L’originalité de la lecture, ce qui la rend unique et mémorable, ne tient pas tant en un choix particulier de tempi ou en une volonté systématique de contrastes mais en une somme d’intentions, toutes à propos, et en une tension permanente qui ne desserre son étreinte que pour empoigner davantage. Le bras commande d’un geste lent, souvent indéchiffrable, parfois même imperceptible ; l’Orquesta de Cadaqués, hypnotisé, obéit. Ovationné à la fin du concert, l’Orféon Donostiarra sait être aussi uni et précis que nuancé sur une échelle sonore allant du murmure à l’éclat le plus orageux. 

Dommage que Nicola Alaimo, rendu aphone par une laryngite, ait dû céder sa place à Fernando Latorre, moins basse que baryton, mal assuré et pénalisé par un nombre insuffisant de répétitions. Fidèle à son interprétation d’Arnold à Monte-Carlo puis à Paris en début d’année, Celso Albelo ne recule devant aucune des notes les plus exposées du « Cujus animam », toutes conquises en voix de poitrine, sans que l’excès d’héroïsme n’entrave ailleurs l’afflux des sentiments. Reine blessée en première partie, le temps d’une Morte di Didone que la direction d’Alberto Zedda a rendu haletante, la chair à vif et l’aigu perçant, Maria José Moreno se consume dans le brasier d’un « Inflammatus » trop ardent pour son soprano léger. Mais dans le « Quis est homo », tout ce que la voix peut avoir d’acéré se voit tempéré en une complémentarité bienvenue par le mezzo onctueux de Marianna Pizzolato. Si le ciel s’entrouvre d’ailleurs ce soir pour nous laisser deviner la félicité promise, c’est assurément le temps d’un « Fac, ut portem » déroulé comme un ruban de caramel : ambré, miellé, étiré en certains sons qui semblent ne pas vouloir finir, égal sur la longueur, souple et brûlant. 

Comme à chaque fois avec Zedda, les soupirs recueillis du « Quando corpus morietur » cèdent sans transition aux coups de boutoir des « Amen » conclusifs et comme à chaque fois, ce n’est pas par la vitesse que cet ultime numéro ouvre des abîmes vertigineux mais par le déferlement sonore qui, peu à peu, submerge l’auditeur, brassé par le flot choral, secoué, transporté, retourné, abandonné lors du rappel des premières mesures de l’introduction, puis repris et de nouveau chahuté, bousculé, chaviré tel le galet brimbalé par les vagues de l’Atlantique, à quelques pas du Kursaal, sur la plage de la Zurriola.

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Car il y a en effet un avant et un après la césure de l’entracte. Si « Tomba degli avi miei » ne lui pose aucun problème perceptible et met en valeur le subtil équilibre de sensibilité et d’élégance qui caractérise l’art de ce chanteur, il en va autrement de « Salut ! Demeure chaste et pure », où il prend bien l’élan nécessaire pour atteindre les crêtes, mais où l’on sent l’effort, comme on le sentira dans « O Nature pleine de grâce ». Il est juste de dire qu’à son entrée en scène le ténor nous avait paru fatigué, peut-être éprouvé par la chaleur, et qu’un autre soir cette tension aurait été probablement moins perceptible. Il n’en reste pas moins que cette première partie nous laisse et perplexe et frustré. Perplexe parce que Werther est au programme du chanteur la saison prochaine à Barcelone et que le rendu des extraits chantés ce soir ne garantit pas a priori la réussite, nous voulons dire : une réussite à la Juan Diego Florez, lui qui nous a habitués, dans la prudence avec laquelle il gère son répertoire, à un sans-faute quasi permanent. Et frustré parce que tout en comprenant le désir du ténor de se mesurer à des rôles plus exigeants en termes de puissance le résultat, tout honorable qu’il soit, n’est pas à la hauteur de ce qui l’a rendu unique dans le répertoire de ses débuts, cette enivrante illusion qu’il lui suffisait d’ouvrir la bouche pour enchaîner sans effort agilités et sauts d’octave.

Teresa Berganza reçoit l’hommage de Juan Diego Florez © DR

Que s’est-il passé durant l’entracte ? Délivré de la tension que pouvaient générer des airs redoutables, l’artiste s’est-il rasséréné ? L’impression sera unanime : Juan Diego Florez nous est revenu , faisant des airs de Fernando « Un ange, une femme inconnue » ou de Gennaro « T’amo qual s’ama un angelo » des condensés de lyrisme où l’apparente sincérité du sentiment passe dans les miroitements d’une voix alliant l’ardeur à la caresse. C’est avec le même bonheur qu’il chantera Roméo, et l’on serait prêt à dire aussi Pâris si le deuxième é de « Evohé » n’était régulièrement nasal, peccadille qui ne prend de relief qu’au sein d’un flux délicieux et restera circonscrite. A l’enthousiasme du public, qui est allé croissant avec les performances vocales jouant de la longueur du souffle et de la tenue des aigus,  il sera répondu par quatre bis, qui soulèveront encore plus le délire et provoqueront un standing ovation de stade. Des tubes comme  «  La donna è mobile  » et « Una furtive lagrima » encadrent l’air plus rare de Jerusalem qui fait partie des « airs de baule » du ténor. Pourtant, c’est le premier bis qui, loin des habiletés apprises avec le temps et le métier, nous fera fondre, cette Malagueña  salerosa dédiée si gracieusement à la princesse en rose fuchsia du premier rang du balcon, Teresa Berganza, venue la veille pour participer à l’hommage à Victoria De Los Angeles. Avec la guitare noire et blanche qu’il avait prise en coulisse pour s’accompagner, Juan Diego Florez renoue avec l’adolescent facétieux qu’il fut, mais dans sa langue maternelle il distille un philtre intemporel. Puisse-t-il, quelles que soient ses curiosités ou ses témérités, revenir toujours à ce répertoire populaire et immémorial, qui n’a rien pour lui du cross over, où ses racines s’expriment avec un charme irrésistible et dont son art de chanteur fait un authentique bijou vocal !

Dans ces conditions, la prestation de l’Orchestre de Cadaquès et la direction, proprement troublante dans le ballet des Troyens, littéralement massacré par des tempi sirupeux ou des accents de tyrolienne – recueillent eux aussi des applaudissements, si bien que rien ne gâche le triomphe. Que nos amis catalans nous pardonnent ce vocabulaire de course de toros, encore une faena menée à bien  !

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La nôtre est la suivante : pour discutables que soient certaines options du chanteur, les sons mourants et les notes en voix mixte sur le fil, les passages où il allège quasiment jusqu’à la rupture – mais il l’évite –  et ceux où un chuchotement se substitue à l’éclat possible, elles relèvent de la même logique, celle d’un interprète plus soucieux de faire de la musique que de mettre en valeur sa voix. Sans doute peut-on, en hédoniste, regretter les éclats dont il nous prive quand ceux dont il nous gratifie sont galvanisants. Mais il nous semble particulièrement mal venu de reprocher à un chanteur de se comporter en artiste et non en histrion, particulièrement un soir où son émission est quasiment exempte des sonorités en arrière qui créent parfois des perplexités.  Tout au long de ce programme, où se mêlent des airs de ses enregistrements passés et à venir, on ne perçoit pas qu’il ait un autre but que celui de servir le texte et la musique, sans jouer le moins du monde au divo.  De l’amertume désespérée de Don Carlo, révolté par la décision d’un père tout-puissant, à  la soumission passionnée de Rodrigue aux desseins du Père Tout-Puissant, en passant par la foi de Manrico dans son union avec Leonora fût-ce dans la mort, et l’appel  déchirant du proscrit Alvaro à celle qu’il croit morte et prie comme une sainte, les puristes sauront chipoter sur tel ou tel accent vocal. Nous les laisserons à leur délectation morose, tant la vie et la noblesse que le chanteur confère à ces personnages rendent émouvantes leurs douleurs au point que la performance passe au second plan. Car, et c’est encore à l’actif de Jonas Kaufmann, il n’en rajoute jamais dans l’effet vocal, on pourrait même dire que c’est son style d’émouvoir le plus en en faisant le moins. D’aucuns ricaneront : il n’est pas à la hauteur ! Nous sommes persuadé du contraire.

A cette première partie italo-française succédait Wagner, dans une progression aussi cohérente. Le monologue de Siegmund dans  La Walkyrie, où l’épreuve des appels  (« Wälse ! Wälse !) est franchie de façon encore plus triomphale et spectaculaire que dans l’enregistrement, est suivi de deux des Wesendonck Lieder liés par le thème du passage (la mort) qui conditionne le renouveau de la vie, que le ténor s’approprie sans en outrer l’intensité. En guise de conclusion, la vision hallucinée de Parsifal  au terme de laquelle il repousse Kundry, où douleur et angoisse sont d’autant plus déchirantes qu’elles sont plus contenues. Même les cigognes qui résident à l’année sur les toits en oublient de craqueter, et le silence dure plusieurs secondes avant que la houle des applaudissements ne submerge l’espace. De tiède après l’extrait de Don Carlo le public est désormais à incandescence. Jonas Kaufmann vient d’imposer ses interprétations avec une maîtrise telle qu’elles en deviennent des références, faisant mentir la réputation des ténors et de leur faiblesse d’esprit. Car au-delà de la beauté vocale que ses moyens lui permettent, c’est la puissance de l’incarnation qui ravit littéralement par sa force prenante, ne laissant aucune place au doute.

Un bonheur ne venant jamais seul, il en est deux autres, l’engagement de l’orchestre et la direction de Jochen Rieder. Composé dans sa grande majorité de jeunes musiciens, l’orchestre de Cadaquès se montre sous un jour flatteur, avec une remarquable section de cuivres, des vents dont certains proprement virtuoses, et des cordes expressives et homogènes tout au long du copieux programme. Même si leurs Wagner n’étaient pas aussi nuancés qu’on aurait pu les rêver leur prestation  est sensiblement nourrie d’un enthousiasme qui la valorise. A la tête de l’ensemble, Jochen Rieder séduit d’emblée par la netteté continue des divers plans plans sonores qu’il sait obtenir, ce qui en dit long sur son talent compte tenu du nombre restreint de répétitions ; ses tempi sont à la fois justes et adaptés à un chanteur dont il est un fréquent partenaire depuis une douzaine d’années. Leur entente palpable n’a pas peu contribué à la réussite du concert, que l’enthousiasme inlassable du public a prolongé jusqu’à obtenir que sans se départir de sa réserve élégante le ténor concède un, puis deux, et de standing ovation en standing ovation  jusqu’à quatre bis, « Donna non vidi mai… » de la Manon Lescaut de Puccini,  le lamento de Federico de L’Arlesiana à faire renifler, et deux airs de Lehar, un tiré de Paganini et l’autre du Pays du Sourire qui annoncent un disque futur. A l’heure du bilan, dira-t-on que le chant de Jonas Kaufmann est raffiné jusqu’à la préciosité, voire jusqu’au maniérisme ? On pourrait. Loin de lui en faire le reproche nous lui savons gré de ne pas se contenter du minimum qui consisterait à faire briller sa voix. Sa démarche artistique est risquée. Elle lui acquiert notre sympathie et notre respect.

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