Soucieux de faire résonner musique ancienne et contemporaine, Léo Warynski enrichit le Requiem d’une somptueuse version de Mnémosyne de Philippe Hersant – crée l’an passé à Saintes. De même, ici, le Canone a 16 all’unisono d’Andrea Basily constitue un contrepoint historique de qualité à la pièce de Philip Glass. Entrant et sortant de scène, les chanteurs nous immergent dans un bain sonore à la polyphonie infinie qui prépare l’oreille à l’univers assonant qui suit.

Léo Warynski connaît fort bien la musique du chantre du minimalisme puisqu’il a dirigé Einstein on the Beach au Teatro Colón de Buenos Aires et Akhnaten à l’Opéra de Nice dans la mise en scène de Lucinda Childs. Une équipe qu’il retrouvera dès la rentrée pour Satyagraha.
Il était donc logique qu’il souhaite nourrir la représentation d’Another Look d’une dimension visuelle, d’autant plus que le titre même de l’œuvre invite à garder les yeux grands ouverts. Cette mise en espace n’a rien d’accessoire et s’avère une totale réussite :
Vêtus de longues robes-manteaux noirs en tie and dye imaginés par Camille Pénager, les chanteurs semblent autant de serviteurs d’un culte mystérieux et immémorial. Longs cheveux lâchés dissimulant entièrement leurs visages lorsqu’elle ne chantent pas, mezzos et altos se font pythonisses au service de Chronos.

La scénographie imaginée par Céline Diez et Clément Debailleul fonctionne particulièrement bien dans la nef si haute de la basilique. Les vidéos projetées sur trois grands disques superposés qui surplombent les chanteurs constituent un remarquable support à l’imaginaire. Le cheminement coloré, organique, à la limite de l’abstraction, évoque tour à tour une trinité contemporaine, les quatre éléments, une matière impalpable et ondulatoire – cellule microscopique ou voix lactée – qui ne pollue pas le moins du monde l’écoute mais au contraire semble en amplifier l’effet hypnotique. Comme le souligne le chef, cette « partition visuelle transpose les principes de composition dans le champ du regard ».

Un singulier envoûtement saisi le spectateur à la découverte d’une pièce qui, à tout juste cinquante ans, précède immédiatement Einstein on the Beach.
Denis Comtet, impavide, sert superbement ce répertoire finalement assez réduit d’œuvres profanes pour chœur et orgue.
Sa maîtrise rythmique souligne la stabilité et les qualités percussives des chanteurs. Dans ces boucles répétitives, c’est la rythmique qui modifie l’harmonie. Ici, la fluidité des décalages quasi imperceptibles, concourt à un puissant ressenti océanique.
Autant la justesse de l’ensemble nous avait posé question en début d’été dans le Boléro de Maurice Ravel au festival d’Evian, autant ici, elle est indiscutable. Le chœur conserve présence et intention en dépit de l’enchaînement des séquences. L’exigence du travail accompli force le respect.
Philip Glass laissant beaucoup de liberté à ses interprètes dans le jeu des nuances, peut-être aurait-il été enivrant de plus en user. Ceci dit, l’homogénéité du son, la précision dans les couleurs des phonèmes, la densité de la pâte sonore soulignent les subtils dérèglements qui font de ces cinquante minutes un temps de transe suspendue.

Notre consœur Christine Ducq, avait beaucoup apprécié le Cd sorti ce printemps chez b.records. Le spectacle, crée le 15 mai dernier à la Filature de Mulhouse, sera repris à la Philharmonie de Paris les 18 et 19 septembre prochain et en version concertante au festival de la Chaise-Dieu dès le 29 août.
Les rencontres Musicales et les Métaboles renouvelant leur compagnonnage pour trois années supplémentaires, les festivaliers retrouveront l’Ensemble l’an prochain.

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©RMV-V.Arbelet

Les outils rhétoriques déployés par le cardinal Pamphili, librettiste de l’œuvre, se révèlent pourtant remarquablement percutants comme les « ma poi  ?/Et après ? » qui rythment les interventions de la Pénitence face aux aspirations de Divertissement de la jeune Marie-Madeleine. Ceux-ci sont d’autant moins opérants que les protagonistes sortent fréquemment de scène plutôt que d’interagir directement. Voilà qui nuit forcément à la crédibilité scénique et donc émotionnelle de la représentation.
Marie-Frédérique Girod n’en n’est pas moins touchante et très bien accompagnée par le continuo qui épouse les errements de sa pensée – dans l’air «  Agitata » ou encore le récitatif « Asprà è la via » dont le dépouillement exprime déjà l’aspiration à se débarrasser du superflu. Tout au long de la représentation, elle déploie de jolies couleurs bien timbrées, des sons filés expressifs en dépit d’une justesse parfois limite. La mélodie prenante de « sento all’alma nuova vita » lui va également à ravir.
Lise Viricel, pour sa part, s’enorgueillit d’une belle force de conviction avec un sens affuté des nuances dans « Oltraggia la bellezza ». Impeccable vocaliste, elle brille dans « Nell’etàdestinata ».

Un souffle de passion, de démesure, suffirait à faire triompher la grâce de cette proposition.

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©RMV-V.Arbelet

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Le voyage peut également délaisser la légèreté pour se faire intérieur : Warum? Pourquoi? Telle est l’obsédante question que se pose chacun quant à sa présence sur cette terre et au scandale de sa fin inéluctable. L’interrogation révoltée de Job résonne puissamment sous les voûtes de l’abbatiale avec ce Lied de Johannes Brahms qui ouvre le concert.
Il était logique que ce haut lieu de spiritualité relaye le questionnement métaphysique que proposent, à cappella, les Cris de Paris. Dans l’Abbatiale, le mal est envisagé comme une cause extérieure : Diables et monstres, guerriers meurtriers… animent les sublimes chapiteaux. En écho, le programme donne un entendre un spleen intime, teinté de Sturm und Drang ».

C’est en orfèvre que Geoffroy Jourdain aborde ce répertoire puissant et sensible comportant des pages exceptionnelles de grands compositeurs. Allant et venant dans la chronologie de son corpus, l’Ensemble initie une déambulation mentale en quête de sens. Les réponses ne sont pas univoques. La réflexion s’avère moins linéaire que cyclique, comme dans la vie. Voilà qui rend le programme plus touchant encore.

Tout au long de la soirée l’ensemble se pare d’une pâte sonore chaude richement colorée, d’un bon équilibre des pupitres et d’une excellente diction allemande. Les médiums sont soyeux dans « Warum ist das Licht gegeben dem Mühseligen? » qui manifeste une large palette d’émotions, nuançant le cheminement de la pensée depuis l’angoisse métaphysique jusqu’à la sérénité. Dans ce premier Lied, c’est déjà tout un parcours existentiel qui est merveilleusement rendu à travers une ligne mélodique déroulée telle un ruban.

« Resignation », extrait des Geistliche Lieder de Hugo Wolf permet d’apprécier à nouveau les qualités de délicatesse et de legato, la suavité des attaques comme la précision des finales, dépourvues de brutalité. Les voix se superposent telles des vagues dont le flux et le reflux induisent une respiration large et enveloppante. La direction imagée du chef traduit parfaitement cette intention. À plusieurs reprises au cours de la soirée ce ressenti s’imposera comme dans Friede auf Erden (« Paix sur la terre ») d’Arnold Schoenberg à l’envoûtante saturation sonore.

De même, l’évocation de la nature est merveilleusement rendue. C’est le cas avec Hugo Wolf ou Johannes Brahms dans ses cinq Lieder qui constituent un moment suspendu. Les couleurs aquarellées par le choeur y campent délicieusement les personnages dans « Nachtwache » II, opposent les saisons de l’âme dans « Letztes Glück » ou dans le superbe « Im Herbst ». Dans l’extrait du Requiem de Peter Cornelius, la tempête – projection éminemment romantique des tourments intimes – déploie une tension puissamment évocatoire. Les montagnes grondent, la forêt bruisse pareillement d’harmonies imitatives avec « Verlorene Jugend » de Johannes Brahms. Le très beau crescendo fait sonner les voix jusqu’au frisson d’un premier « Seele, vergiss sie nicht die Toten » (« Ame, n’oublie pas les morts »), poignant, qui contraste magnifiquement avec la tendresse de la reprise finale de cette même incantation.

Le texte extraordinaire tiré de l’Ancien Testament, « O Tod, wie bitter bist du » (Mort, que tu es amère) a également été mis en musique par Brahms dans ses Vier ernste Gesänge écrit à l’occasion décès de Clara Schuman. C’est la version de Max Reger qui a été choisie ce soir. La polyphonie complexe y reste parfaitement lisible. L’ensemble fait son miel des contrastes entre frottements et harmonie, entre fortissimo puissamment vibratoire et pianissimo tout en retenue.

A ce temps fort de la soirée succède un moment moins réussi avec le « Contrapunctus » de Dieter Schnebel d’après Johannes Sebastian Bach. Inscrire ce répertoire choral dans la filiation du compositeur de Leipzig ne manque pas de pertinence mais la spatialisation dans les nefs latérales dessert étonnamment le propos : elle déséquilibre considérablement les pupitres et donne à entendre des faiblesses de timbres imperceptibles par ailleurs. Humains, trop humains ? Les chanteurs remontent sur le plateau pour deux arrangements de Gustav Mahler par Clytus Gottwald. « Die zwei blauen Augen » propose de formidables nuances, comme une respiration émue qui enflerait face à ses « deux yeux bleus », condamnation à l’amour et au chagrin. A nouveau, le miroir de la nature et de « ces fleurs qui ont neigé sur moi » avant la sensualité sublime de « tout était redevenu paix » (« War alles, alles wieder gut ») transporte le spectateur. On retrouve le même tapis sonore dans le second Lied, « Ich bin der Welt abhanden gekommen » d’une remarquable sensibilité. S’y détache parfois une voix soliste à la tendresse indicible.

Un spectacle à applaudir à Ambronay le 14 septembre prochain à moins que vous ne souhaitiez découvrir le dernier CD des Cris de Paris dans un répertoire rare.

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Le jeudi 22 août, Bruno de Sà, les Accents et Thibault Noally au violon et à la direction ; les Vêpres à la Vierge de Monteverdi par la Cappella Mediterranea et le Chœur de chambre de Namur, dirigés par Leonardo Garcia Alarcon ;

Le vendredi 23, un oratorio de Ziani (avec des œuvres de Vivaldi) par l’Escadron volant de la Reine ; des psaumes de la pénitence (de Lassus à Arvo Pärt) par la Cappella Amsterdam ;

Le samedi 24, Dufay et ses contemporains byzantins avec l’Ensemble Irini ; associée à des œuvres de Brahms et Bruckner, la Symphonie de Psaumes de Stravinski, confiée à Léo Warinski qui dirigera les Métaboles et l’Orchestre philharmonique de Strasbourg ;

Dimanche 25, Vox luminis, qu’anime Lionel Meunier, propose déjà une cantate de Bach (Der Friede sei mit uns), où le public est invité à chanter le choral final ; puis son Oratorio de Pâques, associé à la Missa paschalis de Zelenka.

Sans oublier les nombreuses animations, ateliers et récitals abordant toutes les expressions musicales, des traditions orales au scat, on ne sait où donner de l’oreille, ou de la voix et du geste. D’autant que le cadre admirable et simple aura séduit bien des écrivains et artistes depuis fort longtemps, c’est l’assurance d’émotions partagées.

www.lacitedelavoix.net   renseignements et réservations : 03 86 94 84 40

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Les candidats professionnels, ou en cours de professionnalisation, doivent être âgés de moins de 35 ans.

Inscription avant le 15 février. Plus d’informations sur lacitedelavoix.net.

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Créée en 2015, la Cité de la Voix, dont le siège se situe au cœur du village de Vézelay, propose tout un panel de formations, stages et ateliers à destination de professionnels de la petite enfance et de l’enseignement mais aussi à destination de praticiens amateurs, et intervient dans les établissements scolaires avec des projets structurants tels que le 100% choral (plus d’informations).

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Comme le précise le communiqué de presse, ce chef d’œuvre sera suivi des 4 Motets opus 10 de Maurice Duruflé, courtes partitions composées en 1960 et fortement imprégnées de chant grégorien.

Ces pièces ont été enregistrées au mois d’août dernier au cœur de la basilique de Vézelay. Ce court extrait vous mettra sans doute l’eau à la bouche https://www.youtube.com/watch?v=Pc1Yf7QlmvI&feature=youtu.be

Vous retrouverez l’intégralité de ce concert en Première You Tube sur la chaîne de la Cité de la Voix, à partir de 16 heures ce 20 janvier, puis sur sa page Facebook, ainsi que sur celle de l’Ensemble Aedes.

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