Le spectacle est aussi dans la fosse. Grand défenseur du répertoire italien, le chef israélien Daniel Oren dirige ici kipa sur la tête, et la caméra s’attarde à juste titre sur lui lorsqu’il dirige le bis du « Va, pensiero » : d’abord replié sur lui-même, comme prosterné, on pourrait le croire en prière devant le Mur des Lamentations, mais son corps se détend peu à peu, et il est fascinant de le voir mimer tout ce qui se chante sur la scène, en communion constante avec le chœur, et sans jamais perdre de vue les différents pupitres de son orchestre.

Sur ce plateau, inutile d’espérer trop de raffinement : on est en plein air et l’on chante pour plusieurs milliers de spectateurs qui voient l’action de loin. On fait de grands gestes et on roule des yeux, mais c’est un peu la loi du genre. Applaudie récemment en Lady Macbeth à Lyon, Susanna Branchini fait somme toute plutôt bonne impression : l’entrée en scène révèle un vibrato assez monstrueux, mais la voix se ressaisit ensuite. C’est miracle que cette artiste téméraire, qui cumule les rôles les plus lourds, ne paye pas davantage le prix de cette fréquentation, et puisse encore émettre des aigus piano et à peu près respecter la partition, malgré quelques sons glapis de manière pas toujours très orthodoxe. George Gagnidze n’est pas un Nabucco inoubliable, mais la voix est solide, et la sobriété de son incarnation évite au moins tout basculement dans le mauvais goût. Sa compatriote Nino Surguladze prête à Fenena un relief inaccoutumé, grâce à l’opulence de son timbre, certes, mais aussi grâce à la mise en scène qui rend le personnage beaucoup moins passif que ce n’est souvent le cas. Dans le rôle limité d’Ismaele, Rubens Pelizzari remplit bien son contrat. Rafał Siwek est un Zaccaria doté de l’autorité nécessaire et des graves qui ne le sont pas moins, pour un personnage qui guide l’intrigue depuis la première jusqu’à la dernière scène de ce Verdi de jeunesse.

Dans la vidéographie pléthorique de Nabucco​, ce nouveau DVD saura-t-il se faire une place ? Le spectacle mérite d’être vu, mais le roi des Assyriens a connu tellement de titulaires plus prestigieux, des barytons et même des ex-ténors…

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Heureusement, les Chœurs de l’Opéra national de Lyon, dirigés par Marco Ozbic, sont excellents – Verdi ne disait-il pas que les sorcières sont l’un des personnages principaux, et même qu’elles dominent le drame ? – et le rôle-titre est tenu avec éclat, présence et endurance par le baryton Elchin Azizov, qui donne au personnage de Macbeth un lyrisme rare. La voix est belle, s’impose sans effort et délivre une palette de sentiments contrastés, depuis la rencontre avec les sorcières jusqu’à l’annonce de la mort de Lady Macbeth, sans jamais céder à une déclamation qui oublierait le chant, dont on perçoit ici la moindre nuance.

Verdi, Macbeth, Lyon 2018 © Stofleth

À ses côtés, la Lady Macbeth de Susanna Branchini, dont on pourrait attendre au début plus d’inquiétante autorité pour la cavatine et la cabalette, mêle séduction et fermeté, belles envolées sonores, puissantes, qui peuvent être saisissantes comme dans « La luce langue », tout en observant les indications de Verdi dans la scène du somnambulisme, avec le fil di voce conduisant au contre-ré bémol chanté pianissimo.

Roberto Scandiuzzi campe un impeccable Banquo, à la voix ample et à la diction soignée, formant un duo remarquable avec Elchin Azizov. Dans le bref rôle de Malcolm, le jeune ténor Louis Zaitoun, du Studio de l’Opéra de Lyon, fait excellente impression, avec des interventions claires et bien projetées. Après avoir apprécié aussi la voix prometteuse du ténor russe Arseny Yakovlev qui se détachait à la fin de l’acte II, on n’a pu que souffrir avec lui de l’incident vocal qui l’a empêché de chanter correctement l’air « Ah, la paterna mano », tant attendu.

À la tête de l’Orchestre de l’Opéra national de Lyon, le nouveau chef permanent Daniele Rustioni insuffle quelques moments de lyrisme à un ensemble qui ne paraît pas toujours très précis, avec des nuances parfois approximatives. Une sorte de lourdeur empêche souvent le charme d’opérer, et l’on regrette un certain manque de finesse et de subtilité. La soirée, surtout marquée par quelques voix, ne convainc pas pleinement, comme si cette reprise d’une production rôdée s’était contentée d’une préparation moindre, peut-être en raison des deux autres œuvres importantes prévues dans le cadre de ce festival Verdi, qui ont dû nécessiter un travail considérable.

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C’est ainsi du moins que l’on comprend les choix interprétatifs de Susanna Branchini et Roberto Frontali, couple Macbeth parfaitement assorti dans une approche d’abord expressive de leur rôle. Le mot importe avant tout pour l’un comme pour l’autre. En témoignent les multiples intentions dont les deux chanteurs font usage, du cri au chuchotement, de sons livides ou au contraire hurlés : elle, s’appliquant cependant à ne pas simplifier les vocalises, osant même des aigus filés – jusqu’au fameux contre-ré bémol dans la scène de somnambulisme – longuement tenus au risque de déraper ; lui, assumant les notes les plus exposées, quitte à frôler l’accident lors des apparitions du troisième acte. Unis vocalement, unis scéniquement par un investissement extrême, sans concession, dans un rapport communément admis mais rarement aussi tangible d’une Lady démoniaque, dominatrice, inassouvie et d’un Macbeth plus agé, courageux mais entièrement sous emprise sensuelle.

Autour d’eux, une dame d’honneur moins suivante que d’habitude – Sophie Pondjiclis, mezzo-soprano issue de l’Ecole d’art lyrique de l’Opéra de Paris – ; un Banquo efflanqué – Andrea Mastroni dont on met la minceur du registre supérieur sur le compte de la jeunesse – ; un Malcolm qui parvient à exister avec le peu concédé par Verdi – Jérémy Duffau, bientôt à Strasbourg, Toulon et Saint-Etienne dans des petits rôles, en attendant les grands – et un Macduff – Jean-François Borras – dont l’interprétation de son seul air, un des plus beaux que Verdi ait confié à la voix de ténor, justifie à elle seule le déplacement. Soudain, le chant reprend ses droits : le timbre, la ligne et l’égalité sur toute cette ligne, le phrasé, l’accent sans que pour autant ne soit négligée la vérité de l’expression. Comme quoi…

© Vincent Pontet

Théâtre ou musique ? Daniele Gatti ne répond pas. La dissemblance entre l’engagement dramatique du Chœur de Radio France, au diapason des chanteurs, et la tempérance affichée de l’orchestre est schizophrénie. D’un côté, hommes et femmes, confondus ou non – sorcières, sicaires – sculptant le son comme pour lui donner forme ; de l’autre une volonté de gommer les arêtes, réfréner les ardeurs, endiguer le flot mélodique, attiédir une lecture que l’on voudrait de sang et de fureur ou, du moins, pour reprendre les propres mots du chef d’orchestre dans le programme : rugueuse, terreuse…

Invité en Italie, en Angleterre, en France aussi (Falstaff au Théâtre des Champs-Elysées en 2008, c’était déjà lui), Mario Martone est un faiseur d’images. C’est du moins ce que l’on retient ici d’une mise en scène sombre, psychanalytique mais illustrative au point d’user de la vidéo pour représenter ce que l’on n’est pas censé voir : le spectre de Banquo, les apparitions… Pas de décor mais des accessoires en accord avec le livret, une recherche aboutie de mouvement, deux chevaux et quelques indéniables réussites visuelles, telle la valse lente entre Macbeth et son épouse au finale du premier acte ou la forêt de Birnam comme inspirée d’un film de Murnau. Images, parmi d’autres, dont le traitement apporte une réponse inattendue à notre question initiale : théâtre ou musique ? Cinéma.

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