Côté musique vocale, le 27 mai, Cyrille Dubois et Tristan Raës donnent chair aux Sonnets de Michel‑Ange de Britten, écrits pour Peter Pears, entourés de pages signées Hahn, Berg, Leleu ou Wolf. Enfin, le 30 mai, Les Apaches et Julien Masmondet, en compagnie de Marie‑Laure Garnier, proposent Indefinito, un arc tendu de Monteverdi à Olga Neuwirth, où le non finito devient matière sonore.

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Dans « La Lame et le pinceau », la « lame » ne désigne donc pas tant le tranchant de la guillotine que le geste même de David se donnant la mission, à la fois comme peintre et comme organisateur des grandes parades qui ponctuent le programme de « régénération » nationale de la Convention, de proposer aux français un imaginaire qui tranche avec l’ancien, – ce qui mobilise bien sur la peinture, mais aussi la musique, la poésie, le théâtre, l’architecture comme les arts décoratifs et la mode (dont les esquisses de David deviendront langage officiel). Aussi Benjamin Lazar va-t-il mobiliser dans La Lame et le pinceau la peinture, grâce à une très belle utilisation de la vidéo, mais aussi la musique, par la reprise des chants qui émaillaient les manifestations officielles et mobilisaient les plus grands compositeurs de l’époque et le théâtre, par la machinerie à plans multiples qu’il utilise pour donner voix à David et ses interlocuteurs. La Lame et le pinceau ne condamne pas l’artiste, elle en explore la responsabilité. Presque un opéra.

Pour servir ce projet, une importante réunion d’artistes de tous les arts. On a parlé de la vidéo, il faut citer aussi l’ensemble Les Lunaisiens, jouant sur des instruments anciens comme cet improbable « serpent » dont (se) joue Patrick Wibart, et les chœurs placés sous la direction de Arnaud Marzorati qui rappellent l’importance des chants révolutionnaires comme cantates profanes.  Mais aussi l’excellent Thibault Lacroix dans le rôle d’un David confronté à lui-même, ses souvenirs et sa conscience dans le crépuscule incertain de son arrestation, et la merveilleuse Judith Chemla, grande vestale dans sa longue robe blanche, incomparable pour incarner l’époque et dont le chant donne une profondeur bouleversante à ce moment  dramatique.

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Dans le cadre de ces festivités, l’Auditorium du Musée présente ce soir la Giuditta d’Alessandro Scarlatti, dans sa version à cinq personnages, déjà donnée en août 2022 au Festival de la Chaise-Dieu par les mêmes interprètes. On doit probablement le texte de cet oratorio au cardinal Benedetto Pamphili, protecteur des arts, et également librettiste du célèbre Il Trionfo del Tempo e del Disinganno de Haendel. Le récit biblique de Judith sauvant sa ville assiégée par Holopherne, a été de nombreuses fois mis en musique, à commencer par Mozart (La Betulia liberata) ou Vivaldi (Juditha triumphans). La version de Scarlatti, probablement créée en 1693 à Rome, en est l’un des plus beaux exemples, dont se détache par exemple l’impressionnant récitatif et duo entre Judith et Holopherne  (« Mio conforto / Mia speranza ») en deuxième partie.

La jeune troupe de l’Académie de l’Opéra national de Paris fait une belle impression d’ensemble, même si aucune des incarnations n’est aussi marquante qu’on pourrait le souhaiter. Dans le rôle-titre, Marine Chagnon excelle dans la déclamation et la virtuosité, notamment dans son aria d’entrée « Trombe guerrier ». La mezzo est en revanche un peu trop réservée dans la scène du meurtre d’Holopherne. Ce dernier est incarné par Fernando Escalona, scéniquement fascinant et percutant, à l’image de son Nerone il y a quelques mois au Théâtre de l’Athénée. Vocalement, le contre-ténor est quelque peu gêné par la tessiture plutôt grave du rôle, qui le met parfois en difficulté. En Prince Ozia, la soprano Margarita Polonskaya livre une belle incarnation, même si la voix semble déjà presque trop mûre pour ce répertoire. Son aria « Addio, cara libertà », magnifié par de très beaux aigus, n’en reste pas moins le plus beau moment musical de cette soirée. Le ténor Kiup Lee, au timbre subtil et à la belle musicalité, et la basse Adrien Mathonat, à la voix large et aisée dans la grave, complètent cette distribution toujours investie.

De son violon, Thibault Noally mène l’ensemble avec brio. Du violoncelle d’Elisa Joglar, à la viole de gambe d’Anne Garance Fabre dit Garrus, au clavecin de Camille Delaforge, le continuo déborde de vitalité et d’inventivité, habitant les récitatifs. Les instrumentistes de l’ensemble Les Accents brillent quant à eux dans les soli et apportent les contrastes et la tension dramatique qui font parfois défaut à l’équipe vocale. Thibault Noally confirme avec cette Giuditta son rôle d’inlassable découvreur de la musique d’Alessandro Scarlatti. On annonce pour la saison prochaine un Mitridate Eupatore avec rien moins que Julia Lezhneva, Paul-Antoine Bénos-Dijan et Vivica Genaux. Vivement !

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A noter aussi dans le cadre des célébrations autour de cette anniversaire, un concert Molière/Charpentier le vendredi 14 janvier à 20h à l’auditorium du Musée du Louvre. Sébastien Daucé dirigera l’Ensemble Correspondances dans des extraits du Mariage forcé, du Sicilien, des Plaisirs de Versailles et du Malade imaginaire…

*CYCLE MOLIÈRE AU CHÂTEAU DE VERSAILLES DU MARDI 4 JANVIER AU DIMANCHE 26 JUIN 2022
 
COMÉDIES-BALLETS
 
DU 4 AU 8 JANVIER / OPÉRA ROYAL
GEORGE DANDIN OU LE MARI CONFONDU
Jean-Baptiste Lully & Molière
Ensemble Marguerite Louise / Gaétan Jarry
Mise en scène : Michel Fau
 
DU 13 AU 17 AVRIL / OPÉRA ROYAL
LE MALADE IMAGINAIRE
Molière
Guillaume Gallienne et la troupe de la Comédie Française
Mise en scène : Claude Stratz
 
DU 9 AU 19 JUIN / OPÉRA ROYAL
LE BOURGEOIS GENTILHOMME
Jean-Baptiste Lully & Molière
Mise en scène : Denis Podalydès (sociétaire de la Comédie-Française)
Ensemble La Révérence / Christophe Coin
 
CONCERTS
 
JEUDI 13 JANVIER / OPÉRA ROYAL
LES PLAISIRS DE VERSAILLES
Marc-Antoine Charpentier
Ensemble Correspondances / Sébastien Daucé
 
VENDREDI 14 JANVIER / OPÉRA ROYAL
LE BALLET DES JEAN-BAPTISTE
Jean-Baptiste Lully & Molière
Le Poème Harmonique / Vincent Dumestre
 
DIMANCHE 30 JANVIER / OPÉRA ROYAL
PSYCHÉ
Jean-Baptiste Lully
Les Talens Lyriques / Christophe Rousset
 
SAMEDI 25 ET DIMANCHE 26 JUIN / OPÉRA ROYAL
MOLIÈRE ET SES MUSIQUES
Jean-Baptiste Lully & Marc-Antoine Charpentier
Les Arts Florissants / William Christie

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Mercredi 13 janvier à 12h30 

AUX COURS DU MONDE 

L’exotisme dans la musique française et européenne au XVIIe siècle 

Claire Lefilliâtre, soprano ; David Tricou, contre-ténor  ; Serge Goubioud, ténor ; Geoffroy Buffière, basse 

Le Poème Harmonique 

Vincent Dumestre, direction 

Jean-Baptiste Lully :  extraits du Bourgeois gentilhomme, de Cadmus et Hermione, du Ballet des muses, du Ballet de Flore et du Ballet de l’Impatience  ; Œuvres de Charles Tessier, Étienne Moulinié, Joseph-Marie Amiot…

 Nombre de productions du Poème Harmonique accordent une place privilégiée à cette « tentation de l’orient » qui séduit les cours de Louis XIII et surtout de Louis XIV, alors même que l’Europe centrale guerroie contre les ottomans et que se développent les comptoirs occidentaux en Asie et aux Amériques. La « turquerie » du Bourgeois Gentilhomme et les Chansons turquesques de Charles Tessier en sont les plus mémorables exemples. Il était donc naturel de compiler cette joyeuse anthologie consacrée à l’influence de l’exotisme sur la musique française et européenne du XVIIe siècle. Avec comme pôles les Carnets de voyage de Tessier et le Ballet des Nations du Bourgeois Gentilhomme, les œuvres s’agencent telles les pièces d’un éblouissant puzzle. Fameuses et inédites, elles suivent la route de la soie, passant par l’empire ottoman pour atteindre la Chine lointaine, avant de revenir vers l’Europe par les chemins de l’Arabie et de l’Afrique. Si Lully occupe bien entendu une place de choix, Moulinié et Tessier font entendre d’autres voix latines, tandis qu’une improvisation spectaculaire sur les cloches chinoises forme un trépidant point d’orgue.

Concert en ligne, sans public 

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Encore tout auréolé de son récent succès dans Le Domino noir à l’Opéra-Comique, le ténor français commence par deux extraits des Nuits d’été. « L’Ile inconnue » révèle d’emblée une voix saine et sonore, à l’aigu facile. Cette barcarolle joyeuse, au rythme enlevé contraste avec la tristesse qui nimbe la ligne de chant dans « Sur les lagunes » qui débute dans un murmure (« Ma belle amie est morte »), puis va crescendo jusqu’à la plainte déchirante « Ah, sans amour s’en aller sur la mer » mettant en valeur la dynamique vocale de l’interprète et son impeccable legato. Ici, le ténor fait également entendre un registre grave timbré à défaut d’être consistant.

Suivent deux mélodies de Félicien David, musicien dont le Palazetto Bru Zane a récemment exhumé l’opéra Herculanum, deux œuvres rares et tout aussi contrastées que les précédentes qui captent aussitôt l’attention. Sur un rythme entêtant de boléro, L’Égyptienne permet au ténor d’émettre deux suraigus insolemment projetés, tandis que de Tristesse de l’odalisque émane une obsédante mélancolie. Cette page remarquable où la voix semble dialoguer avec le piano dans une parfaite osmose, constitue une belle découverte.

Les trois morceaux de Saint-Saëns trouvent en Cyrille Dubois un interprète de premier ordre. Les deux premiers sont chantés avec un style irréprochable et le troisième, Tournoiement  avec son rythme frénétique et son accumulation de doubles croches exalte la virtuosité du chanteur et celle de son accompagnateur dont la complicité fait merveille.

Des deux superbes pages de Chausson on retiendra en particulier La Caravane, ample mélodie sur un poème de Théophile Gautier qui mêle les images exotiques du voyage en orient avec l’inexorable marche de l’homme vers sa fin. On est saisi tout à la fois par l’accompagnement d’un lyrisme exacerbé de Tristan Raës et par l’art de la déclamation de Cyrille Dubois qui murmure les derniers vers comme un mourant qui rend son dernier souffle. Impressionnant.

Avec Fauré, on se retrouve en terrain connu. Les Roses d’Ispahan notamment, mélodie si souvent proposée en concert et au disque jouit ici d’une diction impeccable, l’un des atouts maîtres du ténor, et d’un style accompli qui font tout le prix de cette interprétation sensible et poétique.

Deux rares mélodies de Roussel de belle facture aiguisent notre curiosité puis vient Asie le point culminant sans doute de la soirée. La beauté du timbre, l’élégance de la ligne de chant, les jeux d’ombre et de lumière qu’induit l’alternance forte/piano de la voix et les images bariolées engendrées par l’intelligibilité du texte, sans oublier l’accompagnement chatoyant de Tristan Raës, tout concourt à faire de cette page un moment d’intense émotion au point que plusieurs secondes de silence s’écoulent avant que le public ne se mette à applaudir.

En bis, Kaddisch de Ravel en langue araméenne conclut ce beau concert par une note d’exotisme idoine.      

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Créé pour lancer la carrière de jeunes chanteurs et pianistes accompagnateurs, l’Atelier Lyrique de l’Opéra National de Paris n’a pas pour seule vocation l’engagement de ses recrues pour de petits rôles sur les scènes de Bastille et Garnier. Articulé autour d’un bouquet de grands Lieder romantiques, ce récital permet au contraire de les entendre dans un répertoire exigeant maturité artistique et maîtrise de tout ce qui compose la technique vocale : justesse, souffle, registres, couleur y sont mis à nu.

On se doute que pour des artistes encore débutants, cette mise à nu n’est pas un exercice des plus confortables – les comparer aux plus grands spécialistes du genre serait alors un acte fort déloyal. Tiago Matos, pourtant, ouvre la soirée avec un « Belsatzar » intelligemment mené au point que la jeunesse de son baryton, pas plus que dans le « Sänger » de Loewe qu’il nous offre en seconde partie, ne pose problème. Baryton également, Michal Partyka a pour lui un instrument puissant, et une aisance scénique qu’il exploite astucieusement dans l’ « Abschied » de Wolf. Malheureusement, sa tendance à verser dans un expressionnisme exacerbé («Vergiftet sind meine Lieder ») montre qu’il n’a pas encore, mais qui lui en voudrait, toute la maturité requise par ce répertoire. Baryton encore, et révélé par sa nomination aux dernières Victoires de la Musique Classique, Florian Sempey a peu ou prou les mêmes qualités et défauts : chargé d’assumer l’étonnante gémellité du « Roi des aulnes » schubertien et de celui de Carl Loewe, il ne parvient pas à exprimer l’horreur ou l’effroi sans recourir à des ruptures dans la ligne de chant et des effets presque « véristes. » Plus familier avec le style nous est apparu Andriy Gnatiuk. Vraie voix de basse sous une silhouette encore juvénile, il triomphe avec deux superbes ballades de Loewe : « Herr Oluf » tout d’abord, que Wagner considérait à juste titre comme un sommet de la musique, « Edward » ensuite, dont le chanteur ukrainien offre un portrait halluciné. Si l’on regrette de ne pas avoir entendu davantage le beau ténor lyrique d’Oleksiy Palchykov, rayonnant dans la « Zueignung » straussienne, on regrettera qu’Andreea Soare se soit attaquée à des extraits des Vier letzte Lieder, qui demandent un sens du mot (et une prononciation de l’allemand) réservé à ceux qui fréquentent assidûment ce répertoire ; magistralement projetée et riche en aigu, sa voix s’épanouit mieux dans « Auf dem Wasser zu singen. » Elodie Hache, enfin, dévoile tout son tempérament dans de beaux Kurt Weill, après des Wolf un peu timides.

Pour accompagner ces 7 chanteurs, pas moins de 4 pianistes, dont certains héritent de parties pour le moins ardues : « Herr Oluf » demande toute son habileté à Philip Richardson, qui n’en manque pas, et la difficulté des pièces de Strauss contraint Alissa Zoubritski à s’accrocher aux barres de mesures. Jorge Gimenez et Françoise Ferrand sont des appuis fidèles pour Tiago Matos et Michal Partyka, mais s’il se conçoit aisément que tous ces jeunes pianistes, qui font partie intégrante de l’Atelier Lyrique, soient de la soirée, on regrette par moment que l’expérience d’un accompagnateur aguerri n’ait pas présidé à la tenue de ce beau concert. Quoi qu’il en soit, talents à suivre !

Ce concert est rediffusé gratuitement sur medici.tv.

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