Note de la rédaction : l'accréditation de Forum
Opéra à l'Opéra de Paris étant conditionnée par des contraintes que nous
considérons comme de l'ingérence à notre ligne éditoriale, nous avons préféré
chroniquer les spectacles de l'institution parisienne sans bénéficier de
places de presse. L'Opéra de Paris nous a donc fait savoir que nous ne
pourrions pas utiliser de photos de leurs productions. Veuillez nous excuser
de ce désagrément mais il nous semble primordial de préserver notre liberté de
parole.
Rolando Villazon est une des
chouchous lyriques du moment ; il est jeune, drôle ; il a un joli coup de
crayon, il sait bouger sur scène… c’est amplement suffisant pour les médias
d’autant que Virgin Classics s’est beaucoup investi pour faire connaître cet
artiste. Côté vocal, deux récitals, l’un italien, l’autre français, ont
démontré son adéquation stylistique à des répertoires fort différents.
Tout serait pour le mieux
dans le meilleur des mondes, si l’art lyrique ne se jugeait aussi (et
peut-être avant tout) à ce qu’un artiste est capable de transmettre sur une
scène. Au risque de passer pour un grincheux, j’avouerai mas très grande
déception devant cette Bohème. Manque de projection et timbre un peu
sourd rendent le premier acte assez pénible ; la transposition de Che
gelida manina d’un demi-ton n’arrange rien, le chanteur ne pouvant
compenser un volume confidentiel par des aigus lumineux ; au deuxième acte,
rien à dire : c’est totalement inaudible ; heureusement, les deux derniers
actes viennent compenser cette médiocre impression, le ténor retrouvant alors
une certaine vaillance, mais non pas sans forcer constamment sa voix. L’acteur
est attachant, mais à tendance à utiliser les mêmes « trucs » d’un rôle à
l’autre.
Certes, le chanteur sait
admirablement ménager son souffle, offrant de superbes diminuendo et son
legato est admirable. Certes l’acoustique de Bastille est impitoyable. Mais il
n’est pas de nuances qui vaillent si elles restent inaudibles. Espérons donc
réentendre rapidement ce jeune artiste dans une salle à sa mesure et dans un
répertoire qui lui sied davantage.
Stefano Secco assure Rodolfo
dans la seconde distribution. Paris l’a découvert à l’occasion du récent
Roberto Devereux du Théâtre des Champs-Élysées. L’interprétation est plus
convenue et le chanteur manque très largement de charisme. Vocalement, il
n’est pas davantage dans son répertoire que Villazon, le rôle demandant une
voix plus large. Malgré un volume vocal lui aussi limité, Secco arrive
largement à passer la rampe par la luminosité de son timbre, qui rappelle de
loin celui de Juan Diego Florez, d’autant qu’il ne transpose pas sa partie (ce
qui nous vaut certes un contre-ut, mais un peu pincé tout de même). Sans avoir
la souplesse de son collègue, il sait réserver quelques moments de vrai beau
chant.
La carrière internationale
d’Angela Marambio n’a démarré qu’en 2002 : c’est dire si cette chanteuse est
jeune et encore largement inexpérimentée (1). La voix est franche, généreuse
(un peu trop pour ce pauvre Villazon, systématiquement couvert à l’unisson)
mais ce n’est pas celle de Mimi (rôle qu’elle a pourtant déjà chanté un peu
partout). Les piani sont rares et la technique un peu élémentaire.
Scéniquement, l’artiste est gauche, d’autant qu’elle est
particulièrement engoncée dans un costume qui ne la flatte guère. Une artiste
dont il faudra néanmoins suivre la carrière dans les prochaines années.
Après un
Trovatore, Marina Mescheriakova nous revient dans un rôle beaucoup
moins exposé techniquement, mais malheureusement assez éloigné de ses moyens
actuels. Se battant continuellement avec ses deux voix (l’une pour 90% des
notes, assez inaudible, l’autre pour les aigus), le soprano cherche plus à
sauver les meubles qu’à imposer une véritable caractérisation.
Elena Semenova est une
Musetta assez pétulante scéniquement mais sans grand intérêt vocal (on est
assez inquiet d’apprendre qu’elle remplace Alexia Cousin pour la prochaine
reprise de « Juliette ou la Clef des Songes ») ; elle vaut toujours mieux que
Maria Fontosh qui ravira surtout les amateurs de crécelles.
Franck Ferrari est un
Marcello remarquable (on serait presque tenté de dire « de luxe ») ; plus en
retrait est celui de George Petean, un peu terne parfois.
Alexander Vinogradov et
Giovanni Battista Parodi alternent en Colline. Le premier fait partie de ces
basses au timbre de baryton (et nous en avons eu souvent dans ce rôle à
Bastille) et sa Vecchia zimarra nous semble bien terne ; le second est
plus impressionnant mais sa technique est tellement sommaire qu’on pense
plutôt à Garou dans Notre Dame de Paris…
José Fardilha complète le
trio avec chaleur et humour.
Les
comprimari sont particulièrement bien tenus : Jean-Philippe Marlière évite la
caricature en Benoît et en Alcindoro et Pascal Meslé est un Parpignol plein
d’aisance.
Remplaçant au dernier moment
Gustav Kuhn (qui lui même remplaçait pour le Cosi fan tutte de Garnier,
Daniel Harding parti au bout de deux répétitions), Daniel Oren reprend du
collier pour un ouvrage qu’il avait dirigé en ces mêmes lieux en 2001 (2). La
partition est dirigée avec amour, l’orchestre est somptueux, plein de
contrastes dynamiques, et attentif aux chanteurs. Oren semble vivre au rythme
de ses chanteurs, interprétant en play-back tous les rôles avec une intensité
qu’on cherche parfois vainement sur scène. Malheureusement, ces raffinements
se perdent dans cette acoustique effroyable, et ce ressenti dépend grandement
de la place que l’on occupe dans l’auditorium.
Placido
Carreroti
1.
Le rôle de Mimi, pour la première
distribution, n’a été connu que fort tardivement. C’est ainsi qu’au dernier
moment, ont alterné Olga Guryakova (qui venait de terminer une série de
Rusalka et Angela Marambio ; quand on sait que les
distributions se préparent plusieurs années à l’avance dans les grandes
maisons, on reste un peu étonné de cette improvisation de dernière minute.
2.
A l’époque, Roberto Alagna y
chantait en compagnie d’Angela Gheorghiu. C’était avant qu’on augmente le prix
des places de 20% pour améliorer la qualité artistique ! On pourra se référer
à cette critique pour la mise en scène de Jonathan Miller, amplement traitée
dans nos colonnes.
