si la voix n’était pas régulièrement couverte par l’orchestre. On touche là à un problème qu’on croyait déjà avoir décelé en 2025 : sans les fauteuils du parterre, l’acoustique de la salle Pierre-Boulez est détériorée et on entend un écho inhabituel, le son semble uniformisé, sans possibilité de bien distinguer les pupitres, comme si on écoutait de la mono. Dans cet opéra aussi, Nézet-Séguin et l’orchestre semblent faire le choix du sublime plus que de la noirceur et de la verve – mais le volume, lui, est bien là.

Ein Heldenleben, après l’entracte, est dans la même veine : orchestre en pleine possession de ses moyens (très beau pupitre de cors, violon solo virtuose très exposé, belles trompettes), chef dont le métier et le talent sont évidents mais qui peine à imprimer une lecture vraiment marquante, en cherchant peut-être trop à créer des climax qui finissent par diluer un peu l’impact et l’inventivité étrange de ce poème symphonique.

La soirée s’achève tout de même sur un triomphe du public, preuve que le format du festival de rentrée peut sans aucun doute d’imposer. Elza van den Heever, rappelée sur scène, interprète une belle version de Zueignung (sans trou de mémoire cette fois). Au bout du compte, une soirée pétillante et pailletée, servie par de grands musiciens, autour d’un compositeur populaire : rien d’inoubliable pour les plus stricts mélomanes, mais l’essentiel n’était peut-être pas là.

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Deborah Warner a déplacé l’action à l’époque de la création de l’œuvre comme en témoignent les superbes costumes de Chloe Obolenski notamment lors du bal du dernier acte. En début de soirée, le rideau se lève sur l’intérieur de la propriété des Larina, le décor de Tom Pye représente une sorte de grange tout en longueur dans laquelle se trouvent des tables, des chaises, de la vaisselle. Le tableau du duel se situe sous la neige dans une campagne quasi désertique, faiblement éclairé par les premières lueurs du jour. Enfin le décor du troisième acte frappe par sa sobriété : quatre paires de colonnes gigantesques se détachant sur un fond bleuté et quelques chaises disséminées sur le plateau figurent la salle de bal dans laquelle les voix ont tendance à se perdre. Le dernier tableau ne se situe pas, comme à l’accoutumée, à l’intérieur de la demeure de Tatiana, mais en extérieur, avec toujours les mêmes colonnes au premier plan, derrière lesquelles on devine à nouveau un paysage enneigé dans la nuit.

La distribution, de haute volée, réunit pour les seconds rôles des chanteurs familiers de l’ouvrage. Ainsi, Filipievna et Madame Larina sont incarnées par Larissa Diatkova et Elena Zaremba, déjà présentes en 2017 dans les mêmes rôles. Les deux chanteuses ont conservé leurs moyens intacts, notamment Zaremba qui affiche une voix riche et pleine. Doté d’un timbre sonore, Richard Bernstein ne passe pas inaperçu en témoin de Lenski. Fine comédienne, Maria Barakova est une Olga à la voix fluide et juvénile qui évolue sur scène avec grâce et légèreté. Grand habitué du rôle, qu’il incarne depuis 2009, Tony Stevenson est un Monsieur Triquet délicieux à la diction française impeccable et au phrasé élégant. Ses couplets à l’attention de Tatiana sont chaleureusement applaudis. Le Prince Grémine trouve en Alexander Tsymbalyuk un interprète de choix, la noblesse de sa ligne de chant, la profondeur de son timbre et l’émotion qu’il insuffle à son air du dernier acte lui valent une ovation méritée. Stanislas de Barbeyrac campe un Lenski sanguin aux moyens imposants. Sa jalousie vis-à-vis d’Onéguine éclate de façon spectaculaire au cours de la fête chez les Larina mais c’est son grand air « Kouda, kouda, vy oudalilis » chanté tout en nuances, dans lequel transparait l’ampleur de son désespoir, qui déclenche l’enthousiasme du public. Iurii Samoilov possède un physique de jeune premier et un timbre onctueux qui ne manque pas de séduction, autant de qualité qui font de lui un Onéguine de choix. On pourrait cependant lui reprocher un excès d’arrogance au cours du premier acte. En revanche durant le bal à Saint-Pétersbourg et tout le duo final avec Tatiana, il exprime sa passion ardente et son tourment avec des accents poignants. Asmik Gregorian est sans conteste la grande triomphatrice de la soirée. Son incarnation traduit avec subtilité l’évolution psychologique du personnage, de la jeune fille naïve et un peu gauche du premier acte, à la femme élégante et maîtresse d’elle-même de la scène finale. Même si elle n’a plus tout à fait l’âge de la jeune Tatiana elle parvient à rendre convaincante la scène de la lettre en exprimant avec une sincérité désarmante l’intensité du premier amour. Lors du dernier tableau, c’est avec des accent déchirants qu’elle repousse les avances d’Onéguine. Une incarnation magistrale de bout en bout.

Au pupitre, le jeune chef Timur Zangiev propose une direction extrêmement dramatique avec des tempos retenus, notamment dans les airs, qui laissent s’épanouir les voix des protagonistes. Oublions quelques légers décalages dans le quatuor qui ouvre le premier acte et soulignons les splendeurs orchestrales qu’il déploie dans les danses et la polonaise du troisième acte.

Le 30 mai prochain, le Metropolitan Opera retransmettra dans les cinémas du réseau Pathé Live, Le Dernier Rêve de Frida et Diego de Gabriela Lena Frank, avec Isabelle Leonard dans le rôle de Frida Khalo.

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I puritani ©Ken Howard.Met Opera 

La distribution rassemble une équipe de chanteurs rompus pour la plupart à la technique du bel canto. Tony Stevenson possède un timbre claironnant qui sied à merveille au personnage de Bruno, David Pittsinger campe un Valton à la voix puissante et bien projetée. Eve Gigliotti tire son épingle du jeu dans le rôle sacrifié d’Enrichetta grâce à sa voix ronde au timbre fruité. Le Giorgio de Christian van Horn est une bonne surprise, la basse nous gratifie d’un legato fluide et chaleureux notamment dans son air « Cinta di fiori » chanté avec un style accompli, qui s’achève sur un diminuendo du plus bel effet. Remplaçant au dernier moment Artur Ruciński souffrant, Ricardo José Rivera a été la révélation de la soirée dans le rôle de Riccardo. Le jeune baryton portoricain possède une voix sonore, un timbre velouté et incarne avec justesse ce personnage torturé. Les quelques vocalises que comporte son air « Bel sogno beato » au premier acte sont impeccablement négociées et sa confrontation avec van Horn qui s’achève sur un « Suoni la tromba » éclatant, enflamme le public du Met qui lui réserve une belle ovation au salut final. Grand habitué du rôle d’Arturo, qu’il chante depuis plus de dix ans Lawrence Brownlee n’a rien perdu des qualités qui font de lui un belcantiste accompli, l’art de la nuance, la vélocité de ses ornementations et la facilité de son registre aigu qui lui permet de ne pas transposer le contre-fa que tout le monde attend dans son air « Ella è tremante » au dernier acte. Si on lui reproche parfois un volume confidentiel, cela n’est en rien perceptible au cinéma. En grande forme, Lisette Oropesa, donne d’Elvira une interprétation encore plus aboutie qu’à Paris la saison passée. « Son vergin vezzosa » met en valeur la fluidité de ses vocalises et la précision de ses trilles impeccables, « O rendetemi la speme » est phrasé avec un timbre éthéré et une infinie délicatesse, enfin la cabalette « Vien diletto » exalte sa maîtrise de la colorature, notamment dans la reprise dont les ornementations jusqu’au mi bémol lui valent une ovation bien méritée.

Marco Armiliato familier de ce répertoire propose une direction précise et soignée qui laisse s’épanouir les voix des chanteurs. La partition proposée comporte moins de coupures qu’à l’accoutumée, la plupart des cabalettes sont doublée et ornementées.

Le 21 mars prochain, le Metropolitan Opera retransmettra dans les cinémas du réseau Pathé Live, Tristan et Isolde avec Lise Davidsen et Michael Spyres dans une nouvelle production de Yuval Sharon.              

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Fidèle à sa réputation, le metteur en scène français respecte scrupuleusement le cadre spatio-temporel dans lequel se situe l’intrigue qui, dans cet ouvrage, est particulièrement indissociable de son contexte historique. Cette production, si traditionnelle soit-elle, ne comporte pas moins quelques idées intéressantes. Au premier acte le salon de la Comtesse est orné d’un immense miroir, avec pour seul mobilier de luxueux canapés, et une harpe. Les invités portent de somptueux costumes d’époque imaginés par Hubert Monloup, également auteur des décors. Le miroir dans lequel se reflètent les convives, suggère l’aveuglement de cette classe dirigeante qui se complait dans un entre-soi confortable, sans regarder le monde autour d’elle. Le deuxième acte se déroule sur une place avec des bâtiments au teintes grisâtres et des arcades derrière lesquelles les espions peuvent se cacher pour écouter les conversations des passants. Au centre trône la statue de Marat. La salle d’audience du troisième acte, également en pierres grisâtres, comporte des gradins sur lesquels le peuple vient s’installer comme dans un théâtre et manifester bruyamment lors des jugements. Au dernier acte, devant la prison, une statue renversée et brisée gît sur le sol tandis que sur son socle ensanglanté est écrit le mot « Liberté ». Au fond de la scène, trône, menaçante, une immense guillotine. La direction d’acteurs, actualisée par J. Knighten Smit, est à la fois sobre et efficace.

La distribution, est homogène jusque dans les plus petits rôles. Alexander Birch Elliott, Maurizio Muraro, Tony Stevenson, Jeongcheol Cha et Richard Bernstein sont des interprètes solides et aguerris tant sur le plan vocal que théâtral. Doté d’un timbre sonore, Brenton Ryan est un « Incroyable » obséquieux et sournois, tandis que Christopher Job campe un Fouquier-Tinville autoritaire et inflexible. Guriy Gurev, servi par un timbre chaleureux, campe avec conviction l’ami fidèle de Chénier. Nancy Herrera Fabiola excelle à exprimer les deux facettes de la Comtesse de Coigny, autoritaire et méprisante au début du premier acte, dépassée par les événements lors de l’intrusion des pauvres dans son salon. Olesya Petrova se montre touchante mais un peu effacée dans son monologue du troisième acte, on a connu par le passé des Madelon bien plus poignantes. Avec des moyens modestes mais dotée d’une indéniable présence, Siphokazi Molteno incarne une Bersi attachante et crédible. Igor Golovatenko est l’un des triomphateurs de la soirée si l’on en juge par les acclamations qui l’ont accueilli au rideau final. Le baryton russe possède une voix large et bien projetée avec un medium solide et un aigu puissant. Son « Nemico della patria » déchirant a littéralement galvanisé les spectateurs du Met. Sonya Yoncheva a paru en petite forme au lever du rideau. Sa voix était affectée d’un vibrato qu’elle avait du mal à contrôler. Puis, au fil de la représentation la soprano bulgare a retrouvé la quasi plénitude de ses moyens pour nous offrir un troisième acte captivant, avec une « Mamma morta » absolument bouleversante et un duo final de haut niveau en harmonie avec son partenaire. Le temps ne semble pas avoir de prise sur les moyens de Piotr Beczala qui, à l’approche de la soixantaine, a gardé une voix quasiment intacte avec ce timbre solaire et ce chant à la fois élégant et sensible qui le caractérisent. Scéniquement, le ténor polonais se réfugie dans une réserve de bon aloi. Cependant, son attitude compassée sur le plateau convenait davantage au Comte Loris Ipanov qu’au fougueux André Chénier.

L’autre triomphateur de la soirée est Daniele Rustioni dont la direction vigoureuse et théâtrale a galvanisé à la fois le plateau et l’assistance. Soucieux du moindre détail, il a embrasé la partition avec une énergie et une précision de chaque instant. Sa scène du procès au troisième acte, absolument spectaculaire, a mis la salle à genoux. Depuis le début de la saison, le chef italien a obtenu le titre de principal chef invité du Metropolitan Opera.   

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La Bohème ©Met Opera

Pour cette reprise, la distribution, homogène vocalement, rassemble avec bonheur, des chanteurs expérimentés, des stars montantes et une révélation de premier plan.

Gregory Warren campe un Parpignol haut en couleurs et Benoît Maxwell assume avec brio son double emploi, en particulier celui de Benoît qui lui permet de faire une composition désopilante. Jongmin Park possède un timbre de bronze et un grave profond. Son Colline digne et plein de compassion capte l’attention, notamment lorsqu’il propose une « Vecchia Zimara » tout en délicatesse et chargée d’émotion. Le timbre clair et sonore de Sean Michael Plumb, son chant nuancé et son indéniable présence scénique font de lui un Schaunard qui ne passe pas inaperçu. Doté d’un timbre plus sombre, Lucas Meachem, grand habitué de la scène new-yorkaise et en particulier du rôle de Marcello, qu’il incarnait déjà lors des représentations de 2018, possède une voix solide et efficace. Heidi Stober a fait ses débuts professionnels en 2001 en Lisa (La sonnambula). Elle a inscrit à son répertoire voici une quinzaine d’années le rôle de Musetta, qu’elle incarne avec un abattage indéniable et une ligne de chant élégante dans son air « Quando m’en vo’ ». Son personnage, à la fois exubérant et glamour au deuxième acte, est particulièrement touchant au quatrième.

Après ses débuts remarqués in loco dans Tosca l’an dernier, Freddie de Tommaso est de retour sur la première scène new-yorkaise pour incarner un Rodolfo à la fois solide et émouvant. Doté d’une véritable voix de lirico-spinto, ce jeune ténor anglo-italien est en train de gravir une à une les marche du succès, comme en témoignent ses récents triomphes sur les scènes européennes, Barcelone, Vienne et Londres où il incarnait en septembre dernier, un Cavaradossi percutant aux côtés d’Anna Netrebko. Dès son premier air, on est frappé par son opulence vocale, la solidité de son medium et la plénitude de ses aigus insolents. Son style n’est pas sans rappeler celui des ténors italiens d’antan, notamment le jeune Di Stefano a qui on le compare quelquefois. Son Rodolfo viril et passionné au premier acte, laisse éclater son désespoir de façon poignante lors du tableau final. Enfin, la jeune Juliana Grigoryan constitue une immense surprise. Sa Mimi éblouissante se hisse d’emblée au niveau des grandes interprètes du rôle. Lauréate de plusieurs concours internationaux dont Operalia en 2022, la soprano arménienne possède un physique de jeune première. Son visage d’une grande beauté a conservé un sourire ingénu d’adolescente. Quant à sa voix fraîche, à la fois délicate et puissante, autant qu’on en puisse juger au cinéma, elle dispose d’un grave sonore, d’un medium pulpeux et d’un registre aigu rond et lumineux. Le timbre, homogène, ne manque pas de séduction, la ligne de chant est nuancée et l’incarnation particulièrement subtile. Autant d’atouts assez rare chez une cantatrice aussi jeune qui, n’en doutons pas, a une carrière prometteuse devant elle.  

Au cours de l’entracte, Keri-Lynn Wilson explique à quel point elle aime cette partition qu’elle maitrise parfaitement et dirige avec fougue, trouvant le juste équilibre entre les scènes de pure comédie et les passages les plus dramatiques. Elle adopte des tempos mesurés au premier acte, et fait sonner avec éclat durant tout le deuxième, l’orchestre rutilant du Met. Le dernier tableau en revanche, est conduit avec une retenue qui crée un climat angoissant en accord avec la tragédie finale.

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C’est une distribution sans faille jusque dans les rôles secondaires qui nous est proposée. Nicholas Newton imprime au personnage d’Alessio une présence solide et une voix ronde et sonore. Deborah Nansteel possède un timbre corsé et enveloppant, d’une grande douceur, qui convient idéalement à son personnage de mère protectrice. Sidney Mancasola est une aubergiste accorte, dont le timbre pointu sied idéalement à ce personnage de rivale envieuse et perfide. De plus la soprano américaine possède une voix agile et un aigu percutant. Alexander Vinogradov, est l’un des triomphateurs de la soirée. Sa cavatine « Vi ravviso o luoghi ameni » est interprétée avec un timbre rond et suave du plus bel effet, la cabalette qui suit témoigne de son agilité et se conclut par un grave profond et sonore. Doté d’un physique de jeune premier, Xabier Anduaga possède une voix claire et homogène. Son air d’entrée « Prendi : l’anel ti dono » met en valeur son impeccable legato et sa capacité à nuancer avec élégance sa ligne de chant. Si l’on admire sa technique souveraine et sa musicalité, on regrette cependant une certaine froideur dans son interprétation tant vocale que scénique, péché véniel qui se corrigera, n’en doutons pas, avec le temps et l’expérience. Enfin Nadine Sierra, à l’apogée de ses moyens, donne l’impression de pouvoir faire ce qu’elle veut de sa voix, trilles, vocalises, notes piquées sont exécutés avec une facilité déconcertante. Son timbre aux reflets ambrés et l’insolence de ses suraigus éblouissent l’auditoire de bout en bout. Fine comédienne, elle campe une Amina à la fois émouvante et déterminée. Mentionnons enfin la performance des chœurs qui caractérisent avec conviction cette foule austère et changeante.

A la tête d’un Orchestre du Metropolitan Opera fidèle à sa réputation d’excellence, Riccardo Frizza, en grand habitué de l’œuvre, propose une direction à la fois fluide et équilibrée.

Le 8 novembre prochain, le Metropolitan Opera retransmettra dans les cinémas du réseau Pathé Live, La Bohème sous la direction de Keri-Lynn Wilson.

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Sources : NY Times & Broadwayworld.

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