Après avoir dirigé l’Accademia Teatro alla Scala, une école de jeunes chanteurs à Milan, elle appela de ses vœux la création d’un concours de chant lyrique en Turquie. La première édition de la « Leyla Gencer Voice Competition » eut lieu en 1995. La compétition révéla de nombreux chanteurs, comme Marcelo Álvarez, Pretty Yende, Nino Machaidze ou bien encore Anita Rachvelishvili (troisième prix en 2008 !). Elle est aujourd’hui chapeautée par la Fondation d’Istanbul pour la Culture et les Arts, le Borusan Sanat et l’Accademia Teatro alla Scala. Pour la dixième édition de la compétition, le président du jury est Stéphane Lissner, surintendant du Teatro San Carlo de Naples, entouré de deux chanteurs et de personnalités représentant diverses maisons d’opéra (le Deutsche Oper, la Scala, le Royal Opera House et l’Opéra de Tbilissi).

Après avoir épluché la centaine de candidatures reçues cette année, le jury a appelé 42 jeunes chanteurs et chanteuses à se rendre aux quarts de finale pour être entendus dal vivo. Venait ensuite l’étape de la demi-finale, au terme de laquelle 8 chanteurs ont été choisis – cinq sopranos, une mezzo, un baryton et une basse – pour présenter un air devant le jury et un public venu nombreux ce soir-là au Cemal Reşit Rey Concert Hall.

L’ordre de passage suivant l’ordre alphabétique, c’est à la soprano mexicaine Fernanda Allande que revient la difficile tâche d’inaugurer la finale de la compétition, avec l’air de Thaïs « Dis-moi que je suis belle ». Le matériau vocal est assez impressionnant, le timbre riche, la tessiture maîtrisée, mais elle masque difficilement une anxiété bien compréhensible : la tenue de la ligne s’en ressent et le jeu est affecté. Ses mérites ont tout de même été salués par le jury, qui lui décerne le prix spécial du « Royal Opera House Jette Parker Young Artists Programme ».

Lui succède ensuite le belge Leander Carlier, le plus jeune chanteur de cette finale, avec l’air de Die tote Stadt « Mein Sehnen, mein Wähnen », choix original si on le compare aux autres airs chantés ce soir-là. Le timbre est celui d’un baryton, mais les graves sont assez peu étoffés, tandis que les aigus sonnent clairs et solides. Son interprétation témoigne par ailleurs d’une musicalité rare : le chanteur colore sa voix de pudiques demi-teintes et conduit son phrasé avec une élégance infinie. Ce moment délicat et suspendu ne semble pas avoir marqué le jury, qui ne lui accorde aucun prix, hélas. On peut se demander s’il ne pourrait pas s’épanouir plus amplement dans le domaine de la mélodie et du Lied, mais une telle finesse est précieuse aussi dans le répertoire opératique.

Seule autre interprète à repartir bredouille de la compétition, Anna Erokhina possède une voix de mezzo qui a tendance à s’acidifier dans les aigus, avec une émission pharyngée pas toujours plaisante. Son interprétation de « O mio Fernando », extrait de la version italienne de La Favorite de Donizetti, ne manque pas de caractère, mais le rendu est stylistiquement peu orthodoxe, ce qui a pu déplaire au jury. Les graves sont cependant émis d’une voix de poitrine bien projetée et péremptoire, ce qui laisse penser que des rôles avec un centre de gravité bas pourrait mieux lui convenir.

La soprano géorgienne Anna Imedashvili présente, dans l’air extrait d’Un ballo in maschera « Ecco l’orrido campo », une voix plutôt voilée, avec une palette de couleurs assez limitée et peu de variations dynamiques. L’artiste est cependant très émouvante, d’une belle stature, ce qui lui permet de remporter malgré tout le prix spécial de l’Opéra de Tbilissi.

Accueillie par les membres d’un fan club venus nombreux, la soprano turque Nazlıcan Karakaş est ici chez elle et c’est avec un aisance non dissimulée qu’elle entame la valse de Juliette issue du Roméo et Juliette de Gounod. Le timbre est charmant, fruité, mais le chant manque de soutien, ce qui donne l’impression qu’elle chante souvent trop bas. Chaque effet vocal est annoncé au public avec une complicité évidente et l’interprétation est vivifiée par son air espiègle, ce qui donne une grande fraîcheur au personnage de Juliette. Sans surprise, elle reçoit le prix du public, mais aussi le deuxième prix du jury, ce qui nous étonne personnellement, mais la décision d’un jury, comme les avis d’un critique, reste amplement subjective.

Les trois derniers interprètes sont justement, pour nous, des révélations. Maria Knihnytska, d’abord, soprano ukrainienne de 29 ans qui a toutes les qualités possibles : un timbre séduisant, une présence scénique remarquable, un art du legato consommé et une technique qui lui permet de colorer élégamment son interprétation de « So anch’io la virtù magica ». Cet air virtuose et difficile de Donizetti est exécuté, nonobstant les trilles absents, d’une manière proche de l’idéal, d’autant plus que l’interprète incarne son personnage des pieds à la tête. Elle n’obtient que le troisième prix du jury, mais elle est assurément une chanteuse à suivre de près !

Récompensé par plusieurs prix – le prix spécial du Deutsche Oper, le prix spécial de l’orchestre Borusan et surtout le premier prix du jury – HuanHong Li est une basse chinoise impressionnante. Il déploie dans l’air de la calomnie du Barbier de Séville une voix riche et ample, solide sur l’ensemble de la tessiture. Ses mimiques faciales sont un peu exagérées pour illustrer la fourberie de Basilio, mais cela fait partie des attendus qui comblent le public. Après avoir reçu le premier prix, il est invité à bisser son air, où il se révèle encore plus à l’aise, maîtrisant superbement son instrument, jusqu’à un aigu final interpolé qui finit de mettre la salle en délire.

Enfin, c’est à la soprano mexicaine Jennifer Mariel Velasco de s’avancer, habitée, avant même de chanter, d’une charge émotionnelle renversante. La voix n’est pas des plus belle, car le vibrato est vraiment très présent, mais elle sait conduire son instrument là où elle l’entend et sa version de l’Hymne à la lune de Rusalka est l’une des plus sensibles qu’on puisse imaginer. Avec elle, on a l’impression de comprendre le tchèque, tant elle est pénétrée de la situation du personnage et impose sa présence frémissante. Alors qu’elle devait repartir sans récompense, Stéphane Lissner crée pour elle un prix surprise, le prix spécial du Teatro San Carlo, pour l’inviter à venir chanter un récital à Naples. Grâce lui soit rendue, car de telles personnalités artistiques sont rares et méritent d’être connues.

Le Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra n’a rien à envier aux phalanges les plus réputées et peut faire valoir ses qualités dans deux morceaux orchestraux, l’Intermezzo de Manon Lescaut de Puccini et la Sinfonia de La forza del destino de Verdi. Les instrumentistes jouent avec un enthousiasme visible et plusieurs solistes impressionnent, notamment parmi les bois. Pietro Mianiti, un de leurs directeurs musicaux, dirige l’ensemble de la soirée avec beaucoup de probité mais sa battue se fait parfois trop lente.

Cette soirée pleine de promesses se referme sur la remise des prix, accueillie par un public exalté et comportant de nombreux spectateurs jeunes, ce qui laisse beaucoup d’espoir sur l’avenir de l’opéra en Turquie et ailleurs, tant du côté des chanteurs que du public. C’est à cela que nous invite les compétitions de « voix nouvelles » ou de « jeunes voix » : l’espérance d’une continuité artistique et d’une communion renouvelée autour de cette forme d’art plutôt tournée vers le passé mais qui peut aussi être une promesse d’avenir.

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Quelle(s) pièce(s) emporterais-je sur une île déserte ? « Le spectre de la rose » (Berlioz, Les nuits d’été) et « Wiegenlied » (R. Strauss).

Quelle chanteuse me touche au plus profond par son seul timbre, indépendamment de toute interprétation ? Joyce DiDonato.

Le lecteur sait maintenant à quoi s’en tenir : l’objectivité du critique est, au mieux, un idéal et, au pire, une supercherie. Mais c’est d’art lyrique que nous parlons – d’art lyrique mais aussi d’émotions et de ressentis – et c’est donc depuis un fauteuil particulier que nous écrivons. Si l’on veut que la critique garde un sens, il suffit d’admettre qu’elle est toujours située.

Ces précautions méthodologiques posées, venons-en à la prestation qui nous occupe. Articulé autour de pièces de Berlioz et Richard Strauss, le programme du récital donné par Joyce DiDonato et le Borusan International Philharmonic Orchestra, dirigé par Carlo Tenan, tire sa cohérence de ces deux compositeurs et, sans doute plus fondamentalement, du rapport affectif de l’interprète aux pièces choisies. Les Lieder et autres airs sont en effet extraits des cycles (ou des opéras)  dans lesquels ils s’inscrivent, ce qui ne dessert nullement l’homogénéité du propos. Les pièces sont connues, certaines ont d’ailleurs déjà fait l’objet d’enregistrements, et l’on s’étonne dès lors de voir la chanteuse souvent rivée à ses partitions. Mais c’est ce que nous entendons qui importe.

Le Borusan International Philharmonic Orchestra ouvre le programme par la « Marche hongroise » de La Damnation de Faust. Le ton est martial, comme il se doit, mais manque néanmoins d’une souplesse qui amènerait davantage de mouvement (imagine-t-on une marche figée ?). Les cuivres sont lumineux et les cordes puissantes et homogènes. D’emblée, l’on entend un orchestre engagé et dynamique – incisif même dans la « Grande fête chez Capulet ».

Le premier air de la mezzo, « Premiers transports que nul n’oublie » (Berlioz, Roméo et Juliette), est un condensé d’émotions : quelques arpèges de harpe et une première phrase menée d’un seul souffle dans un legato parfait suffisent à exprimer la maîtrise d’une interprète accomplie. On connaît son timbre : rond, velouté, enveloppant et même caressant. La projection est naturelle et le souffle, jamais pris en défaut, toujours au service de la phrase. D’une manière générale, toutefois, les fins de phrases amenées en decrescendo pourraient être mieux menées à leur terme. Le « D’amour l’ardente flamme » (Berlioz, La Damnation de Faust) déçoit un peu, peut-être parce que la magie du timbre n’opère plus aussi intensément. L’investissement dans le texte est moins abouti et les graves atteignent leurs limites, amenant la chanteuse à « poitriner » certaines notes. Le dialogue avec le cor anglais est superbement mené et son « dans ce baiser d’amour », presque chuchoté à la fin, est un instant fugitif mais sublime.

« Le spectre de la rose » (Berlioz, Les nuits d’été) clôt la première partie. Ici, les graves sont larges, pleins, somptueux et toujours lumineux (au regard de la pièce qui précède, ils sont amenés très différemment). On relève quelques défauts de prononciation qui étonnent quand on connaît la qualité habituelle des interprétations de la mezzo (des sons comme le « ou » de « tout » ou « ui » de « suis » sont fondus en une longue voyelle américanisante) – sans doute s’agit-il d’inattention et d’un petit manque de préparation. Mais, au-delà de ces commentaires techniques sans grand intérêt, il importe d’abord de souligner l’investissement d’une interprète au sens plein du terme. Joyce DiDonato vit ce qu’elle chante, et si une voyelle dissidente traîne encore, il est évident qu’elle a une compréhension parfaite de son texte et qu’elle rend les émotions qu’il demande avec une justesse absolue.

L’orchestre ouvre vaillamment la seconde partie du récital avec la suite de Der Rosenkavalier (R. Strauss). Le défi est d’envergure, tant par la longueur de la pièce, que par sa difficulté évidente d’interprétation. Défi globalement relevé, avec une pointe adéquate de pathos maîtrisé. Les transitions pourraient toutefois être amenées de manière moins abrupte et plus fluide (ce qui est d’une difficulté redoutable dans cette musique où tout n’est que retenue et relâchement).

Dans le « Wiegenlied » (R. Strauss), on regrette un orchestre trop présent, là où son intervention devrait rester diaphane. Le parti-pris semble avoir été de proposer une interprétation exploitant le côté sombre du lied. Cela peut surprendre mais se comprend dès lors que l’on admet qu’il ne s’agit pas seulement d’amour, mais peut-être aussi de mort : « da die Blume seiner Liebe diese Welt zum Himmel mir gemacht ». Le « Muttertändelei » (R. Strauss) est léger mais les petites vocalises qu’il contient auraient pu être mieux dirigées, ce qui aurait sans doute évité certains assombrissements de la voix. « Morgen » puis « Zueignung » (R. Strauss) clôturent le récital par une démonstration de maîtrise vocale et interprétative exemplaire.

Au terme de l’écriture de ce texte, il semble que le partage objectif-subjectif renvoie à un partage technique-émotions. C’est que l’exercice demande à être encore affiné. Quoi qu’il en soit, à l’opéra, ce sont les émotions qui importent. 

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Et c’est par ce Borusan Philharmonic Orchestra qu’on commencera. En en louant les innombrables qualités. Et l’intelligence avec laquelle le chef Thomas Rösner les met en valeur. Il a bien compris qu’il ne servait à rien de chercher à faire du son germanique à la façon de Vienne, de Dresde ou de Berlin, ce qui serait de toute façon moins bien que ce que les « originaux » peuvent offrir. Il va au contraire s’ingénier à faire ressortir toute la verdeur et l’alacrité de sa phalange stambouliote. L’orchestre déroule une légereté, un rebond qui sont un pur régal, et nous font percevoir des pages aussi connues que le Prélude des Meistersinger sous un jour nouveau. Dans les Lieder, il sait se faire discret mais caressant, tout en gardant quelques piques au sein de son pelage, notamment des bois délicieusement pincés. Et la qualité de la prise de son, fouillée mais cohérente, nous permet de plonger jusqu’au coeur de cette belle mécanique. Voilà assurément la découverte de ce CD. On espère que l’éditeur aura encore d’autres occasions de mettre cet ensemble en valeur.

Du côté du chant pur, le bilan est plus mince. C’est que Daniel Behle n’a guère plus à offrir que ce qu’il est. C’est déjà pas mal : voilà un chant propre et probe, impeccable techniquement, avec une projection probablement bien aidée par les micros. Les choses commencent bien, avec un « Cäcilie » qui parvient à émouvoir et à traduire l’impatience des jeunes fiancés. Mais dès le « Ruhe meine Seele » qui suit, la blancheur de la voix et la monotonie de l’expression deviennent envahissantes, et le ténor ne parviendra plus vraiment à accrocher l’oreille. Tout cela est bel et bon, mais simplement insuffisant pour nous convaincre qu’une voix masculine ait quelque chose à nous dire dans ce répertoire. Surtout si on fait la liste des concurrentes féminines. Pour ce qui est de Wagner, le Récit du Graal de Lohengrin convient bien à cette voix un peu éthérée, le Preislied parvient tout juste à convaincre (mais comment rater cette page, surtout porté par un tel orchestre ?), mais le Récit de Rome de Tannhäuser expose une grenouille qui veut se faire plus grosse que le bœuf, et qui compense son manque d’envergure par des effets un peu grimaçants. A ranger plutôt au rayon des curiosités que des vraies réussites.

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Animée avec une sobre énergie par l’acteur Halit Ergenç, personnalité très populaire en particulier à Istanbul, la soirée commence, après un hommage à Leyla Gencer, dont une image trône au-dessus de la scène, par l’exécution de l’ouverture de Guillaume Tell, en mémoire de Rossini pour le cent-cinquantième anniversaire de sa mort. L’orchestre  philharmonique de la Fondation Borusan d’Istanbul est placé sous la direction de Pietro Mianiti, violoniste de formation, qui enseigne la direction d’orchestre à l’Accademia de la Scala. Est-ce la jeunesse de la majorité des musiciens qui l’incite à adopter d’abord un tempo qui nous semble bien lent ?  En tout cas l’orchestre répond avec justesse et précision, et ces atouts se maintiendront tout au long du concert, quelle que soit la pièce jouée. L’ouverture d’Attila donnée en prélude à la lecture du palmarès confirmera la qualité des instrumentistes, parmi lesquels un nombre important de musiciennes.

Neuf candidats sont parvenus en finale. La Sud-Coréenne So Young Park ne figurera pas au palmarès, et pourtant sa Marguerite, dans l’air des bijoux de Faust, révèle une voix souple, un timbre agréable et une extension suffisante. En outre le français est largement compréhensible et l’interprétation d’une sobriété conforme à l’innocence du personnage. Lui succède Sara Rossini, Italienne qui chante l’air d’entrée d’Amelia « Come in quest’ora bruna » tiré de Simon Boccanegra. L’interprétation est sensible, la voix souple et bien tenue, mais l’expression de la marée interne que le spectacle de la mer éveille chez le personnage manque de force. Pourquoi Chiara Tirotta, dont le rondo d’Angelina tiré de la Cenerentola nous a séduit, n’est-elle pas primée ? La couleur du timbre, la souplesse, la qualité des agilités, celle des vocalises, le choix des ornements, autant d’indices qui indiquaient pourtant une interprète qui chante pour faire de la musique et non un numéro acrobatique. 

Leur succède Selin Uzun, dont le « Si, mi chiamano Mimi » est charmant malgré un timbre un peu anonyme, mais dont la voix menue ne passe aussi bien que d’autres, alors que l’orchestre est retenu au maximum. Puis vient le tour de Piotr Buszewski, dans « La donna è mobile ». La voix est claire, assez ferme, les aigus attendus sont là, mais l’interprétation manque de relief, d’accents, d’ironie, et son troisième prix nous laissera perplexe ; selon une confidence d’un membre du jury, c’est la régularité de ses prestations qui le lui aurait valu. En dépit de son nom, Anna Doris Capitelli représente l’Allemagne ; elle remportera le deuxième prix, en présentant la cavatine de Rosine, « Una voce poco fà » dans une interprétation qui a séduit certains collègues mais qui nous a semblé manquer un peu de fraîcheur, tant le souci de composer était perceptible. Le timbre ne nous a pas subjugué mais la voix semble bien homogène.

Ezgi Karakaya brandit le prix que vient de lui remettre Renato Bruson © dr

Les trois derniers chanteurs sont Turcs. Ezgi Karakaya, dès qu’elle entame « O mio Fernando » de la version italienne de La Favorite, révèle un tempérament expressif  qui donne à son chant, qui affronte les sauts de registre sans rien perdre de sa fermeté et de son homogénéité, une présence communicative. Elle respire l’exaltation sentimentale de la femme désespérée sans verser dans l’outrance, exercice difficile où excellait Leyla Gencer, donizettienne majeure. C’est fort beau et cela le sera davantage encore quand, après avoir reçu le Premier prix, le prix spécial décerné par l’orchestre et le prix du public, qui avait pu voter pendant la délibération du jury, elle bissera son air. Avant ce moment de triomphe, nous aurons entendu le baryton Faik Mansuroglu dans l’air de Renato « Eri tu che macchiavi quell’anima » tiré de Un ballo in maschera ; l’émission est très contrôlée mais quelques sons viennent dans les joues et surtout une tension peu agréable se perçoit dans la zone aigüe. C’est dommage car les intentions expressives sont justes et il se verra décerner le prix spécial du Programme Jette Parker pour les jeunes artistes du Royal Opera House. Dernier concurrent, le baryton-basse Doğukan Özkan se lance dans « Ombra di mia prosapia » extrait de La Gioconda. Même si l’interprétation nous semble manquer de présence, la couleur de la voix et la justesse des intentions sont notables et il remporte le prix spécial créé par le Deutsch Oper de Berlin, avec un engagement à la clé.

Faut-il le dire ? Le palmarès, où les chanteurs locaux se font la part belle, déchaîne l’enthousiasme. Mais au-delà d’un chauvinisme possible, voire probable, ce sont bien des manifestations d’amour pour une forme d’expression artistique que d’aucuns en Turquie pourraient considérer d’un mauvais œil, comme antipatriotique. Peut-être au fond des ovations adressées à Renato Bruson lors de la remise des prix flottait chez quelques têtes chenues la nostalgie de Leyla Gencer, dont il fut souvent le partenaire. Mais les manifestations de joie les plus bruyantes émanaient des plus jeunes, si attentifs et si présents. N’y a-t-il pas de quoi être optimiste sur l’avenir de l’art lyrique en Turquie ? Leyla Gencer disparue, son œuvre continue. Grâces soient rendues aux fidèles qui la perpétuent, et en particulier au mécénat de la Fondation Borusan pour les arts.

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