La remise du prix a eu lieu en présence des souverains de Suède, le roi Carl XVI Gustaf et la reine Silvia, lors d’une soirée de gala où se sont succédé discours et musique. Un hommage émouvant a été rendu à Pierre Audi, directeur historique du Festival d’Aix-en-Provence, qui avait appris la distinction quelques semaines avant sa disparition. Sur scène, Susanna Mälkki dirigeait le Royal Stockholm Philharmonic et le Royal Swedish Opera Chorus dans quelques pages emblématiques du répertoire. Parmi les temps forts : la sérénade de Don Giovanni et la Romance à l’étoile de Tannhäuser, hissées à la hauteur de l’événement par le baryton suédois Peter Mattei. Les lauréats de la bourse Birgit Nilsson étaient aussi à l’honneur : la soprano Matilda Sterby (2024) a interprété un extrait d’Innocence, l’opéra de Kaija Saariaho créé avec le succès que l’on sait au Festival d’Aix-en-Provence en 2021, tandis que le ténor Daniel Johansson (2009) a bravement affronté le finale du dernier acte de Tannhäuser. La cérémonie était diffusée en direct et peut être visionnée dans le monde entier sur Konserthuset Play pendant trente jours.

Récompenser un festival représente une évolution notable du Prix Birgit Nilsson. Elargir son horizon aux institutions capables de créer, commander et diffuser l’opéra envoie un signal fort : la vitalité de l’art lyrique ne tient plus seulement aux artistes mais aussi aux structures et à la création.

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Le reste du programme permet à la pléthorique phalange suédoise de laisser éclater son art consommé de la nuance jusqu’au fortissimo comme dans l’Allegro con anima et plus encore dans l’Andante Cantabile de la Symphonie N° 5 de Piotr Ilitch Tchaïkovski. La sensualité de la pâte sonore régale l’oreille tout au long de la soirée sous la direction ample de Ryan Bancroft qui sait donner du souffle à son orchestre. La valse se fait presque mutine pour mieux imposer ensuite l’indéniable majesté – « molto maestoso » indique la partition – qui clôt l’œuvre.

Le concert avait débuté avec Liguria, une commande à l’orchestre de la radio suédoise d’une compositrice italienne ayant étudié à Stockholm, Andrea Tarrodi. Toute en évocation impressionniste et confortablement mélodique, la pièce est très réussie. Elle dessine une déambulation dans la péninsule italienne où la paix d’un jour d’été contraste avec le fracas des vagues une nuit de tempête.
Une belle occasion donc, de découvrir le Royal Stockholm Philharmonic Orchestra. Pour applaudir l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg dans ses murs sous la direction du Maestro Gustavo Gimeno – à sa tête depuis dix ans – il faut faire vite car il quittera ses fonctions en mai laissant la place à plusieurs chefs invités pour une année de transition avant que le tout jeune Martin Rajna – transfuge de Budapest et coup de foudre de l’orchestre il y a quelques mois – n’entre en fonction pour ouvrir une nouvelle ère.

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Son nouveau disque propose en effet un programme qui cherche et parvient à créer une succession d’atmosphères, en s’appuyant souvent sur des textes descriptifs. Elle s’inscrit ainsi directement dans la succession de sa compatriote Eleanor Steber, commanditaire et créatrice de Knoxville : Summer of 1915, chef-d’œuvre de Samuel Barber, « rhapsodie lyrique » inspirée par un poème en prose dans lequel James Agee (1907-1955) évoquait sa ville natale. A son tour, Renée Fleming a eu à cœur de susciter une œuvre écrite pour elle, et s’est adressée pour cela au Suédois Anders Hillborg, en lui proposant de s’appuyer sur l’œuvre du poète américain Mark Strand (1934-2014). Quatre poèmes ont ainsi été retenus, pour une œuvre d’une vingtaine de minutes où l’environnement décrit est, comme chez Barber, le prétexte à l’évocation d’un état d’âme. Comme Barber en son temps, Hillborg est adepte d’une modernité très sage mais n’imite pas servilement les anciens, et comme Barber il sait fort bien écrire une musique qui met la voix en valeur et touche l’auditeur. Il n’est d’ailleurs pas défendu en l’écoutant de penser à Dutilleux, dont Renée Fleming avait créé Le Temps l’Horloge. Changement radical d’ambiance, d’écriture musicale et littéraire pour les trois chansons de Björk dont la présence étonne un peu, même s’il y est question d’Emotional landscapes, de paysages affectifs. Que la belle Renée aime le jazz et le cross-over, c’est son droit, mais même avec les arrangements orchestraux dûs à Hans Ek, on a peine à croire que ce télescopage de styles musicaux suscitera beaucoup de conversions.

Pour Knoxville, comme on pouvait s’y attendre, Renée Fleming n’opte pas pour l’ingénuité cultivée par Barbara Hendricks ou Dawn Upshaw, mais son approche très « grand opéra » va même au-delà de ce que proposait une Leontyne Price. Son interprétation est très accentuée, presque surjouée, avec une animation du discours qui semble d’abord quasiment en contradiction avec l’impression de sérénité monotone que dégage le début du texte. La chanteuse utilise d’emblée les couleurs dramatiques de sa voix, quitte à parfois perdre un peu de vue la clarté de la diction. A l’inverse, on est frappé par la superbe transparence des timbres de l’orchestre : les instrumentistes du Royal Stockholm Philharmonic gardent leur calme, et Sakari Oramo s’abstient délibérément de souligner certains grincements ou dissonances mises en valeur par d’autres avant lui, dans cette musique qui sonne un peu comme du Ravel, du Satie et du Poulenc.

On l’a dit, c’est une modernité bien tempérée que celle d’Anders Hillborg (né en 1954) : toujours est-il que Renée Fleming possède grâce à lui une œuvre émouvante et capable d’inspirer une adhésion immédiate de l’auditeur, sans basculer dans la facilité. L’écriture est bel et bien lyrique, avec ses envolées dans l’aigu ou le grave, et ses mélismes sur certains mots porteurs de sens. Pour Björk, en revanche, l’artiste s’invente une voix de variété à laquelle chacun sera plus ou moins sensible selon ses affinités. Question d’atmosphère, sans doute.

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