Tourcoing - Ville - Forum Opéra https://www.forumopera.com/ville/tourcoing/ Le magazine en ligne de l'opéra Sat, 15 Aug 2026 08:09:19 +0000 fr-FR hourly 1 https://wordpress.org/?v=7.1.3 https://www.forumopera.com/wp-content/uploads/cropped-Favicon-32x32.png Tourcoing - Ville - Forum Opéra https://www.forumopera.com/ville/tourcoing/ 32 32 Saison 2026-27 : les programmes https://www.forumopera.com/saison-2026-27-les-programmes/ Fri, 27 Mar 2026 06:41:08 +0000 https://www.forumopera.com/?p=208803 Cette page est régulièrement mise à jour en fonction des annonces. Amsterdam Angers Anvers, Gand (Opera Ballet Vlaanderen) Athènes Atlanta Avignon Barcelone (Liceu) Bayreuth (Baroque Opera Festival) Bergame (Festival Donizetti) Berlin (Komische Oper) Berlin (Deutsche Oper) Berlin (Staatsoper) Berne Bilbao Bienne Soleure Theatre Orchestre Bologne Bonn Bordeaux Boston Boulogne (Seine Musicale) Bruxelles (La Monnaie) Budapest …

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]]> CALDARA, Santa Francesca Romana – Tourcoing https://www.forumopera.com/spectacle/caldara-santa-francesca-romana-tourcoing/ Fri, 10 Oct 2025 05:00:00 +0000 https://www.forumopera.com/?post_type=spectacle&p=201193 Chaque année, pour inaugurer sa nouvelle saison, l’Atelier lyrique de Tourcoing organise un week-end de concerts gratuits dans différents lieux de la ville. Avant un concert des Siècles dirigé par Antonello Manacorda, avec rien moins qu’Isabelle Faust au violon, l’Atelier lyrique accueillait son autre ensemble en résidence, Les Ambassadeurs – La Grande Écurie, dans l’église …

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]]> Chaque année, pour inaugurer sa nouvelle saison, l’Atelier lyrique de Tourcoing organise un week-end de concerts gratuits dans différents lieux de la ville. Avant un concert des Siècles dirigé par Antonello Manacorda, avec rien moins qu’Isabelle Faust au violon, l’Atelier lyrique accueillait son autre ensemble en résidence, Les Ambassadeurs – La Grande Écurie, dans l’église Saint-Christophe. Avec une belle distribution de chanteurs rompus au répertoire baroque, on proposait au public de redécouvrir un oratorio très rare de Caldara : Santa Francesca Romana.

Antonio Caldara n’est pas un compositeur inconnu, mais il demeure encore trop rarement joué, surtout en France. Santa Francesca Romana n’a d’ailleurs encore jamais connu les honneurs du disque. Les plus chanceux auront déjà pu entendre « Sì piangete pupille dolenti » dans l’enregistrement Opera proibita de Cecilia Bartoli, consacré aux œuvres écrites à Rome durant la première décennie du XVIIIe siècle, alors que l’opéra y avait été interdit par deux papes successifs. Privés de théâtre, les musiciens durent compter sur quelques mécènes éclairés qui leur ouvrirent les portes de leurs palais privés, pour y donner des oratorios à sujets sacrés ou allégoriques. La sensualité romaine, impossible à contenir, y subsistait cependant, comme en témoigne justement cet oratorio de Caldara. Commandé par le prince Ruspoli pour le Carême de 1710, l’œuvre dresse l’hagiographie de santa Francesca, modèle de fidélité conjugale, que Lucifer tente de perdre par tous les moyens. Certes, la chasteté triomphe in fine et Lucifer et son émissaire Inganno sont précipités dans l’abîme, mais l’œuvre tout entière demeure traversée par ce combat fiévreux entre les sens et la vertu. La flamboyance de la partition de Lucifer, l’élégance presque voluptueuse des plaintes de Francesca, l’accompagnement orchestral d’une grande sensualité – dans ses variations de timbres, ses chromatismes, sa diversité rythmique et harmonique – portent les marques d’un plaisir que la morale prétend pourtant condamner.

La jeune chef Chloé de Guillebon, à la tête des musiciens des Ambassadeurs – La Grande Écurie, met adroitement en avant ces ambivalences, en conservant quelque chose d’assez peu démonstratif dans son inteprétation, bien que les effets musicaux soient nombreux. Dans l’un des airs de Francesca, les violons sollicités dans leur registre grave déploient une couleur sombre et caressante, d’une beauté saisissante. Ailleurs, le dialogue de la voix avec le violon solo (Stefano Rossi) touche par sa simplicité expressive. Même impression dans un autre air, cette fois avec le hautbois, dont l’instrumentiste (Guillaume Cuiller) rejoint la chanteuse au pupitre : la proximité des timbres, leur respiration commune, confèrent au moment une belle intensité. L’air « Sì, piangete, pupille dolenti » est porté par les frissons des cordes, qui contribuent à la puissance de la plainte de Francesca, d’un dépouillement bouleversant, où affleure quelque chose de très opératique dans la dramatisation générale de l’accompagnement. On aurait sans doute souhaité çà et là des contrastes plus marqués, une tension dramatique plus affirmée, le tout restant peut-être trop sage, mais l’ensemble est adroitement mené, avec une grande cohérence d’esprit.

Le rôle de Francesca domine largement par sa présence les autres personnages – cinq airs lui reviennent, ainsi qu’un duo, quand l’œuvre ne comporte qu’une quinzaine de numéros. Marie Perbost lui prête sa voix de soprano fruitée, à la fois charnue et rayonnante. Elle incarne avec une émotion sincère une Francesca jeune, ardente, d’une humanité bouleversante. Sa ligne de chant, souple et frémissante, épouse à merveille les tourments intérieurs du personnage. À travers cette figure de femme que les personnages masculins cherchent à séduire, à détourner ou à perdre, elle affirme une présence féminine forte, libre, d’une dignité lumineuse. À ses côtés, Paul-Antoine Bénos Djian est Angelo, bras droit de Dieu venu soutenir Francesca dans sa lutte contre l’émissaire de Lucifer. On retrouve chez lui un timbre dense, charnu et mordant qui confère au rôle une paradoxale sensualité. Les quelques airs rapides qui lui reviennent, notamment celui qui conclut la première partie, sont emportés par une virtuosité ébouriffante, grâce à une vocalisation incisive et une longueur de souffle à peine humaine.

Lucifer, figure éclatante et théâtrale par excellence, qui ouvre les hostilités avec un « vincerò » saisissant, est incarné par Stephan MacLeod, qui se trouve hélas vocalement amoindri ce soir-là. Visiblement souffrant, toussotant entre ses airs, le chanteur peine à trouver son assise dans le grave et une vocalisation suffisamment souple, avec un timbre qui demeure rocailleux. C’est dommage, car ces airs de fureur, d’une expressivité fulgurante, auraient sans doute gagné en relief et en noirceur avec des moyens vocaux pleinement déployés, mais il n’en reste pas moins que l’interprète s’est acquitté de sa partie avec une probité exemplaire, refusant toute outrance pour préserver l’essentiel : la crédibilité du rôle et l’intensité du drame. Son émissaire Inganno, chargé de corrompre Francesca, est interprété par Antonin Rondepierre. L’artiste déploie une voix de ténor souple et bien conduite, au timbre homogène. La projection demeure parfois un peu discrète et le personnage manque d’un certain relief dramatique, mais l’interprète fait preuve d’un vrai sens du style et d’une musicalité constante, qui assurent à son rôle une présence toujours juste.

Ce très beau concert ouvrait donc idéalement une saison de l’Atelier lyrique de Tourcoing marquée par la diversité des propositions et par leur grande originalité : on peut citer entre autres Cendrillon de Viardot, Les Boréades de Rameau ou même Solaris, le vidéo-opéra d’Othman Louati et Jacques Perconte. On espère en outre qu’un jour l’œuvre de Caldara puisse être enregistrée – d’ailleurs, le public tourquennois, conquis par l’oratorio et par ses interprètes, appellent un bis : le très beau duo entre Francesca et Angelo, que Marie Perbost et Paul-Antoine Bénos Djian reprennent avec une joie manifeste.

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]]> Saison 2025-26 : les programmes https://www.forumopera.com/saison-2025-26-les-programmes/ Thu, 03 Apr 2025 07:09:30 +0000 https://www.forumopera.com/?p=182827 Cette page est régulièrement mise à jour en fonction des annonces. Amsterdam Angers Anvers, Gand (Opera Ballet Vlaanderen) Athènes Avignon Barcelone (Liceu) Bayreuth (Baroque Opera Festival) Bergame (Festival Donizetti) Berlin (Komische Oper) Berlin (Deutsche Oper) Berlin (Staatsoper) Berne Bilbao Bienne Soleure Theatre Orchestre Bologne Bonn Bordeaux Boston Boulogne (Seine Musicale) Bruxelles (La Monnaie) Budapest Caen …

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]]> Saison 2024-25 : les programmes https://www.forumopera.com/saison-2024-25-les-programmes/ Wed, 27 Mar 2024 05:39:43 +0000 https://www.forumopera.com/?p=156231 Cette page est régulièrement mise à jour en fonction des annonces. Amsterdam Angers Anvers, Gand (Opera Ballet Vlaanderen) Athènes Avignon Barcelone (Liceu) Bayreuth (Baroque Opera Festival) Bergame (Festival Donizetti) Berlin (Komische Oper) Berlin (Deutsche Oper) Berlin (Staatsoper) Berne Bilbao Bienne Soleure Theatre Orchestre Bologne Bonn Bordeaux Boston Boulogne (Seine Musicale) Bruxelles (La Monnaie) Budapest Caen …

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]]> Saison 2023-24 : les programmes https://www.forumopera.com/saison-2023-24-les-programmes/ https://www.forumopera.com/saison-2023-24-les-programmes/#respond Tue, 07 Mar 2023 14:02:00 +0000 https://www.forumopera.com/?p=126342 Cette page est régulièrement mise à jour en fonction des annonces. Amsterdam Angers Anvers, Gand (Opera Ballet Vlaanderen) Athènes Avignon Barcelone (Liceu) Bayreuth (Baroque Opera Festival) Bergame (Festival Donizetti) Berlin (Komische Oper) Berlin (Deutsche Oper) Berlin (Staatsoper) Bilbao Bienne Soleure Theatre Orchestre Bologne Bonn Bordeaux Boston Boulogne (Seine Musicale) Bruxelles (La Monnaie) Budapest Caen Chicago …

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]]> https://www.forumopera.com/saison-2023-24-les-programmes/feed/ 0 Nouvelle saison de l’Atelier lyrique de Tourcoing : profitons bien de la jeunesse ! https://www.forumopera.com/breve/nouvelle-saison-de-latelier-lyrique-de-tourcoing-profitons-bien-de-la-jeunesse/ Tue, 14 Jun 2022 10:00:00 +0000 https://www.forumopera.com/breve/nouvelle-saison-de-latelier-lyrique-de-tourcoing-profitons-bien-de-la-jeunesse/ C’est sous le signe de la jeunesse que François-Xavier Roth et l’équipe de l’Atelier lyrique de Tourcoing placent la prochaine saison de l’institution créée par Jean-Claude Malgoire et que le fondateur de l’orchestre Les Siècles dirige depuis 2019. La jeunesse c’est le temps des premières rencontres et, déjà, des retrouvailles de rentrée : la Capella …

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]]> C’est sous le signe de la jeunesse que François-Xavier Roth et l’équipe de l’Atelier lyrique de Tourcoing placent la prochaine saison de l’institution créée par Jean-Claude Malgoire et que le fondateur de l’orchestre Les Siècles dirige depuis 2019.

La jeunesse c’est le temps des premières rencontres et, déjà, des retrouvailles de rentrée : la Capella Mediterranea se produira pour la première fois au Festival de la voix en juin 2023 ; tandis que les Arts florissants (avec notamment le rare Aminta e Fillide de Haendel), Mirois étendus (notamment autour de La Tragédie de Carmen), A nocte temporis (autour de Jéliote, le haute-contre de Rameau), Les Cris de Paris et d’autres viendront explorer des répertoires divers. En ouverture, Les Illuminations de Britten cotoieront ainsi, par exemple, trois cantates du jeune Bach regroupées sous le titre de La Cité Céleste par l‘Ensemble Alia Mens ou, moins rare, le Stabat Mater de Poulenc. C’est d’ailleurs aussi par trois cantates de jeunesse du même Bach que Les Ambassadeurs ~ La Grande Ecurie entameront une intégrale des cantates à partir de décembre prochain. Outre ces oeuvres sacrées, on entendra également le Te Deum de Charpentier en février ou la Petite messe solennelle de Rossini en mars, avant le Festival de la voix début juin, avec des oeuvres de Draghi, Bach, Zelenka, Louati, Monteverdi ou encore  Ligeti.

La jeunesse de la jeunesse, c’est l’enfance, parfois turbulente, qu’elle soit le thème du spectacle ou que ce dernier s’adresse aux enfants. On passera donc des Enfants terribles de Philipp Glass d’après Cocteau aux contes lyriques (Hänsel et Gretel avec les Variétés lyriques, Les Aventures du Baron de Münchhausen avec le Concert spirituel, ou La Légende du Hollandais volant avec la Compagnie La reine de coeur, en passant par le Carnaval des animaux et Peer Gynt. C’est aussi à une fable en forme de Singspiel que nous inviteront Les Ambassadeurs ~ La Grande Ecurie autour de Mozart et de son monde ; tandis que Lucile Richardot accompagnée de Jean-Luc Ho au clavecin ensorcelleront le public avec leurs magiciennes baroques.

La jeunesse, ce sont les premières fois, qu’on n’oublie jamais, comme par exemple le fameux premier baiser. Ce sera le thème de Kiss me, baby, spectacle qui donnera prétexte aux artistes Denis Mignien et Elsa Cantor de mêler les répertoires pour en parler du baiser, en itinérance autour de Tourcoing. Jeunesse, sensualité, poésie, sensibilité seront évidemment au menu des Mélodies de Fauré par Cyrille Dubois et Tristan Raës après la récente parution d’une intégrale remarquée. Côté comédie romantique, Les Frivolités parisiennes viendront donner de joyeux Coups de roulis (de Messager) au théâtre municipal Raymond Devos de Tourcoing en mars ! Autre rareté d’un tout autre genre, Le Carnaval du Parnasse de Mondonville, qui sera donné en version de concert.

La jeunesse, ce sont aussi les nouveaux talents, et il y en aura beaucoup dans ces offres diverses. Chaque année, l’Atelier lyrique met par ailleurs en lumière de jeunes artistes issus de l’académie du Musée d’Orsay et de la Fondation Royaumont et ce sera le tour de la mezzo-soprano Florence Losseau, qui, avec la pianiste Elenora Pertz interprèteront Poulenc, Berg, Schubert et Debussy.

Comme on n’a pas tous les jours vingt ans, l’orchestre Les Siècles fera la fête en lorgnant vers la Belle époque (mais sans voix) ou la 1ère symphonie de Mahler (concert où l’on pourra entendre Patricia Petibon dans un programme qui reste à compléter), tandis qu’Amel Brahim-Jelloul allumera la flamme de la nostalgie mais aussi du croisement des cultures avec ses Souvenirs d’Al-Andalus. Les Siècles, que l’on retrouvera sous la baguette de son directeur pour deux grandes productions lyriques : Pelléas et Mélisande, à l’Opéra de Lille  et, à Tourcoing, Le Vaisseau fantôme avec Karl-Heinz Lehner dans le rôle du Hollandais et Ingela Brimberg en Senta, dans une mise en espace de Benjamin Lazar.

Et puis, rien n’interdit, comme Faust,  de croire en une nouvelle jeunesse sans pour autant vendre son âme au diable : à partir d’une oeuvre lyrique perdue de Schutz sur la nymphe Daphné, Wolfgang Mitterer a bâti un opéra-madrigal pour voix (celles des Cris de Paris ici) et électronique. Sur un tout autre versant, Robin Pharo et l’ensemble Près de votre oreille donneront aussi une nouvelle jeunesse au répertoire vocal anglais de la fin du XVIè siècle.

La preuve est faite que la jeunesse est éternelle !

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]]> Deutsches Requiem — Tourcoing https://www.forumopera.com/spectacle/deutsches-requiem-tourcoing-la-haut-des-splendeurs/ Wed, 08 Jun 2022 13:13:01 +0000 https://www.forumopera.com/spectacle/l-haut-des-splendeurs/ A l’église Saint Christophe de Tourcoing, l’Ensemble Aedes et les Siècles participent en voisin* à la Biennale Là-Haut dont la première édition tient toutes ses promesses. Mathieu Romano, directeur artistique d’Aedes dirige ce Deutsches Requiem d’une battue stable, rassurante avec autant de sobriété que de précision. La conduite de la phrase musicale est ample et fluide, le legato …

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]]> A l’église Saint Christophe de Tourcoing, l’Ensemble Aedes et les Siècles participent en voisin* à la Biennale Là-Haut dont la première édition tient toutes ses promesses.

Mathieu Romano, directeur artistique d’Aedes dirige ce Deutsches Requiem d’une battue stable, rassurante avec autant de sobriété que de précision. La conduite de la phrase musicale est ample et fluide, le legato soyeux. Les instruments d’époque 1850, de facture allemande, subliment la version pour orchestre de chambre de Joachim Linckelmann avec un travail de couleur d’une remarquable subtilité. L’équilibre des pupitres se savoure à chaque numéro, avec une mention particulière pour les vents et les cuivres qui sont très présents sans jamais se faire écrasants ou encore les cordes tout en grâce lumineuse dans le 4e mouvement.

Le chœur fait montre des mêmes qualités avec un travail du son particulièrement abouti et une palette colorée extrêmement riche. Cette grande délicatesse est perceptible dès le morceau d’entrée, « Mit geschlossenem Mund » de Wolfgang Rihm (à bouche fermée, comme son titre l’indique), qui met immédiatement en valeur une somptueuse pâte sonore. Le travail des nuances est au diapason avec des forte/piano assez bouleversants dès les deux premiers mouvements du Requiem.

Musiciens et chanteurs partagent un plaisir manifeste qui affleure dans les regards et sourires comme dans le 6e mouvement «  Der Tod ist verschlungen » et culmine avec le motet « Warum ist das Licht gegeben dem Mühseligen ? » proposé en guise de bis et que l’orchestre chante avec les solistes et le chœur dans une belle métaphore qui dit le bonheur de communier par la musique dans une spiritualité lumineuse.

Axelle Fanyo intervient une première fois avec le troisième des Rückert-Lieder de Gustav Mahler, « Ich bin der Welt abhanden gekommen » où sa projection exigeante, sa maitrise du souffle font merveille tout comme la richesse de son timbre charnu et sensuel aux aigus brillants. L’émission est particulièrement suave dans le 4e mouvement « Sehet mich an ».

Julien van Mellaerts est un peu moins convaincant avec des registres qui manquent d’unité, un souffle un peu court, en dépit d’un beau métal aux médiums percussifs.

 

Cette belle création de 2019 sera à l’affiche à Puteaux vendredi 10 juin et le lendemain à Maladrerie de Beauvais.

 

*L’orchestre bénéficie du soutien de la Région des Hauts de France et d’une résidence à l’Atelier Lyrique de Tourcoing.

 

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]]> Orphée et Eurydice — Tourcoing https://www.forumopera.com/spectacle/orphee-et-eurydice-tourcoing-les-miroirs-etendus-a-la-modernite/ Tue, 07 Jun 2022 07:25:00 +0000 https://www.forumopera.com/spectacle/les-miroirs-tendus-la-modernit/ Cette première Biennale Là-Haut, extrêmement ambitieuse est une initiative que l’on doit à un ensemble musical à vocation lyrique crée en 2016, Miroirs Etendus. S’adossant à deux structures institutionnelles incontournables de la région, l’Atelier Lyrique de Tourcoing et la Barcarolle à Saint-Omer, elle programme à la fois ses propres créations et celles d’autres structures lui …

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]]> Cette première Biennale Là-Haut, extrêmement ambitieuse est une initiative que l’on doit à un ensemble musical à vocation lyrique crée en 2016, Miroirs Etendus. S’adossant à deux structures institutionnelles incontournables de la région, l’Atelier Lyrique de Tourcoing et la Barcarolle à Saint-Omer, elle programme à la fois ses propres créations et celles d’autres structures lui permettant de donner à voir la vitalité de la création lyrique hexagonale. Cette édition inaugurale permet ainsi d’applaudir jusqu’au 12 juin et pendant dix jours Les Siècles, Le Concert d’Astrée, Les Lunaisiens, La Tempête, Les Forces majeures, Marie-Laure Garnier, Stéphane Degout, Jodie Devos, Jeanne Candel & Samuel Achache, Jeanne Desoubeaux, Nino Laisné, François Chaignaud… Ces propositions prennent la forme de spectacles, concerts, récitals, fêtes et événements dans l’espace public. 

La compagnie y propose également ses propres créations. En ouverture, l’ambitieux Monstres sacrés réunis le Triple concerto de Beethoven, les Wesendonck Lieder ainsi que des extraits de Tristan und Isolde. Pour le directeur Emmanuel Quinchez, il s’agit « d’un spectacle manifeste pour la compagnie » puisqu’il rassemble les membres du comité artistique : le compositeur/arrangeur Othman Louati, le directeur artistique/pianiste/chef de chant Romain Louveau et la directrice musicale Fiona Monbet. Il illustre leur savoir-faire dans « la progression de la musique acoustique vers la musique sonorisée et électroacoustique. » Le concert de clôture proposera d’ailleurs un double concert associant la musicienne électro Maud Geffray à an Index of Metals de Fausto Romitelli, une composition « qui fait grandir » et que Miroirs étendus travaille depuis quatre ans. Cette « pièce incroyable est une œuvre testament qui permet de casser la frontière entre opéra et électro. ».


 © Martin Nola

Dotée d’une grande appétence pour le répertoire lyrique, la compagnie se pense comme une maison d’opéra itinérante dotée d’un orchestre et faisant à la fois de l’accueil, de la création, de la diffusion. Elle entend « explorer le répertoire sans le sacraliser, de façon très libre, très ouverte, en y mettant une patte contemporaine. La compagnie utilise [d’ailleurs] beaucoup la sonorisation qui doit toujours raconter quelque chose, car c’est un instrument ».

C’est bien ce que l’on découvre avec cet Orphée et Eurydice revisité où le compositeur/arrangeur Othman Louati dit « chercher l’inoui » avec ce monument dont il souhaite proposer « une forme d’exégèse, de médiation vers la version originale. » Ce souci d’accès direct explique son choix de la version française de 1774 qu’il redécoupe pour se concentrer sur le drame intime des personnages. L’on peut toutefois regretter qu’Amour et Eurydice ne chantent pas tous leurs airs, d’abord parce qu’Amélie Raison – que l’on aura beaucoup entendu cette semaine – régale une fois encore de son talent lumineux alors même qu’elle n’est pas visible. Ensuite parce qu’Eurydice – incarnée par une Mariamielle Lamagat en demie-teinte – n’est finalement pas très présente au cours de la soirée. Elle laisse toute la place au très convaincant Orphée de Floriane Hasler à la voix ample et bien projetée, à l’interprétation toute en retenue, dépourvue d’afféterie comme dans le très touchant « Eurydice n’est plus ». Cela est d’autant plus remarquable que cette prise de rôle ne remonte qu’à deux semaines ! Le compositeur dit avoir choisit une voix féminine pour incarner Orphée « par goût pour la tradition du travestissement ainsi que pour les couleurs particulières des duos à deux voix de femmes » qui effectivement fonctionnent à merveille.

La vibrante sensibilité de la mezzo et l’émotion vocale des duos d’amour se perdent malheureusement en partie en raison de la pénombre perpétuelle du plateau qui empêche de voir les expressions des visages tout comme le hiératisme imposé par la mise en scène qui fige les émotions. Outrenoir ou noir outré, chacun jugera, mais à trop vouloir aller à l’os du mythe, Thomas Bouvet, le prive d’une part non négligeable de sa vitalité. Pourtant la scénographie de ce tapis de fleur labouré d’un chemin central vers le fond de scène obscur, vide pascalien au cœur du vivant, est une belle image qui pourrait sans doute être plus exploitée. L’intervention des spectres par exemple, gagnerait à aller plus loin dans le travail de la lumière, quitte à ne laisser paraître que des visages désincarnés.

La vidéo permet quant à elle un intéressant effet de décalage avec le quotidien dans le traitement appliqué au personnage d’Amour : immense, les cheveux longs rabattus devant le visage à l’exemple de la mère du petit chaperon rouge lorsqu’elle se transforme en un loup terrifiant dans la sublime version du conte proposée par Joel Pommerat, il s’affirme bien comme un être divin, un concept.

Dans la fosse, Fiona Monbet est très connectée au plateau et sert la partition avec feu dans cette réduction pour huit instrumentistes aux accents chambristes, aux couleurs aussi vives et variées que la scène est sombre. La partie contemporaine ne manque pas de fulgurances, donnant du relief au contre-chant, valorisant la dissonnance. Le compositeur dit « peu toucher aux harmonies, jamais à la ligne vocale », mais s’intéresser « à la poétique du son ». L’ajout d’électronique aux instruments dans le second acte leur donne effectivement une résonance fantasmatique qui sert le propos. Si l’utilisation de certains sons questionnent comme celui évoquant le glockenspiel, le travail central autour du « drone » est en revanche assez probant. Le drone – bourdon en anglais – est un son, cluster tenu ou répété.. Pour Othman Louati, « l’esthétique du drone s’inscrit dans la continuité de la pédale harmonique avec un travail sur la clarté et l’obscurité. Ce travail plastique sur le son permet d’explorer sa profondeur. »

Une « esthétique en arche » préside à l’ensemble du spectacle : si le premier acte s’attache « à l’esthétique classique retravaillée à la lumière de la seconde école de Vienne, avec gong, crotale, main dans la table d’harmonie du piano…), le second acte, en revanche « se veut terrifiant, or le style classique est trop lumineux pour en rendre compte. Une esthétique post-industrielle, très sombre, s’impose donc à ce moment. Même le thème des Elysées est transformé à la Bartók. Le drone a une fonction d’écoute, il prépare l’oreille au changement esthétique de ce second acte avant de [se faire] souvenir pour un retour vers le style classique » à la fin de l’œuvre.

En 2023, Miroirs étendus et Othman Louati seront à l’affiche de la co[opéra]tive pour un opéra contemporain, les ailes du Désir que l’on est fort curieux de découvrir.

La Biennale Là-Haut se poursuit quant à elle jusqu’au 12 juin 2022 avec notamment an index of Metals, le 11, au Grand Mix à Tourcoing.

 

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]]> Artemisia, Addio Roma — Tourcoing https://www.forumopera.com/spectacle/artemisia-addio-roma-tourcoing-profumo-ditalia/ Sat, 04 Jun 2022 18:08:55 +0000 https://www.forumopera.com/spectacle/profumo-d-italia/ Miroirs Etendus, jeune compagnie lyrique des Hauts de France, s’appuie sur deux partenaires institutionnels incontournables du territoire, l’Atelier Lyrique de Tourcoing et la Barcarolle à Saint-Omer, pour l’ambitieuse programmation de cette première Biennale d’Art Lyrique qui propose pendant dix jours plus de vingt quatre spectacles, concerts et événements dans l’espace public de cinq communes à …

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]]> Miroirs Etendus, jeune compagnie lyrique des Hauts de France, s’appuie sur deux partenaires institutionnels incontournables du territoire, l’Atelier Lyrique de Tourcoing et la Barcarolle à Saint-Omer, pour l’ambitieuse programmation de cette première Biennale d’Art Lyrique qui propose pendant dix jours plus de vingt quatre spectacles, concerts et événements dans l’espace public de cinq communes à des tarifs défiants toute concurrence.

La première journée a un parfum d’Italie avec deux concerts de haute volée.

Le jeune ensemble Agamemnon a obtenu le prix du jury de la résidence Jean-Claude Malgloire avec un programme remarquablement construit autour de la figure puissante d’Artemisia Gentileschi.

François Cardey, cornettiste et directeur artistique de l’ensemble, n’en n’est pas à sa première incursion dans les Beaux-Arts puisqu’il avait crée en 2018 les Cantates de la Peste de M. Weckmann et K. Förster, en y associant les projections 3D de Brueghel l’Ancien, Bosch et Dalí.

Cette fois, cinq tableaux d’Artemisia Gentileschi sont convoqués afin de tisser échos et reflets entre les toiles, leurs sujets et la musique. Au plaisir de ce prisme pictural s’ajoute l’originalité de la formation proposée qui associe cornets, violon, basse de viole, harpe triple à l’orgue et au clavecin. L’oreille a grand plaisir à cette association inhabituelle qui renouvelle la pâte sonore du concert et permet en outre de nombreuses découvertes.

François Cardey, au plus près de ses musiciens, ne dirige pas la phalange. Toutefois, il impose dès l’ouverture l’autorité de son instrument, le cornet, avec la sonate n.11 de Giovanni Battista Fontana. La harpe de Louis Capelle lui donne la réplique avec brio dans le Salve Regina d’Orazio Taditi ou en soliste dans la rare Canzon sopra Susanna d’Ippolito Tartaglino.

Annaëlle Blanc-Verdin au violon, d’abord timide, prend rapidement confiance, en particulier dans la toccata con spinetta e violino de Frescobaldi. Le continuo, composé de Sarah van Oudenhove et Freddy Eichelberger, fait montre quant à lui, d’autant de solidité que de sensibilité, notamment dans le bel Ave Stella de Lucretia Orsina Vizana, l’une des rares religieuse éditée à l’époque et pourtant méconnue.

La soprano Amandine Trenc y épanouit sa voix légère au timbre frais et lumineux ainsi que son excellente diction – toujours un défi dans les acoustiques ecclésiales. Elle la met au service de partitions prenantes comme la Susana combattuta de Domenico Mazzocchi tout en clair-obscur qui évoque l’épisode biblique de Suzanne et les vieillards ou encore dans le touchant tableau final qui brosse avec maestria plusieurs facette de la figure de Marie Madeleine dans la Sinfonia nona de Salmone Rossi, la Madalena ricorre alle lagrime de Domenico Mazzocchi aux audacieuses combinaisons chromatiques et enfin l’Amo Christum d’Alessandro Grandi.

Auparavant dans la salle du Conservatoire, Emmanuelle Haïm avait choisi pour sa part de convoquer de grandes figures féminines de l’histoire romaine dans une enthousiasmante proposition où éclatait le talent de Chiara Skerath.

Mélisande à Bordeaux, Poppea à Nantes, déjà entendue à plusieurs reprise à l’ONP, la jeune soprano suisse bénéficie d’un timbre généreux aux médiums larges, aux graves charnus et d’une émission parfaitement maîtrisée qui murmure, sanglote ou s’indigne avec la même justesse dans l’émotion, comme dans la superbe cantate La morte di Lucretia de Michel Pignolet de Montéclair. Déployant ses talents de comédienne dans les récitatifs, elle garde beaucoup d’élégance et de retenue dans les airs. Peut-être serait-il intéressant de plus jouer d’une « laideur » volontaire dans le timbre ? Et bien non, comme cette couleur n’apparaît que rarement, elle en devient mémorable.

De même, il faut attendre le dernier bis pour découvrir la chanteuse légère, délicieusement mutine avec un charmant « Ho un non so che nel cor » , faut-il le regretter alors qu’il emporte l’adhésion générale ? Il y a là, décidément, la preuve d’une intelligence aiguë dans la construction du programme.

La figure maléfique de Néron plane sur la soirée : le concert s’ouvre sur le difficile « Addio Roma » d’une Ottavia désemparée dont la chanteuse ne fait qu’une bouchée. Il s’achève avec Agrippine dans la Cantate de Haendel, Agrippina condotta a morire où Chiara Skerath élargie brillamment l’éventail de sa palette émotionnelle pour incarner cette mère écartelée entre la tentation du suicide ou celle du meurtre d’un fils odieux. La voix ductile de la soprano se fait pyrotechnique avec des vocalises très instrumentales dans « Orrida oscura », déploie son expressivité dans le récitatif « Si,si, del gran tiranno » ou encore dans l’aria « come O Dio » où l’accompagnement musical, d’une suavité parfaite, porte l’émotion à son comble. Il en est de même avec Atalia, d’autant plus touchante dans son amour non partagé que l’interprétation de la musique de Francesco Cavalli s’avère ici particulièrement poignante.

En effet, le Concert d’Astrée apparaît en totale maîtrise de ses moyens avec une intelligence et une sensibilité dans l’interprétation qui enchante tout au long de la soirée.

La sonate pour violoncelle et basse continue d’Alessandro Scarlatti met en exergue la délicatesse que partagent Gauthier Broutin et Thomas Boysenet, comme le brio de Ludovic Coutineau.

La Sinfonia n°1 en ré mineur d’Alessandro Stradella est d’une mémorable intensité tandis que sa Sinfonia n°8 en la mineur fait la part belle aux talentueux violonistes David Plantier et Mauro Lopes Ferreira. Car Emmanuelle Haïm semble toujours soucieuse de valoriser ses artistes au point qu’elle salue derrière le clavecin pour intégrer le groupe plutôt que de se mettre en avant.

Ce superbe voyage d’Italie se poursuivra au cœur du festival avec d’autres haltes à Tourcoing, Saint-Omer, Roubaix, comme le récital d’Edwin Fardini et Sarah Ristorcelli autour de Cinq mélodies de Venise, Les Vêpres de la Vierge de Monteverdi ou encore Arca Ostinata de Nino Laisné et Daniel Zapico, sans compter bien d’autres chemins de traverse à emprunter jusqu’au 12 juin.

 

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]]> La Princesse jaune|Djamileh — Tourcoing https://www.forumopera.com/spectacle/la-princesse-jaunedjamileh-tourcoing-diptyque-orientaliste/ Sat, 04 Jun 2022 01:23:55 +0000 https://www.forumopera.com/spectacle/diptyque-orientaliste/ Les opéras en un seul acte, dont la durée avoisine l’heure, étaient très à la mode à la fin du XIXe siècle. La forme étant tombée en désuétude au cours du XXe siècle, la plupart de ces œuvres, même écrites par des compositeurs célèbres, ont depuis rarement été reprises. À l’initiative croisée de l’Opéra de Tours …

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]]> Les opéras en un seul acte, dont la durée avoisine l’heure, étaient très à la mode à la fin du XIXe siècle. La forme étant tombée en désuétude au cours du XXe siècle, la plupart de ces œuvres, même écrites par des compositeurs célèbres, ont depuis rarement été reprises. À l’initiative croisée de l’Opéra de Tours et du Palazzeto Bru Zane, grand défenseur de la musique française du XIXesiècle, deux opéras en un acte créés sur la scène de l’Opéra Comique en 1872 à quelques jours d’intervalles ont été rassemblés pour former un spectacle de deux heures, repris récemment au Théâtre Raymond-Devos de Tourcoing. La Princesse jaune de Saint-Saëns et Djamileh de Bizet ont en commun leur librettiste, Louis Gallet, et répondent tous les deux à la vogue de l’orientalisme. Peut-être aurait-il d’ailleurs été plus pertinent de jouer les œuvres dans l’autre sens, en commençant par Djamileh, dont l’action verse sans retenue dans l’exotisme pittoresque, tandis que La Princesse jaune propose plutôt une critique ou un regard réflexif de cet exotisme fantasmé – et ce d’autant plus que Djamileh a été créé avant La Princesse jaune. 

L’œuvre de Saint-Saëns, rarissime, et dont le Palazzeto Bru Zane a publié récemment l’unique enregistrement existant, met en scène un jeune homme, Kornélis, follement épris d’une princesse japonaise représentée sur une estampe (répondant au prénom peu nippon de Ming…*). Sa cousine Léna, qui vit à ses côtés, l’aime éperdument, mais Kornélis ne le voit pas, tout aveuglé qu’il est par l’écran de son fantasme. C’est une drogue, artifice théâtral de révélation, ingérée pour lui permettre de faire apparaître sa Ming rêvée, qui va l’amener à prendre conscience que le véritable amour était tout près de lui : dans son délire, c’est Léna qui apparaît sous les traits de Ming et, une fois les effets de la drogue retombées, Kornélis tombe dans les bras de sa cousine, se résolvant à oublier sa princesse rêvée. La metteuse en scène Géraldine Martineau accorde à Léna une capacité d’agir qui n’est pas forcément comprise dans le livret : c’est elle qui choisit d’enfiler un kimono pour apparaître derrière l’écran de gaze sur lequel Ming est représentée et accélérer l’identification entre le fantasme de Kornélis et elle-même. L’œuvre ainsi mise en scène se propose comme une réflexion sur la tension entre fantasme et réalité, ailleurs et ici, et les manières dont les êtres peuvent, en amour, s’y perdre ou s’y retrouver. 

Le livret de Djamileh présente quant à lui un jeune prince égyptien, Haroun, qui change chaque mois d’esclave sexuelle. Djamileh est une de ces esclaves, au service du prince depuis un mois quand le rideau se lève. Elle l’aime et ne veut pas le quitter, alors que le prince s’apprête à faire entrer une toute nouvelle esclave à son service. Avec l’aide du précepteur d’Harou, Splendiano, secrètement épris de Djamileh et certain que le stratagème échouera, elle se présente sous un voile à la place de celle qui aurait dû prendre sa place pour le mois suivant. Haroun finit par la reconnaître et découvre qu’il l’aime, alors qu’il professait aimer toutes les femmes et aucune à la fois, et qu’il n’a pas besoin de changer si fréquemment de partenaire. Pas plus que dans La Princesse jaune, on ne peut dire que l’image des hommes sorte grandie de ce récit, mais les femmes apparaissent comme capables de déjouer les règles imposées par les hommes et de les confronter à leurs illusions (la femme rêvée dans La Princesse Jaune, la femme toujours nouvelle dans Djamileh). Moins réussie esthétiquement que La Princesse jaune, la mise en scène de l’opéra de Bizet aurait peut-être gagné à se situer moins dans un entre-deux entre Orient rêvé et Occident et à prendre plus à bras le corps les enjeux du livret, comme la servitude volontaire de Djamileh. De grands panneaux de moucharabiehs forment un décor qui peut virtuellement rappeler les barreaux d’une prison (une prison mentale ou concrète) mais le reste des éléments de plateau et des costumes situent l’action dans un monde occidental contemporain assez fade où les situations ont assez peu d’intensité dramatique. 

Fustigée à sa création pour excès de wagnérisme, comme beaucoup d’œuvres à l’époque qui osaient développer des formes harmoniques différentes de celles des opéras français du début et du milieu du XIXesiècle, Djamileh est une partition pleine de charmes, où l’on retrouve l’extraordinaire talent de mélodiste et d’orchestrateur de Bizet, superbement mis en valeur par François-Xavier Roth à la tête de son orchestre sur instruments d’époque Les Siècles. Les timbres des vents, d’une grande richesse expressive et d’une franchise très « française », font merveilles dans cette œuvre où l’influence orientaliste se fait plus dans les alliages de timbres que dans l’utilisation de procédés signifiant l’exotisme, comme le fait Saint-Saëns dans La Princesse jaune, en usant abondamment de la gamme pentatonique. On notera le caractère amusant de l’introduction du lamento de Djamileh « Sans doute l’heure est prochaine », qui reprend très exactement le même schéma harmonique que le début de Tristan und Isolde ; mais Bizet résout immédiatement la tension harmonique, alors que Wagner tient le spectateur en haleine bien plus longtemps… La musique de La Princesse jaune est moins ambitieuse, tout à fait plaisante et les dialogues, en alexandrins, tiennent une place plus importante que dans Djamileh, dont la forme plus continue lorgne déjà plus vers Carmen ou Manon.

Le rôle masculin principal de chaque œuvre est interprété par le même artiste, le jeune et talentueux ténor malgache Sahy Ratia. Son Kornélis est d’une grande sensibilité d’expression, tout en clarté et moelleux. Le français est d’une limpidité confondante et la ligne d’une souplesse idéale. Il prend en Haroun des accents plus héroïques, qui se muent en lyrisme ardent à la fin de l’ouvrage, quand le prince cède à l’amour de Djamileh. Jenny Daviet confère au personnage de Léna un caractère frémissant, déclamant avec aplomb les alexandrins impossibles de Lous Gallet. Son rayonnement scénique et la fraîcheur de la voix, teintée de pointes plus acides, font vraiment s’interroger sur l’aveuglement du personnage masculin : comment ne pas tomber instantanément sous son charme ? Même observation pour la Djamileh souveraine d’Aude Extremo, dont l’opulence de timbre ne peut qu’hypnotiser dans ce théâtre à l’acoustique saisissante. De graves torrides en aigus enivrants, la voix est d’une homogénéité impressionnante. Cependant, émission plus large oblige, la diction est moins précise que celle des autres chanteurs du plateau, mais la richesse de la palette d’expression musicale pallie largement cette faiblesse. Le rôle de Spendiano est tenu avec beaucoup de classe par le baryton Philippe-Nicolas Martin, doté comme ses partenaires de grandes qualités musicales et d’une présence scénique indéniable.

Le Chœur de l’Opéra de Lille, d’une belle homogénéité et à la diction exemplaire, participe à la réussite de l’ensemble. Un CD enregistré dans la foulée des représentations de Tourcoing viendra conserver une trace de cette Djamileh, qui n’était jusqu’à maintenant pas très bien servie au disque.

* On regrette par ailleurs, comme dans le livret de l’enregistrement publié, que les vers de Léna mentionnant l’expression « princesse jaune », alors qu’elle exprime sa jalousie envers Ming, ait été retirées, parmi d’autres coupures : ils rappellent que le titre, d’une grande violence raciste considéré tel quel, est le discours rapporté d’un des personnages.

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