Nous le disions dans notre article consacré à Roméo et Juliette, la Maison estonienne est fort francophile avec cinq œuvres hexagonales actuellement à son répertoire dont deux cette semaine, à Tallinn.
Membre d’Opera Europa, l’opéra coproduit également des ballets comme Pulcinella et l’Heure Espagnole avec l’Opéra Comique à Paris. Madame Butterfly a été l’objet d’une coproduction internationale avec Brescia, Côme, Pavie, Crémone, Bergame et Lucques.

En l’espèce, cette matinée offre une version survitaminée et particulièrement bien rythmée du chef-d’œuvre d’Offenbach dont l’impertinence et l’humour ne sont pas sans évoquer la série Kaos. Liis Kolle met en scène avec un souffle proverbial. Chaque personnage, même parmi le chœur, jouit de sa propre personnalité, d’émotions individuelles rendant l’action foisonnante et éminemment vivante.

Les costumes de Reili Evart, tous réalisés dans les ateliers de l’opéra, participent à caractériser chacun. Plein d’esprit et de clins d’oeil truculents, ils composent une harmonie foutraque parfaitement offenbachienne. Poseidon emmène les nymphes en balade sur sa bouée dauphin dorée, Mercure porte une coiffe de bananes à distribuer, Vénus est meneuse de revue, John Styx porte une livrée squelette, un biker emplumé proclame « fuck god, believe in yourself » et la robe de Thalie/Euterpe reprend le tondo du plafond de l’opéra.

La scénographie de Jaagup Roomet est à l’avenant et mérite une mention spéciale pour l’entrée de l’Olympe en toboggan.
Les danseurs de la troupe, encadrés par Dmitri Harchenko – un homme qui sait faire danser les meules de foin – proposent des chorégraphies enlevées et amusantes malgré quelques décalages.

L’oeil se régale et s’amuse, donc, tandis que l’oreille s’habitue étonnement bien à entendre la partition… en estonien. La prosodie a été particulièrement soignée et ne nuit aucunement à la musicalité d’autant plus que l’ensemble du plateau s’avère d’excellente tenue.
Il met à l’honneur deux célébrités locales qui doivent leur notoriété nationale à la télévision: Elina Nechayeva et Reigo Tamm. La première campe une Eurydice hystéro-bimbo qui s’amuse de sa propre caricature. Surtout, c’est une colorature pyrotechnique qui multiplie les ornements en contre-notes avec une aisance bluffante jusqu’au contre-sol.
Elle cède bien volontiers au bourdonnement d’Aristée/Pluton dont l’abattage n’a d’égal que la suavité vocale. Délicieusement méphistophélique, le baryton est hilarant et joue des couleurs de son timbre clair avec brio. Face à ce couple illégitime, voix bien campée, l’Orphée d’Oliver Kuusik est tout aussi fluide scéniquement.

Les Dieux de l’Olympe dessinent un tableau réjouissant. L’esprit de troupe favorise sans doute l’osmose entre ces chanteurs qui passent toute leur carrière côte à côte. A tout seigneur tout honneur, Zeus trouve en la personne de Tamar Nugis une parfaite incarnation. Grimé en Ziggy Stardust il dégage une belle autorité vocale et scénique jusque dans ses ridicules.
Aule Urb est tout aussi convaincante en épouse jalouse qu’il y a deux jours en Gertrude chez Gounod. Les graves sont veloutés, les aigus faciles.
Kadri Nirgi, au soprano pétillant comme du champagne, campe un impeccable Amour, ado rebelle faiseur de grève : « Marre de l’ambroisie, on veut des patates » clament les banderoles. Sa mère, Karis Trass, est une Venus au timbre rond et chaud.

Jakob Tomson en Mercure, Merit Kraav en Minerve, Mart Laur en Mars complètent avantageusement ce panthéon. N’oublions pas le très touchant John Styx de Mart Madiste ni la belle voix charnue de l’autoritaire femme à barbe/Opinion publique de Juuli Lill.

Dans la fosse, Jaan Ots est le garant de l’esprit français de l’œuvre. Le choeur et l’orchestre de l’Opéra National d’Estonie sont parfaitement en phase. Les musiciens aquarellent leur jeu d’une belle transparence dès la première partie de l’ouverture et nuancent perpétuellement leur jeu, évitant le plafonnement sonore jusqu’au French cancan le plus endiablé.
Les choristes s’amusent manifestement ; capables de la plus exquise délicatesse dans la scène du réveil de l’Olympe, ils savent faire trembler les murs si nécessaire et déploient, comme l’ensemble du plateau une énergie communicative.

Un spectacle à découvrir en même temps que la charmante Tallinn en juin 2026.

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Ce soir, honneur à Gounod avec la reprise d’une production de Roméo et Juliette d’excellente tenue datant de 2019. Certes, la diction se pare parfois d’un certain exotisme, mais l’esprit de l’œuvre est bien là et la mise en scène de Stephen Barlow tout à fait pertinente.

S’attachant à rendre la pièce de Shakespeare plus française encore, la dramaturgie installe l’action … au Palais de l’Elysée dont la façade coté jardin, les ferronneries du balcon ou encore la chapelle sont rendues avec beaucoup de fidélité. Ceci dit, c’est le Paris d’aujourd’hui qui est représenté.
Dès l’ouverture, Stephano, ici Stephanie, l’excellente Janne Ševtšenko, tague les affiches Capulet du métro – un « oui » en bleu qui restera la couleur de cette famille tout au long de la soirée – d’un « non » rouge, couleur des Montaigu.
Ce manichéisme intemporel permet d’universaliser aisément la tragédie. Chacun de nos oui peut être le non d’un autre, et inversement. Nous retrouverons régulièrement ces deux teintes, dans la salle de bal tendue de kakemonos bleu pour l’anniversaire de Juliette tandis que les Montaigus déguisés en serveur, rasent les rideaux rouges. Puis Juliette – perpétuellement habillée de bleu – enfile des escarpins rouges pour son mariage : elle a trouvé chaussure à son pied. Enfin pour leur nuit d’amour – rendue particulièrement torride par les deux chanteurs – les couleurs des deux camps sont délaissées.

Autre élément fort de la proposition de Yannis Thavoris, l’utilisation brillante de la tournette qui permet de rendre aisément perceptible ce basculement d’un univers à l’autre, d’un point de vue à l’autre sans que la vérité ne se situe ici plutôt que là.

Le procédé se fait vecteur émotionnel lorsque Juliette avec « Amour ranime mon courage » voit défiler devant elle les différents décors, dont celui de la chapelle, hantée par le spectre de son cousin. Kristel Pärtna brille particulièrement dans cet air. Tout au long de la soirée, elle dessine la silhouette juvénile de Juliette avec beaucoup de grâce. Dans « Je veux vivre » – où les vocalises savonnent très légèrement – elle ouvre ses cadeaux en douce et préfère les baskets au collier de perles. La voix est bien couverte, les graves sonores, accrochés haut, les registres unifiés…
La nuit de noces, comme la scène finale, les duos avec son Roméo, Nico Darmanin, sont autant de réussites.

Formé au Royal College of Music de Londres le ténor maltais est le seule membre du cast à ne pas appartenir à la troupe de la Maison. Il s’accroche un peu au chef du regard mais sa proposition n’en demeure pas moins séduisante. La cavatine « Ah, lève-toi, soleil » pose les aigus avec délicatesse, les piani sont tout aussi raffinés dans sa dernière intervention de ce second acte « Va ! repose en paix ! ». Dans le dernier acte, les aigus pianissimo se font déchirants… « Le rêve était trop beau ».

Témoin du drame, Priit Volmer est un Père Laurent impliqué et sensible d’un baryton bien campé. Les graves soyeux et l’aplomb d’Aule Urb font merveille en Gertrude, tandis que le Pâris de Mati Vaikmaa bénéficie d’un timbre riche équilibrant bien graves et aigus.

Heldur Harry Põlda, pour sa part, propose un Tybalt de belle facture au ténor percussif. Il partage avec Rauno Elp – Capulet – un vibrato un peu rapide compensé par un bel engagement scénique.
Il sera fatal au Mercutio de René Soom qui déploie quant à lui une indéniable autorité dès sa « ballade de la reine Mab ».

Arvo Volmer dirige l’orchestre de l’Opera National d’Estonie avec autant de fougue que de suavité. La phalange est excellente, les tempi sont allants, chaque entr’acte, ciselé, est joliment caractérisé entre tendresse et désespoir. Les chœurs sont au diapason profitant d’une direction d’acteur qui individualise leurs interventions avec une notable pertinence.

Un spectacle à découvrir en même temps que la charmante Tallinn.

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Nous, opéras nationaux lituaniens et estoniens, appelons à la solidarité avec les opéras ukrainiens et tout le peuple ukrainien.

En ce moment, une véritable guerre se déroule en Europe : des opérations militaires de cette échelle n’ont pas eu lieu depuis le début de la Seconde Guerre mondiale. Les gens cherchent refuge, ils sont forcés de fuir leur patrie et des bombes tombent dans leur maisons.

Par cette déclaration, nous appelons la communauté européenne de l’opéra à réagir et à mettre fin à toute coopération avec la Russie. Il n’y a pas de justifications à la guerre, et si malheureux que cela puisse paraître, les théâtres russes font partie de l’état qui mène ces attaques à grande échelle. Il est très important de comprendre que si nous n’arrêtons pas cette machine de guerre, dans laquelle les artistes font partie du régime et de la propagande, ces chars militaires envahiront les États Baltes et, de là, l’Europe à son tour.

Notre déclaration :

1. Les opéras nationaux lituaniens et estoniens condamnent fermement l’acte de barbarie contre l’État ukrainien et son peuple. Aujourd’hui, la Russie déclare ouvertement qu’elle a le droit de décider par la force brutale si ses voisins ont le droit de vivre, de se développer et de prospérer. C’est tout à fait inacceptable et reflète la véritable façon de penser de ce pays et de ces gens.

2. Nous exigeons que tous les membres russes et biélorusses condamnent ouvertement l’agression de la Russie et de la Biélorussie contre l’Ukraine.

3. Si les membres russes et biélorusses refusent de condamner cette agression, leurs adhésion à Opera Europa doit être annulée. Nous ne pourrons pas collaborer avec ceux qui cautionnent la guerre en Europe.

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