C’est dans un lieu tout neuf et magnifique, mais hélas provisoire – ce chapiteau érigé en quelques mois sur un terrain vague du bas de la ville devra être démonté avant l’hiver prochain – que la Monnaie présente désormais ses spectacles en attendant la fin des travaux de rénovation de sa salle historique. Un énorme plateau de 500 m2, une salle en légère pente, beaucoup d’espace mais peu de hauteur, un village de loges préfabriquées rebaptisé Containerville pour abriter les artistes accueillent pour une demi-saison l’opéra bruxellois, dans le froid (ne laissez pas vos manteaux au vestiaire) et dans une acoustique un peu sèche qui nécessite hélas l’amplification des voix, il faudra s’y habituer.

Comment se protéger des metteurs en scène qui n’aiment pas l’œuvre qu’ils présentent ?

Richard Brunel, qui malgré son jeune âge n’en est pas à son coup d’essai, face à l’œuvre de Berlioz qu’il juge trop légère, décide non sans une certaine arrogance d’en réécrire complètement les dialogues (et pourquoi pas la musique aussi, tant qu’on y est ?) et d’infléchir considérablement le destin des personnages, jusqu’à défaire les unions qui devaient se faire, et aller rechercher dans Shakespeare quelques éléments que Berlioz avait délibérément laissés de côté. Il réintroduit ainsi le personnage de Don John dont il fait un Don Juan (mais rien à voir avec celui de Tirso de Molina) et invente de toutes pièces une fin radicalement opposée à l’esprit tant de Shakespeare que de Berlioz : le parallèle entre les deux couples et leur attitude contrastée face à la perspective du mariage est faussé et le deuil qui devait être reconverti en ivresse laissera un goût bien amer dans la bouche du spectateur.

L’œuvre s’en trouve-t-elle renforcée ? Sur le plan dramatique, elle est considérablement plus sombre et plus complexe que l’original, correspondant davantage, sans doute, à l’esprit de notre époque torturée – on suppose que c’est là la mission que s’est donnée le metteur en scène – ou peut-être simplement à son état d’esprit à lui et sa vision de l’amour, ça le regarde. Mais elle est dès lors en totale rupture, dans toute la fin du spectacle, avec la partition musicale, dont on a même dû inverser quelques scènes pour faire tenir le tout. La légèreté de ton initiale, exprimée par la brillantissime musique de Berlioz fonctionne ici à contresens, l’orchestre semble se réjouir de la souffrance des fiancés désunis, avec une perfidie que Shakespeare lui-même n’aurait pas osée.

Et comment expliquer le retour au thème de l’ouverture, brillant, léger, joyeux, après une conclusion aussi amère et morose ? C’est comme si le metteur en scène n’entendait pas la partition, et considérait qu’on pouvait changer les paroles en maintenant la musique, pourvu que le nombre de pieds y soit. Triste raccourci !

Anne-Catherine Gillet (Héro), Lionel Lhote (Somarone), les choeurs de la Monnaie, Etienne Dupuis (Claudio) © Bernd Ulhig

Au plan visuel, exceptés l’aérienne entrée de la mariée descendue des cintres et le mur du souvenir des soldats disparus au combat, le spectacle présente peu de beaux tableaux. Dans un décor de chapelle un moment transformée en salle de bain militaire, et avec quelques accessoires, une série de lingères et de baignoires sous des éclairages peu travaillés, Brunel réussit à placer toutes ses scènes dans le même espace. Le jeu des acteurs n’est guère plus élaboré, avec de longs silences gênants dans les dialogues parlés dont le moins qu’on puisse en dire est qu’ils n’ont pas le rebond de la musique de  Berlioz.

L’indignation sur les incohérences scéniques étant maintenant passée, concentrons nous sur la partie musicale du spectacle. Honneur au chef d’orchestre, tout d’abord : Jérémie Rhorer dirige Berlioz avec entrain et précision, avec un amour visible de la partition, un enthousiasme communicatif qui fait plaisir à entendre. L’acoustique rend sans doute insuffisamment justice à son travail sur les timbres (l’orchestre est peu sonore face aux voix amplifiées) mais le soin porté aux détails, l’excellente communication avec les chœurs et  le souffle qui anime l’ensemble sont un régal permanent pour qui aime cette musique. Et les voix ne sont pas en reste : Anne-Catherine Gillet, meilleure chanteuse que comédienne, prête sa voix délicieuse et sa brillante technique au personnage de Héro et rivalise avec l’intrépide Stéphanie d’Oustrac qui campe avec beaucoup de verve et de talent le rôle de Béatrice. Excellente voix également, la jeune mezzo Eve-Maud Hubeaux donne relief et substance au rôle d’Ursule. Du côté des voix masculines, on soulignera les performances du baryton Etienne Dupuis (Claudio) et du ténor Julien Dran (Bénédict), tous deux avec une excellente diction française et une belle adéquation à leur personnage, ainsi que de  Frédéric Caton (Don Pedro), Pierre Barrat (Leonato) et Lionel Lhote en Somarone, maître de chapelle transformé par la mise en scène en méchant. Le comédien Sébastien Dutrieux en Don Juan (rôle parlé ajouté par le metteur en scène) complète la distribution.

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Il y a d’ailleurs de quoi s’émerveiller qu’ils se soient mis à trois pour passer à côté de l’œuvre. Ont-ils obéi à des réflexes pavloviens, certains mots déclenchant des automatismes au lieu de susciter des réflexions sur le texte ? Ainsi la parole « guerre » évoque dans le livret un conflit déjà terminé, ce qui l’éloigne du présent et du lieu, où il n’a aucune réalité concrète. L’évocation des morts est quantitative, abstraite, et pur prétexte à une raillerie de Béatrice. La seule guerre qui compte est celle des amours-propres, dont les mots sont les vecteurs. Or on nous donne à voir un immeuble éventré toujours visé par des bombardements, où femmes et enfants vivent au rythme des alertes, sous les photographies de leurs disparus, et Claudio rentre blessé du combat. Faut-il rappeler que puisque Berlioz est l’auteur du livret, la musique et le texte sont en symbiose ? Modifier celui-ci revient, même subrepticement, à altérer celle-là. Et quand on en utilise le rythme en négligeant les couleurs, ce qui est montré n’est pas au diapason de ce que l’on entend. Mais est-ce un souci pour Richard Brunel ? A voir comment les sommets de la partition, duos et trios, déroulent leurs enchantements sonores sur fond visuel d’étreintes et d’allées et venues superfétatoires, on se dit qu’il est peut-être de ces metteurs en scène égarés dans le lyrique qui croient les spectateurs incapables de se passionner pour la musique.

Lauren Snouffer (Héro) Pierre Barrat (Leonato) et Aimery Lefèvre (Claudio) © Patrice Nin

Tout le spectacle – hormis la séquence où Héro flotte dans les airs, matérialisation de son état d’âme au moment de son mariage – baigne donc dans un parti pris de réalisme, matériel ou psychologique qui est à notre avis un grossier contresens quant aux intentions de Berlioz. Les décors d’Anouk Dell’Aiera sont conformes à cette option, qui éloigne d’emblée l’atmosphère de comédie piquante choisie par le compositeur. (Comment souscrire à la gifle que Béatrice donne à Bénédict dans leur première joute verbale ? Une bonne part de l’élégance de ce verbiage disparaît dans le traitement qu’il subit). C’est d’autant plus frustrant que le savoir-faire est indéniable : ainsi le traitement des scènes 1 à 6, avec l’agitation engendrée par le bombardement, l’irruption des soldats et les retrouvailles témoigne d’une maîtrise indéniable des mouvements de foule. Séduisant aussi l’usage des couleurs pour le fond de scène, devenant un ciel lumineux puis une échappée vers un soleil déclinant – lumières de Laurent Castaingt – entre les branches chargées de feuilles mortes…Mais le lecteur se rend compte par ces détails que l’option réaliste a atteint ses limites, pour créer un climat où la mélancolie affleure, quand la musique impose l’évidence de l’introspection. Le hiatus recommence avec le trio féminin, traité avec un entêtement habile en exposé « sérieux » sur le mariage alors qu’il s’agit pour Héro et Ursule d’un jeu provocateur qui n’engage en rien leur sincérité. Mentionnons enfin l’insistance avec laquelle le problème des personnalités de Béatrice et Bénédict est rapporté à un antagonisme de genre qui ne sera résolu que si les hommes acceptent leur part féminine. Une thèse hors texte, peut-être destinée à amuser à bon compte avec le port du voile par un garçonnet d’abord, puis par Bénédict ?

Aux saluts, des huées se sont mêlées aux applaudissements à l’endroit de l’équipe de mise en scène. Elles ne visaient probablement pas Claire Risterucci dont les costumes assez indifférenciés, sinon pour les tenues des mariés, ne se rattachent pas précisément à une date déterminée même si l’on célèbre la libération de la Sicile, dont le gouverneur à l’air d’un retraité anonyme, et que les micros ont des pieds et des fils. Aucune réserve en revanche pour les chanteurs et les musiciens !

Les chœurs ont témoigné de la qualité de leur préparation, constante de la maison ; une réserve pourtant à propos de la pièce introductive de l’acte II, un peu trop présente et un peu moins douce que nous l’aurions aimée. Autre qualité de cette représentation, celle d’une distribution sans maillon faible. Pierre Barrat en gouverneur de Sicile manque bien un peu de la prestance et de l’autorité qu’on prête aux grands de ce monde, et Sébastien Dutrieux, dans le rôle de Don Juan, qu’il nous pardonne mais sa présence tenait pour nous de l’incongru, dans la mesure où Berlioz l’avait exclu. Quel était d’ailleurs l’intérêt d’introduire ce personnage qui ne joue même pas le rôle de conspirateur que Shakespeare lui a attribué ? Don Pedro, rôle secondaire, nous a semblé sacrifié par le jeu des réattributions, au détriment de Thomas Dear. Bruno Pratico, au contraire, voit le rôle de Somarone s’étoffer notablement, puisqu’il n’est plus seulement le compositeur-chef d’orchestre autoritaire et ridicule mais devient, par la volonté des adaptateurs, épris avec passion de Héro, dont il épie les mouvements et dont il cherche par tous les moyens de faire échouer le mariage. Le chanteur se plie aux exigences de cette conception mais on devine sans peine sa frustration, car ce personnage tourmenté lui interdit de donner libre cours à sa faconde, ce que le personnage de Berlioz autorisait et que la transformation de l’épithalame grotesque en marche funèbre interdit, comme le détournement de la chanson à boire, devenue moyen de perturber la fête, perd son caractère comique. En somme, le potentiel de l’artiste est sous exploité.

Gaia Petrone, en revanche, est moins ici une suivante qu’une compagne de Héro, et elle a sa propre vie sentimentale ou/et sexuelle. Elle participe au duo nocturne avec une belle musicalité et son timbre sombre donne envie de la réentendre dans un rôle plus exposé. Les deux jeunes premiers sont chez Berlioz moins favorisés que leurs belles.  Claudio par exemple n’a pas d’air soliste ; on ne peut que le regretter pour Aimery Lefèvre, un habitué du Capitole. Lauren Snouffer est une Héro délicieuse : elle en exprime la douceur pudique et elle a dans la voix l’agilité nécessaire pour les vocalises funambulesques qui couronnent son air d’entrée, quand son exaltation est à son comble, mais aussi la flexibilité requise par les lenteurs du duo nocturne, où sa voix et celle de Gaia Petrone se côtoient et s’enlacent dans une grisante harmonie. Bénédict, largement plus gâté que Claudio en tant que soliste, est incarné avec désinvolture et conviction par Joel Prieto dont la diction est quasiment irréprochable, qualité qui mérite bien qu’on la souligne pour un chanteur dont le français n’est pas la langue maternelle ; la voix est assez haute et légère pour s’envoler mais l’assise est ferme et l’homogénéité est l’impression dominante. Evidemment on souhaiterait pour lui un environnement scénique moins foisonnant au moment de ses airs mais il se tire crânement des embûches de la mise en scène. Julie Boulianne enfin succède à Toulouse à Béatrice Uria-Monzon ; dans l’extrême aigu du rôle, on perçoit fugacement un peu de tension, en particulier dans le solo du rêve et dans l’exaltation finale, mais pour tout le reste la rondeur de la voix « colle » au personnage décidé et « féministe » qu’on lui fait endosser. Son timbre ne se confond pas avec celui de Gaia Petrone et sa couleur spécifique enrichit délicieusement le trio du deuxième acte. Tant elle que Héro seront ovationnées.

Dans la fosse, c’est le triomphateur des Pigeons d’argile, le jeune chef Tito Ceccherini qui a la lourde tâche d’exalter cette musique exceptionnelle. Il s’y est préparé avec peut-être un rien de trop d’esprit de méthode, et on se prend parfois brièvement, à souhaiter un de plus de liberté dans le foisonnement rythmique. Mais en ce soir de première, peut-être se sent-il tenu à quelque prudence. Du reste, on parle plus de ressenti que de mesuré. En tout cas les pupitres étincellent et font alterner avec la même subtilité brillante accents acérés et mélodies au dessin pur dont l’expansion fait les paraboles qui emportent l’auditeur. Alors, sans doute Berlioz est outragé par cette révision du livret, mais ce qui monte de la fosse, ce qui se chante sur la scène, c’est Berlioz célébré !

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Comment se protéger des metteurs en scène qui n’aiment pas l’œuvre qu’ils présentent ?

Richard Brunel, qui malgré son jeune âge n’en est pas à son coup d’essai, face à l’œuvre de Berlioz qu’il juge trop légère, décide non sans une certaine arrogance d’en réécrire complètement les dialogues (et pourquoi pas la musique aussi, tant qu’on y est ?) et d’infléchir considérablement le destin des personnages, jusqu’à défaire les unions qui devaient se faire, et aller rechercher dans Shakespeare quelques éléments que Berlioz avait délibérément laissés de côté. Il réintroduit ainsi le personnage de Don John dont il fait un Don Juan (mais rien à voir avec celui de Tirso de Molina) et invente de toutes pièces une fin radicalement opposée à l’esprit tant de Shakespeare que de Berlioz : le parallèle entre les deux couples et leur attitude contrastée face à la perspective du mariage est faussé et le deuil qui devait être reconverti en ivresse laissera un goût bien amer dans la bouche du spectateur.

L’œuvre s’en trouve-t-elle renforcée ? Sur le plan dramatique, elle est considérablement plus sombre et plus complexe que l’original, correspondant davantage, sans doute, à l’esprit de notre époque torturée – on suppose que c’est là la mission que s’est donnée le metteur en scène – ou peut-être simplement à son état d’esprit à lui et sa vision de l’amour, ça le regarde. Mais elle est dès lors en totale rupture, dans toute la fin du spectacle, avec la partition musicale, dont on a même dû inverser quelques scènes pour faire tenir le tout. La légèreté de ton initiale, exprimée par la brillantissime musique de Berlioz fonctionne ici à contresens, l’orchestre semble se réjouir de la souffrance des fiancés désunis, avec une perfidie que Shakespeare lui-même n’aurait pas osée.

Et comment expliquer le retour au thème de l’ouverture, brillant, léger, joyeux, après une conclusion aussi amère et morose ? C’est comme si le metteur en scène n’entendait pas la partition, et considérait qu’on pouvait changer les paroles en maintenant la musique, pourvu que le nombre de pieds y soit. Triste raccourci !

Anne-Catherine Gillet (Héro), Lionel Lhote (Somarone), les choeurs de la Monnaie, Etienne Dupuis (Claudio) © Bernd Ulhig

Au plan visuel, exceptés l’aérienne entrée de la mariée descendue des cintres et le mur du souvenir des soldats disparus au combat, le spectacle présente peu de beaux tableaux. Dans un décor de chapelle un moment transformée en salle de bain militaire, et avec quelques accessoires, une série de lingères et de baignoires sous des éclairages peu travaillés, Brunel réussit à placer toutes ses scènes dans le même espace. Le jeu des acteurs n’est guère plus élaboré, avec de longs silences gênants dans les dialogues parlés dont le moins qu’on puisse en dire est qu’ils n’ont pas le rebond de la musique de  Berlioz.

L’indignation sur les incohérences scéniques étant maintenant passée, concentrons nous sur la partie musicale du spectacle. Honneur au chef d’orchestre, tout d’abord : Jérémie Rhorer dirige Berlioz avec entrain et précision, avec un amour visible de la partition, un enthousiasme communicatif qui fait plaisir à entendre. L’acoustique rend sans doute insuffisamment justice à son travail sur les timbres (l’orchestre est peu sonore face aux voix amplifiées) mais le soin porté aux détails, l’excellente communication avec les chœurs et  le souffle qui anime l’ensemble sont un régal permanent pour qui aime cette musique là. Et les voix ne sont pas en reste : Anne-Catherine Gillet, meilleure chanteuse que comédienne, prête sa voix délicieuse et sa brillante technique au personnage de Héro et rivalise avec l’intrépide Stéphanie d’Oustrac qui campe avec beaucoup de verve et de talent le rôle de Béatrice. Excellente voix également, la jeune mezzo Eve-Maud Hubeaux donne relief et substance au rôle d’Ursule. Du côté des voix masculines, on soulignera les performances du baryton Etienne Dupuis (Claudio) et du ténor Julien Dran (Bénédict), tous deux avec une excellente diction française et une belle adéquation à leur personnage, ainsi que de  Frédéric Caton (Don Pedro), Pierre Barrat (Leonato) et Lionel Lhote en Somarone, maître de chapelle transformé par la mise en scène en méchant. Le comédien Sébastien Dutrieux en Don Juan (rôle parlé ajouté par le metteur en scène) complète la distribution.

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