France

• Compiègne – mis à jour en 2024
• Dijon – 2020
• Lille – 2016
• Limoges – 2016
• Lyon – mis à jour en 2024
• Marseille – 2017
• Massy – mis à jour en 2024
• Nancy – 2016
• Nantes – 2017
• Paris (Bastille) – 2016
• Paris (Châtelet)– 2019
• Paris (Palais Garnier)– 2015
• Paris (Salle Favart)– 2017
• Paris (Théâtre des Champs-Elysées) – mis à jour en 2024
• Rouen– 2015
• Saint-Etienne– 2018
• Soirées lyriques de Sanxay– 2017
• Strasbourg – 2015
• Thiré (Festival) – 2024
• Toulouse– 2017
• Versailles– 2016
• Vichy – 2016

Allemagne

• Baden-Baden (Festspielehaus) – 2015
• Bad Kissingen (Kissinger Sommer) – 2015
• Bayreuth (Bayreuther Festspiele) – mis à jour en 2024
• Berlin (Deutsche Oper) – mis à jour en 2024
• Berlin (Staatsoper) – 2025
• Dresde (Semperoper)– mis à jour en 2025
• Francfort (Oper Frankfurt)– 2015
• Karksruhe (Internationale Händel Festspiele) – 2017
• Munich (Bayerische Staatsoper) – 2015

Espagne

• Barcelone (Liceu) – mis à jour en 2024
• Madrid (Teatro Real) – 2015
• Peralada (Festival)– 2017

Italie

• Milan (Teatro alla Scala) – mis à jour en 2024
• Naples (Teatro San Carlo) – 2016
• Palerme (Teatro Massimo) – 2016
• Parme (Teatro Regio) – 2017
• Turin (Teatro Regio) – 2024
• Venise (Fenice) – 2015
• Vérone (Festival Arena di Verona) – 2024

Ailleurs en Europe

• Båstad (festival en hommage à Birgit Nilsson) – 2025
• Bruxelles (La Monnaie) – 2015
• Garsington Oper– 2015
• Harrogate (Gilbert & Sullivan) – 2015
• Londres (Royal Opera House) – mis à jour en 2024
• Liège (Opéra Royal de Wallonie) – mis à jour en 2024
• Monte-Carlo – 2016
• Prague (Théâtre National) – 2015
• Prague (Summer Nights) – 2017
• Stockholm (Kungliga Operan) – mis à jour en 2025
• Tiroler Festspiel Erl – 2025
• Vienne (Staatsoper) – 2015
• Verbier (Festival) – 2016
• Zurich (Opernhaus) – mis à jour en 2024

Amérique du Nord et autres continents

• Chicago – mis à jour en 2024
  
• Jérusalem (Festival d’opéra)– 2016
• Mascate (ROHM) – 2019
• New York (Metropolitan Opera)– 2016
• San Francisco– mis à jour en 2024
• Tel Aviv – 2016

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Ce dossier propose un vade-mecum des festivals d’opéra du monde entier. L’inventaire ne saurait prétendre à l’exhaustivité. Il s’agit d’une sélection subjective des manifestations lyriques, plus ou moins connues, vers lesquelles le vent, souvent estival, de la musique nous a portés.

Allemagne

• Bayreuther Festspiele
• Internationale Händel Festspiele Karlsruhe
• Kissinger Sommer

Espagne

• Festival de Peralada

France

• Soirées lyriques de Sanxay

République Tchèque

• Prague Summer Nights

Royaume-Uni

• Harrogate, Gilbert & Sullivan
• Garsington Oper

Suisse

• Verbier Festival

Ailleurs dans le monde

• Festival d’opéra de Jérusalem

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Lieux : Le festival se déroule dans trois lieux. Le plus important est le Royal Hall, salle polyvalente inauguré en 1903 et seule salle de ce type au Royaume Uni (Robert Beale et Frank Matcham architectes). Appelée The Kursaal (appellation courante à l’époque dans toute l’Europe, y compris pour des cinémas) à la date de son ouverture, la salle devient le Royal Hall après la victoire de 1918, le nom Kursaal étant germanique. L’ensemble a été complètement restauré en 2008, et l’intérieur de la salle entièrement redoré à la feuille d’or, en en faisant ainsi la salle la plus dorée du Royaume Uni.
Le théâtre de Harrogate est le second lieu de représentations, pour les petites compagnies. Le bâtiment ancien a été respecté, sauf la façade qui porte des traces d’importantes réfections. Ouvert en 1900 en tant que Grand Opera House (architecte F.A. Tugwell), son foyer est décoré d’une frise réalisée postérieurement par Frances Darlington. L’ensemble a été rénové au milieu des années 70 et en 2009.
Enfin, un espace aménagé spécialement, à gauche du Royal Hall, dénommé « Espace Utopia » du nom d’un des Comic Operas de G&S, abrite une petite librairie, un bar/petite restauration, et une petite salle de conférences.
Dates : Trois semaines à partir de début août.
Sites Web : www.gsopera.org et www.gsfestivals.org
Année de création : 1992
Principe fondateur : Il s’agissait à l’origine d’améliorer la qualité du travail des amateurs qui s’emparaient du répertoire de Gilbert & Sullivan, afin de leur permettre de respecter au plus près leurs œuvres. Des masters classes animées par les artistes de la D’Oyly Carte Company les y aidaient. Les amateurs sont restés au centre de l’organisation actuelle du festival, où des professionnels regroupés sous l’étiquette de la National Gilbert & Sullivan Opera Company ont remplacé ceux de la D’Oyly Carte Company.
Dirigeant : Ian Smith, directeur artistique, et Neil Smith, directeur.
Répertoire : Uniquement les œuvres de Gilbert et Sullivan, soit 15 Comic Operas, mais dans des productions très variées (professionnels, amateurs et universitaires). En 2015, le festival a présenté en 3 semaines (1^er-23 août) plus de 40 représentations sur scène avec décors et costumes de la quasi-totalité des œuvres de G&S, la plupart dans plusieurs productions différentes, soit un total de plus de 2000 exécutants.
Histoire : Le festival, dont Ian Smith est toujours le directeur artistique, a été créé en 1992 par lui-même et son fils Neil. Les deux première saisons sont animées par la D’Oyly Carte Company. L’année 1994 voit la création par Ian Smith, de la National Gilbert & Sullivan Opera Company (non profit), dont il est toujours aujourd’hui le producteur. Depuis 2015, vu son succès, cette compagnie professionnelle regroupant les meilleurs exécutants spécialisés dans l’œuvre de Gilbert & Sullivan, organise des tournées en Grande-Bretagne. L’ensemble de l’entreprise apparaît comme une affaire de famille où épouse, enfants et petits enfants s’activent chaque année à la réussite de cette titanesque opération.
Dates marquantes : 1992, création du festival à Buxton. 1994, création de la National Gilbert & Sullivan Opera Company. 2014, le festival quitte Buxton pour Harrogate.
Conditions techniques : Le Royal Hall est plus une salle de concert qu’un vrai théâtre (978 places). La scène n’a donc pas de dégagements, et impose des décors relativement simples, et un éclairage également plus léger que dans une salle traditionnelle. Le théâtre de Harrogate est, lui, une petite salle entre théâtre à l’italienne et théâtre londonien en miniature, et offre 450 places. La petite scène a des dégagements et des cintres, et la fosse d’orchestre permet d’accueilli un maximum de 15 musiciens.
Meilleures places : Les meilleures places du Royal Hall se trouvent, soit à l’orchestre qui est en gradins bien étagés, soit dans les tout premiers rangs du Grand Circle. Au théâtre d’Harrogate, il convient de préférer le premier balcon.
Acoustique : Globalement correcte dans les deux théâtres.
Tarifs : De 15 £ à 45 £. La survie du festival n’est pas sans être préoccupante, c’est pourquoi toutes sortes d’activités à l’américaine sont proposées : loteries, organisation de voyages pour les fans de G&S, vente de livres, de CD et de DVD (chaque production est enregistrée, même si elle n’est jouée qu’une fois, et l’on peut se procurer, entre 15 £ et 20 £ la représentation de son choix. Un café propose autour de midi et à l’heure du thé boissons, sandwichs et petits plats simples.
Anecdote : Il est intéressant de voir, sur les murs des foyers du Royal Hall, les affiches anciennes portant les noms des célébrités qui s’y sont produites, de Sarah Bernhardt aux Beatles, en passant par Nelly Melba.
Le bémol : La moyenne d’âge du public, autour de 70 ans. Souvent, le plateau est beaucoup plus jeune que la salle ! Et on regrette que ce festival, qui pourtant se dit international, ne trouve pas une solution pour proposer une traduction simultanée pour attirer les spectateurs étrangers. Le français et l’allemand seraient un  minimum, et indispensables pour profiter pleinement des textes, même si l’on sait que certains jeux de mots demeurent intraduisibles.
Le dièse : La plus grande originalité du lieu est de proposer, outre des représentations assurées par des professionnels sous l’appellation The National Gilbert & Sullivan Opera Company, d’autres réalisées par des scolaires ou universitaires et par des amateurs de tout âge (de 6 à 96 ans). Deux compétitions récompensent les éléments les plus remarquables de ces troupes. A noter que d’intéressantes conférences sont également proposées tout au long du festival.
Accessibilité : Les deux théâtres et le lieu des conférences sont accessibles aux personnes à mobilité réduite, et des espaces pour fauteuils roulants y ont été aménagés.
Toilettes : Grands buveurs de thé et autres liquides, les Anglais ont en général des toilettes en nombre suffisant, et fort bien entretenues : les deux théâtres de Harrogate ne dérogent pas à la règle.
Vestiaires : Bien organisés, spécialisés dans le rangement et la redistributions rapide des parapluies et imperméables.
Accès : Harrogate a encore sa gare située en centre ville, donc l’accès par le train est facile. Si vous utilisez la voiture (800 km depuis Paris), prenez un logement avec parking intégré, car les parkings publics sont devenus en Angleterre d’un coût prohibitif.
Points d’intérêt touristique proches : La ville elle-même est tout à fait charmante, avec des espaces verts et des parcs. Elle se visite assez rapidement. Mais elle se trouve dans la région très touristique du Yorkshire, qui propose de nombreux centres d’intérêt parmi lesquels, selon vos goûts, vous pourrez piocher : cathédrale de Ripon, abbaye cistercienne de Fountains, cathédrale de York, palais de Harewood House (XVIIIe siècle), Leeds et son musée des armures royales, abbaye de Kirkstall , maison des sœurs Bronte (Haworth), et deux vieux trains à vapeur qui circulent encore (Keighleigy and Worth Valley railway, et Bolton and Embsy railway).
Où se restaurer ? Les restaurants pullulent en centre ville, notamment italiens…  Mais ne pas manquer le restaurant chinois Royal Baths (Central Hall, Crescent Road), car ce n’est qu’en y consommant que l’on peut voir la grande salle des Royal Baths (1897)où il est installé. Et bien sûr il ne peut être question de prendre son afternoon-tea ailleurs que chez Bettys, mondialement réputé (la formule complète comprend des sandwichs et des gâteaux).
Où dormir ? Comme toute ville d’eau et de congrès, le nombre d’hôtels est très important, du palace au bed and breakfast. Notre adresse : The Camberley ( www.thecamberley.com ), idéalement situé et offrant l’un des meilleurs petits déjeuners d’Angleterre : le full Yorkshire breakfast.

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Paradoxalement, ou pour toutes ces raisons, l’œuvre est difficile à monter. En effet, malgré sa notoriété, elle n’est pas très bien construite : dès le premer acte, les plus belles cartouches on été brûlées, de sorte que le second acte se traîne sans éveiller d’intérêt majeur, sinon pour l’arrivée tardive du Mikado, et pour quelques-uns des morceaux musicaux les plus réussis. Et dès lors, pour retenir l’attention, il faut vraiment donner à fond dans le jeu théâtral, les accessoires et les mouvements scéniques. Et il faut choisir entre deux options : soit mettre l’accent sur le japonisme archéologique, ce qu’avait fait avec bonheur la Compagnie D’Oyly Carte en 1926 comme on peut le voir sur un film promotionnel, et à d’autres reprises par la suite, soit repenser l’argument et le transcrire avec décalage, comme l’a fait avec un art consommé l’Australian Opera de Sydney en 1987 (toujours disponible sur DVD).

Ce soir, la production a tout misé sur les costumes, et peu sur le décor, surtout au second acte, qui fait bien pauvre. Mais son grand mérite est d’avoir un peu dépoussiéré le propos visuel grâce aux costumes élégants de Tony Brett mêlant le rouge, le noir et le blanc, encore que l’on puisse regretter que toutes les jeunes femmes soient habillées absolument de la même manière, de sorte que si l’on est en fond de salle, on ne distingue pas qui est qui (sauf par ce que chacune chante). Surtout, sa grande qualité est de ne singer ni ne pasticher le Japon en une « japoniaiserie » de pacotille. Tout y est clair et simple, et même si les époques se mélangent un peu comme il est devenu de règle au théâtre, rien n’est ridicule.

Richard Gauntlett, « I’ve Got a Little List » © Festival International Guilbert & Sullivan / Photo Jean-Marcel Humbert

Les chœurs d’hommes et de femmes, au début du premier acte, sont remarquablement en place, et chantent et dansent à la perfection sur la chorégraphie de Phillip Aiden. La mise en scène de John Savournin, en elle-même, est relativement efficace quand elle touche aux ensembles. Mais dès qu’il s’agit de moments où il aurait fallu ménager des zones de jeu et adapter le plateau à l’évolution de l’histoire, elle est beaucoup moins convaincante, au point qu’après l’entracte, un véritable ennui s’installe. Mais peut-être doit-on mettre cela sur le compte de la fatigue qui ne peut pas ne pas avoir de prise sur une troupe et des solistes qui jouent en quatre jours quatre opéras différents, dont deux – dont Le Mikado – en matinée et en soirée.

Cela est particulièrement flagrant au second acte dans le duo Katisha / Ko-Ko, perdu sur le plateau. De ce fait, pas grand-chose ne passe (en dehors de « Titwillow »), alors que c’est un des moments d’émotion de la partition. Il semble que la direction d’acteurs soit laissée un peu à ce que chacun connaît de son métier, et comme on a vu quatre jours de suite la plupart d’entre eux dans des rôles différents, on commence à connaître les ficelles qu’ils emploient, d’autant qu’ils sont les titulaires des même rôles dans d’autres productions qui tournent dans le Royaume Uni. Le Mikado aurait été joué en tête de série, peut-être l’effet eut-il été différent.

Les deux amoureux Nanki-Poo (Robin Bailey) et Yum-Yum (Claire Lees), menacés d’avoir l’un la tête tranchée – ce qui l’amène à vouloir se pendre – et l’autre d’être enterrée vivante, traversent l’œuvre avec un certain détachement scénique et vocal tempéré par leur professionnalisme, montrant bien là les risques de la routine traditionnelle. On peut en dire autant de la Katisha bien fade d’Amy J. Payne, alors que l’on avait vu quelques jours plus tôt dans le cadre du festival une jeune cantatrice universitaire (Charlotte Baly), chanter et jouer le rôle d’une manière ô combien plus convaincante.

Heureusement restent les morceaux de bravoure que tout le monde attend, et qui ne déçoivent pas : « Three Little Maids from School » est joliment défendu – même si ces petites filles perverses paraissent un peu trop sages –, par Claire Lees, Nichola Jolley et Úna McMahon. « I’ve Got a Little List » est également un morceau de bravoure qui revient à Richard Gauntlett, qui en profite comme il est de règle pour égratigner tous les corps politiques du moment. Et il montre dans le bel air « Titwillow » que sa palette d’interprétation est plus étendue qu’il n’y paraît de prime abord. Donald Maxwell joue le Mikado avec autant de faconde que Mr Doolittle au Châtelet dans My Fair Lady il y a quelques années. Bref, une soirée menée tambour battant par le chef David Steadman et remarquablement défendue par les seconds rôles et les choristes, mais sans réussir à nous ravir ni nous émerveiller.

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Mais l’œuvre atteint également à l’universalité, au même titre que Les Précieuses ridicules et Les Femmes savantes : tout un groupe de jeunes femmes s’entiche du poète sensuel Bunthorne, puis du poète idyllique Grosvenor, obligeant les dragons du régiment local à faire des vers et prendre des poses pour reconquérir leurs belles. Patience, une jeune laitière tout à fait hermétique aux choses de l’art, va elle aussi de l’un à l’autre sans toujours maîtriser les conséquences de ses choix. Cette charmante comédie est en fait une satire du préraphaélisme anglais des années 1860-1880 qui touchait aussi bien la littérature, les beaux-arts que les arts appliqués. Et les spectateurs s’amusaient beaucoup à retrouver la caricature scénique de leurs contemporains, dont Tennyson, Oscar Wilde, Rossetti ou autres écrivains à la mode.
 
Musicalement parlant, l’œuvre n’est guère novatrice, et doit certaines redites à la rapidité de l’écriture. On pense sans arrêt aux Pirates de Penzance créée deux ans avant, tant par les types de certains personnages (les filles du général Stanley, Ruth et les policemen semblent tout juste transposés) que par les lignes mélodiques souvent très proches. Mais ne boudons pas notre plaisir, car le résultat est un feu d’artifice de drôlerie musicale et parlée.

© Gilbert & Sullivan Festivals / Photo Jean-Marcel Humbert

La mise en scène de Donald Maxwell est, sur un plateau plus grand, celle-là même qui avait été donnée à Paris au musée d’Orsay en 2011. C’est dire qu’il s’agit d’une production tout à fait classique, dans des décors mêlant une évocation préraphaélite à des éléments latéraux un peu trop lourds. Les costumes de Tony Brett sont tout aussi évocateurs de la tradition, au point que l’on a du mal à imaginer l’œuvre dans un environnement décalé.

Rebecca Bottone, que l’on connaît bien (notamment pour sa Casilda à l’ENO, mais aussi pour Blonde à Aix en Provence, ou Liesl de Sound of Music au Châtelet) est Patience. Elle l’est jusqu’au bout des ongles, ses mimiques comiques sont irrésistibles, mais elle est aussi très expressive dans les passages d’émotion. Tout au plus dira-t-on que toute la production est un peu surjouée, mais trouve dans la salle un écho très favorable. Si la voix est fort bien adaptée au rôle, elle s’est malheureusement durcie, notamment dans le suraigu – heureusement rare dans cette œuvre – amenant quelques notes criées pénibles à l’oreille. Autour d’elle, toutes ces dames éprises de poésie sont un vrai luxe, puisque l’on a le plaisir d’y retrouver les titulaires des premiers rôles des autres soirs, dont notamment Elinor Jane Moran – particulièrement drôle et attachante – et Sylvia Clarke. Toutes leurs consœurs jouant sans cesse de leurs voiles préraphaélites, sont un délice visuel et musical.

Du côté des hommes, le niveau est tout aussi élevé. Les deux poètes antagonistes sont fort drôlement joués et chantés par Richard Gauntlett et James Cleverton, qui construisent de vrais personnages dont on suit avec intérêt les démêlés avec la gent féminine. L’inévitable clique militaire est menée avec autorité et naturel par Steven Page, Matthew Kellett et Nick Sales dont les qualités vocales égalent largement leur excellence scénique. David Steadman dirige avec fougue et précision, bien dans la tradition, un orchestre de très bonne qualité.

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On voit tout les partis que l’on peut tirer d’une histoire aussi abracadabrantesque mêlant de façon incompréhensible l’Italie et l’Espagne, y compris une révision comme celle réalisée à l’ENO en 2006 où toute l’œuvre avait été transposée avec grande réussite dans les années 1950. Car si l’époque change, pas le propos, il s’agit de se moquer de la société de son temps, comme G&S le faisaient de leurs contemporains et de la cour de la reine Victoria (et comme Offenbach l’avait fait pour celle de Napoléon III). On est d’autant plus surpris d’apprendre que Victoria demanda en 1891 une représentation privée des Gondoliers à Windsor et y prit grand plaisir.

Malheureusement, ce soir, c’est la « grande tradition » qui prime, on n’ose dire la « pire » tradition, celle de Mogador de Valses de Vienne dans les années 60, avec des décors et des costumes kitsch, des éclairages hors de propos et des ballets ineptes et trop répétitifs. Heureusement que la mise en scène de John Savournin, bien que peu inventive, est globalement plutôt bien pensée, et que le plateau est parfait. Car, comme pour toutes les représentations, ce sont souvent les mêmes artistes qui chantent tous les soirs ; la distribution nous offre donc un échantillonnage remarquable de chanteurs lyriques-acteurs dont l’emploi habituel est le grand répertoire, mais qui prennent aussi un vrai plaisir à jouer ces Comic Operas impertinents.

Richard Gauntlett, Elinor Jane Moran et Sylvia Clarke © Gilbert & Sullivan Festivals / Photo Jean-Marcel Humbert

On retrouve donc avec intérêt Elinor Jane Moran en Cassilda, dont la voix souple est particulièrement adaptée à ce type de rôle. Ses parents Richard Gauntlett et Sylvia Clarke forment un couple princier impayable, et assurent avec grand professionnalisme des scènes hautement comiques. Plus sages sont nos gondoliers Robin Bailey et Kevin Greenlaw, et leurs épouses respectives Claire Lees et  McMahon, mais tous ont à la fois le physique de leurs rôles, des voix fraîches et bien timbrées et un allant communicatif. Une mention spéciale au très bon Luiz de Nick Sales, au vétéran Bruce Graham (Le Grand inquisiteur Don Alhambra Del Bolero), et à tout le reste de la troupe, absolument épatante. La direction de David Steadman est comme toujours alerte et bien en situation, sans que l’on ait à remarquer le moindre décalage dans d’incessants démarrages et des rythmes plus que soutenus.

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Par ailleurs, HMS Pinafore, par son sujet, est l’une des œuvres qu’il est quasiment impossible d’adapter dans des mises en scènes décalées, dans la mesure où tout l’argument est directement lié à la marine royale anglaise. Donc le principe du festival Gilbert et Sullivan de Harrogate, qui est de se garder de tout modernisme, trouve ici sa pleine justification. De ce fait, le décor de Paul Lazell représente comme il est d’usage le pont d’un navire, avec en toile de fond le Victory, et l’action s’y déroule dans des costumes des années 1880. La mise en scène de John Savournin paraît très respectueuse d’une tradition qu’au total on connaît mal, mais qui est en tous cas tout le contraire de poussiéreuse. Tout y est vif, alerte, les mouvements et ensembles dansés sont réglés au quart de tour. Bref, il s’agit d’un travail hautement professionnel. Seuls les éclairages de Stephen Holroyd, qui changent constamment sans raison, sont un peu lassants, et quelques franges lumineuses auraient pu être évitées.

© Photo Jean-Marcel Humbert

L’œuvre est construite autour de la personnalité de Sir Joseph Porter, premier Lord de l’Amirauté, venu inspecter le navire pour des raisons plutôt extra-maritimes. Ce type de rôle de baryton comique, habituel chez Gilbert et Sullivan, constitue un emploi très particulier où l’exagération comique ne doit tomber ni dans le ridicule ni dans le vulgaire. Kevin Gauntlett y est fort drôle, sans toutefois faire oublier quelques uns de ses illustres devanciers. Autre type de rôle redondant, celui de la femme du peuple « Lady » Buttercup, sorte de mégère bon-enfant, à la voix usée par les années, et souvent donc attribué à des actrices plus parlantes que chantantes. Sylvia Clarke y est également très bonne, montrant une bonne habitude de la scène et de ce genre d’emploi.

Les autres rôles sont tenus par des chanteurs classiques habitués du grand répertoire lyrique notamment mozartien et verdien : le capitaine Corcoran (Kevin Greenlaw, beau baryton lyrique), sa fille Joséphine (Elinor Jane Moran qui a la voix et le charme parfaits de « jeune première Gilbert et Sullivan ») et le marin dont elle est amoureuse, Ralph Rackstraw, interprété au pied levé par Michael Vincent Jones, venu des chœurs en remplacement du titulaire souffrant, montrant là de réelles qualités de comédien-chanteur. Une mention spéciale au baryton comique Matthew Kellett dans le rôle du second maître Bill Bobstay, et au vétéran de la défunte D’Oyly Carte Opera Company, Bruce Graham (Dick Deadeye). La direction de David Steadman, à la fois classique et enlevée, ne ménage pas un temps mort, et est ainsi l’un des artisans majeurs de la réussite de l’ensemble.

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