© Mirco Magliocca

Enfin , il nous tardait de découvrir la Lucia de Giuliana Gianfaldoni, remarquée au gala verdien de Parme en octobre dernier ainsi qu’en Nanetta, toujours à Parme. Il s’agit d’une prise de rôle et celle-ci est réussie. La native de Tarente s’approche avec moult précautions de ce personnage mais elle a de toute évidence le bagage technique et vocal pour en venir à bout.
Elle fait bien de s’en approcher avec prudence ; ses deux grandes scènes sont prises sur un tempo lent, ce qui lui permet de négocier l’ensemble des coloratures aussi justement que possible. Mais il y a surtout un timbre qui, dans les médiums et les graves nous rappellent Mirella Freni avec des harmoniques riches à souhait. Les aigus sont appliqués et justes, la puissance  très respectable.
Une prise de rôle qui doit donner confiance à cette jeune chanteuse à qui on ne pourrait que trop recommander de ne pas brûler les étapes.

L’article DONIZETTI, Lucia di Lammermoor (distr. B) – Toulouse est apparu en premier sur Forum Opéra.

Au tour de la jeune Lisette Oropesa de reprendre le flambeau et de tenter l’impossible, en réconciliant les contraires. Du côté de la virtuosité, on sera comblé. La voix est d’une beauté intoxicante sur absolument toute la tessiture, les aigus sont prodigués avec facilité et générosité. Oropesa se paie en plus le luxe de les varier à l’infini en termes de volume. Aucun passage orné ne semble poser de problème. La respiration est gérée avec maestria, et tout cela est réalisé avec un tel art que l’on reste confondu. Mais il y a plus : cette voix ne se contente pas de briller, elle se colore de mille tons pour émouvoir. Contrairement à beaucoup de coloratures qui finissent par toutes se ressembler dans l’aigu, l’Américaine garde son timbre bien à elle jusque dans les sommets, et cette voix ne se départit jamais d’un enracinement solide dans la chair. Pour un personnage aussi humain, aussi dolent que Lucia, c’est crucial, et cela donne un avantage inestimable. Son personnage existe, vit, souffre atrocement et nous bouleverse. L’italien est en outre parfait et les mots sont projetés avec leur poids exact. Est-ce à dire qu’absolument tout est irréprochable ? L’un ou l’autre aigu lancé en fin d’acte est un peu « arraché », mais cela n’aura d’importance que pour les Philistins armés d’une craie et d’un tableau noir. Tous les mélomanes honnêtes devront reconnaître que Lisette Oropesa vient de marquer l’histoire du rôle d’une pierre blanche.

Cette volonté de la chanteuse de conférer une vraie urgence dramatique au bel canto trouve son pendant dans la direction de Fabrizio Maria Carminati. Quelle baguette alerte, vivante ! Quelle habileté à traduire tous les rebondissements du mélodrame ! Quelle façon d’agripper l’auditeur par le col et de ne plus le lâcher, même en studio ! Un exemple parmi des dizaines : au final de l’acte II, peu après le sextuor, la façon dont sont négociés les innombrables changements de rythme : c’est à la fois fluide et comme indexé sur les humeurs changeantes des protagonistes. L’orchestre du Teatro Bellini de Catane sonne plein et charnu, flatté par une belle prise de son. Et il donne l’impression d’être prêt à suivre son directeur musical jusqu’au bout du monde. Tout comme les chœurs. Tout est brûlant d’ardeur dramatique, et on repense immanquablement à Flaubert et à Emma Bovary, qui sombre définitivement dans ses rêves mortifères après une représentation de Lucia Di Lammermoor à Rouen qui l’arrache pour toujours à sa réalité.

Stefan Pop est un Edgardo qui regarde déjà vers Verdi. La voix a un format héroïque, l’émission est franche, solaire, parfois en force. A condition d’adhérer à ce style, il est tout à fait permis de se laisser emporter par tant de générosité vocale. Le seul hic (relatif), c’est la différence de style avec sa Lucia, qui donne un duo « Verranno a te sull’aure » un peu étrange, mais après tout, ne peut-on pas considérer que les deux amants vivent dans des mondes différents ? Le Raimondo de Riccardo Zanellato est admirable de noblesse, d’onction, une vraie basse profonde, et on est heureux que son air « Dalle stanze ove Lucia » n’ait pas été coupé. Excellents Arturo et Normanno de Didier Peri et Dean Power.

Reste à mentionner les deux points faibles du coffret : l’horrible Alisa d’Irene Savignano, qui grince comme une porte mal huilée, et l’Enrico de Mattia Olivieri, dont on attendait beaucoup, tant sa jeune carrière laisse entrevoir de promesses. Hélas, son incarnation est très monolithique, type méchant de cinéma, et il se croit obligé de hurler dès que sa tessiture s’élève un peu vers les aigus, sans doute pour parachever le portrait du frère cruel. Dommage, parce que les moyens sont considérables, et une incarnation un peu plus sophistiquée aurait certainement été possible.

Mais que ces minuscules réserves n’empêchent pas les lyricophiles de découvrir un coffret passionnant à bien des égards, qui révèle en outre la vitalité des scènes lyriques italiennes en dehors de Rome ou de Milan.

L’article DONIZETTI, Lucia Di Lammermoor est apparu en premier sur Forum Opéra.

Il fallait s’attendre à un festival Rebeka et à cet égard, les espoirs n’ont pas été déçus tant la soprano est omniprésente et domine l’ensemble d’une voix héroïque obligeant les autres interprètes, pourtant tous excellents, à rehausser sans cesse leur interprétation. Les amateurs de voix de caractère, expressives et techniquement supérieures peuvent applaudir. Avec Marina Rebeka, il y a une reine belcantiste à célébrer. Et elle semble avoir ici trouvé son collier de perles.La chanteuse à la technique prodigieuse est parfaitement à son aise en Imogène. Le timbre, cependant, est une affaire de goût : Rebeka n’a pas le miel de Renée Fleming. Mais la  voix puissante et la capacité d’ornementation précise malgré les accents dramatiques impressionne. Les aigus qui viennent couronner une vocalise emporte tout sur leur passage, en un souffle quasi tellurique qui soutient sans peine les longs arcs de la première partie de l’air de la folie, sans que la voix ne perde de son éclat. Elle domine, un peu trop peut-être…au détriment d’un équilibre nécessaire, car Il Pirata, n’est pas l’opéra d’un personnage mais d’un trio.

Javier Camarena est l’un des rares chanteurs à  pouvoir triompher des écueils vocaux de Gualtiero. Le ténor a pour lui la vaillance des braves, la sensibilité désarmante donnant force et crédibilité à ce guerrier des mers dépassé par les soubresauts du cœur. Il a le timbre lumineux, l’aigu souverain à mettre en transe toute une salle. Dans cette tessiture particulièrement tendue, Camarena évolue avec une belle prestance. Il fait triompher ici le mordant du phrasé, la précision des attaques, et surtout cette incroyable capacité à varier la couleur d’une note, typique du pur belcanto. « Nel furor delle tempeste » en est une parfait illustration.  C’est ce que l’on entend tout au moins quand le ténor est seul en scène, mais au bras de d’Imogène, il apparaît parfois en retrait. Rebeka occupe l’espace et prend l’ascendant dans les duos, le ténor se trouve à certains moments débordé par sa partenaire, comme dans le final de « Bagnato dalle Lagrime » du premier acte,  et on se dit alors qu’un Michael Spyres et même un Marcello Giordani de la grande époque belcantiste, en auraient davantage imposé en Gualtiero dans ces cœurs à cœurs par une plus forte présence dramatique.

Avec Franco Vassallo, le baryton bellinien se dote de la verve verdienne. Le chanteur milanais a d’impressionnants moyens et est doté d’un aigu victorieux, mais l’écriture aux ornements subtilement esquissés requiert plus de nuances et comme toujours le baryton milanais est davantage dans la démonstration vocale que dans la nuance de l’interprétation. Toutefois, le chanteur est un acteur, et il interprète le rôle comme s’il était sur une scène d’opéra et nous donne à entendre un théâtre musical. il n’aime rien tant que jouer les âmes noires  Et son Ernesto aborde les vocalises avec plus ou moins d’agilité mais, dans les ensembles, il sait tenir tête à Rebeka en faisant parler sa puissance. il sait aussi paradoxalement expurger la noirceur coutumière d’Ernesto pour se faire plus miel, moins guerrier brutal et davantage mari blessé dans ses sentiments. A cet égard, le duo du deuxième acte est un moment clef où les voix traduisent à la perfection les pensées contradictoires de deux époux dans la tourmente des sentiments.

Les comprimari remplissent à merveille leurs tâches, de l’Adèle de Sonia Fortunato à l’Itubo de Gustavo de Gennaro en passant par le Goffredo d’Antonio di Matteo.

A l’ouverture où l’usage du crescendo rossinien repose sur l’accélation du tempo, ici l’attaque semble être un pocchino lento, mais rapidement Fabrizio Maria Carminati à la tête de l’orchestre du théâtre de Catane sait trouver la juste pulsation d’une œuvre charnière annonciatrice de la théâtralité verdienne. Et si l’on apprécie à juste titre une direction qui donne nerf et violence à la partition, on en admire pas moins le fini particulièrement soigné des détails instrumentaux. Chœurs et orchestre participent à l’éloquence narrative du langage musical bellinien.

On ne se lassera sans doute jamais des enregistrements live de Callas et Caballé qui sont des références absolues difficilement détrônables. Mais pour apprécier l’œuvre dans son ensemble cette édition, plutôt classieuse dans sa parure et sa distribution, est absolument indispensable.

L’article Il Pirata est apparu en premier sur Forum Opéra.

Longue fut l’attente, mais le disque dont elle nous fait aujourd’hui l’offrande, son premier album solo, Assoluta, est une radiographie fidèle de ce voyage d’une vocalité à l’autre, au fil de onze airs dans lesquels l’artiste rèvéle toute l’intensité de ses couleurs italiennes. Béatrice Uria-Monzon rend ici un vibrant hommage aux figures féminines, actrices assumées de leur destin. Dans ce périple vocal semé parfois d’embûches, du Bel Canto (Norma, La Gioconda) au répertoire lyrico-spinto des héroïnes pucciennes (Tosca, Manon Lescaut) puis de là au répertoire dramatique verdien (Macbeth, La Force du destin) jusqu’au verismo (Cavalleria Rusticana), l’artiste se lance un défi qu’elle assume avec brio dans une gradation dramatique allant crescendo. Dans une diction fluidifiée, (le talon d’Achille de la chanteuse auquel elle apporte désormais plus de soin), elle  projette des notes aiguës étincelantes et un torrent d’émotions qui vient de l’intérieur, donnant épaisseur et âme aux personnages qu’elle incarne. Dans le velours capiteux originel de sa voix Béatrice Uria-Monzon met ses couleurs fauves au service d’une expressivité rare. Tosca, Lady Macbeth, Santuzza étaient déjà entrées dans son répertoire scénique mais aussi Leonora, Manon Lescaut et, de manière plus surprenante Suor Angelica, Norma sont toutes, l’espace d’un air, habitées avec l’intelligence nourrie par l’expérience.

L’écoute de cet album fait écho à un un souvenir personnel de récital, un hommage rendu à Maria Callas par l’artiste en 2017 sur la scène de l’Elephant Paname (au côté d’Alain Duault, également auteur de la note de présentation de du présent album). Avec la Divina, Béatrice Uria-Monzon a comme point commun, de toute évidence, l’élégance naturelle et surtout le don chevillé au corps pour sonder en tragédienne le personnage jusqu’au tréfonds de l’âme. Dans le geste et la nuance justes, elle donne à comprendre l’essence humaine des destins qu’elle habite. Les héroïnes tragiques de Béatrice Uria-Monzon expirent dans une digne posture sans affliction, sans regret, sans lamentation. Elles affrontent le pire, avec une grandeur d’âme. Sa Tosca se jette dans le vide, mais elle le fait avec panache, car elle a l’étoffe de celles qui défient le destin. Le « Vissi d’arte, vissi d’amore » prend alors tout son sens. Sa Madeleine ainsi que sa Lady Macbeth consacrent également la tragédienne qui insuffle vie aux mots. Mais l’artiste atteint l’apogée du dire tragique avec La Gioconda et Manon Lescaut. Elle attise ici les braises d’une vie qui n’est plus que cendres. La voix est au bord des larmes, cherchant un sens à une existence qui n’en a plus, dans la tourmente des soubresauts des évènements qui font et défont les vies. Et pourtant, « Non voglio morire » chante Béatrice Uria-Monzon, héroïne au bord du précipice, comme un dernier sursaut avant l’inévitable qui puise ainsi dans l’intensité de la vie une raison encore d’espérer.

L’Orchestra della Fondazione Teatro Lirico Giuseppe Verdi et son chef Fabrizio Maria Carminati entièrement au service de l’interprète et de ses affinités électives, respire avec cette voix qui distille sa lumineuse douleur. On aurait toutefois souhaité que l’orchestre habite avec d’avantage de verve ces partitions à haute charge émotionnelle, notamment dans Verdi. Mais l’intérêt ici est la voix et la personnalité de son interprète. Béatrice Uria-Monzon n’a ici peur de rien, elle s’expose, prend des risques, elle se met à nu, elle prend l’auditeur comme témoin privilégié du destin de ces personnages tragiques auquel par l’interprétation il peut s’identifier car il n’y a ici aucune distanciation créé par le filtre de la voix. Au contraire, l’interprète se jette ici toute entière dans les flammes incandescentes des émotions humaines. « L’album est le reflet de ce que je suis à travers ces femmes » Dans cette  incarnation absolue, Béatrice Uria-Monzon s’empare de son sujet avec brio. 

L’article Béatrice Uria-Monzon, Assoluta est apparu en premier sur Forum Opéra.

En 1983, Moïse et Pharaon inaugura le mandat, aussi éphèmère que flamboyant, de Massimo Bogiankino. La distribution de l’époque réunissait Samuel Ramey, Shirley Verrett, Cecilia Gasdia et autres pointures sous la baguette inspirée de Georges Prêtre, dans un production de Luca Ronconi reprise 20 ans plus tard à Milan : nous sommes bien loin de tels sommets. Le Moïse d’Alexey Birkus excelle dans la déclamation, la voix est intéressante et répond aux exigences de la partition, mais l’interprétation est par trop monolithique. Le français n’est pas irréprochable, les « s » étant prononcés comme « ss », ce qui donne des tournures surprenantes telles que « Grand Dieu ! fesses éclatées » au lieu de « Grand Dieu ! fais éclater ». La basse italienne Luca Dall’Amico est un jeune chanteur fort estimable. Malheureusement, il est ici largement dépassé par les exigences du rôle de Pharaon et ses aigus (une huitième plaie d’Egypte), plutôt adaptés aux moyens d’un baryton-basse. La diction est également peu compréhensible. L’Aménophis de Randall Bills est en revanche tout ce qu’il y a de plus excitant, composant sans problème avec une tessiture meurtrière et un ambitus important, se payant le luxe de variations bienvenues avec des vocalises rapides et toujours bien ciselées. On retrouve ces mêmes qualités belcantistes chez Silvia Dalla Benetta, avec un chant bien orné, mais également capable des inflections dramatiques les plus fines. L’Anai d’Elisa Balbo est là encore un choix de distribution discutable. Les qualités belcantistes, en particulier la vélocité et la qualité des vocalises sont bien là, mais le rôle est trop aigu pour le soprano, ce qui l’amène à des stridences répétées. Patrick Kabongo est un Eliezer au timbre agréable, techniquement impeccable. Les autres rôles sont très correctement tenus. Personnage capital dans cette version, le Chœur de chambre Górecki de Cracovie nous paru bien juvénile, presque scolaire. L’appproche des Virtuosi Brunensis est vive et alerte, très différente de celle des orchestres de l’Opéra de Paris ou de Milan, et peut-etre plus proche de l’esprit de la création. A la tête de la formation, le chef Fabrizio Maria Carminati impose un vrai sentiment d’urgence, avec un tempo souvent excitant. Les ensembles sont plutôt réussis, en particulier le finale de l’acte III, «  Votre ardeur, votre foi chancelle !  », qui est proprement électrisant ! Notons que, contrairement à la représentation auquel assista notre confrère Maurice Salles, le cantique final est ici bien présent. La prise de son n’est pas fameuse, l’émission des chanteurs et l’écho variant avec leur position. Reste quel les enregistrements de l’ouvrage sont rares, ce qui donne un intérêt à cette édition, par ailleurs proposée à prix doux.

L’article Moïse et Pharaon, ou le passage de la Mer Rouge est apparu en premier sur Forum Opéra.

L’article Fabrizio Carminati au Teatro Bellini de Catane est apparu en premier sur Forum Opéra.

Saioa Hernandez, entendue à Strasbourg dans Francesca da Rimini, possède une voix ample, charnue et un vaste ambitus qui place Tosca et ses excès tout à fait dans ses cordes. Voilà un portrait sensuel et mûr. Toutefois, l’interprétation strictement vocale reste encore un peu verte et monochrome, notamment dans le deuxième acte où aigus et forte sont émis avec la même précision implacable mais aussi la même couleur blanche : rage, douleur, désespoir… difficile de faire la différence. Evidemment le « Vissi d’arte » souffre de la même anémie et reste encore précautionneux en nuances et sons filés. Francesco Landolfi propose un baron Scarpia sournois, dont la projection efficace compense un volume plus confidentiel. Le chant se teinte élégamment et ne verse jamais dans la facilité d’excès expressionnistes. Migran Agadzhanian triomphe grâce à un Mario presqu’autant en muscles qu’en nuances. Le timbre solaire et égal, l’élégance de la ligne, déjà remarqués en Beppe à Genève, enluminent le portrait du peintre amoureux au premier acte. Les quelques rodomontades face à Angelotti augurent de « Vittoria » surpuissants. Il lui manque encore un rien d’endurance pour préserver la fraîcheur de sa voix de certaines duretés qui apparaissent au fil de la soirée et vont priver «E lucevan le stelle», fort bien conduit au demeurant, de toutes les nuances et demi-teintes nécessaires. Luciano Leoni campe un Angelotti crédible, au port noble sous la fatigue de sa situation. Les seconds rôles apportent toute satisfaction de même que les choeurs du Regio et ou des jeunes de chorale Giuseppe Verdi de Parme : il est d’ailleurs surprenant que le jeune berger soit confié à une soprano (belle intervention de Carla Cottini).

© Roberto Ricci

Fabrizio Maria Carminati dispose d’un orchestre de qualité, aux cordes soyeuses et la petite harmonie délicate. Il mène le drame de manière alerte tout en prenant le temps de dépeindre les ambiances ou de verser dans le lyrisme des deux duos entre les amoureux au premier et dernier acte. Il parvient également à tendre le discours quand il faut, surtout au deuxième acte. Seul quelques scansions, comme les violons griffonant leurs accords lorsque Tosca déchiffre l’éventail ou quand Scarpia la presse de toute part, restent trop timides.

Passons plus rapidement enfin sur la mise en scène de Joseph Franconi Lee. Il s’agit d’une mise en image un rien stylisée : un escalier imposant sert d’élément structurant au trois actes. Quelques mobiliers et des toiles peintes descendues des cintres distinguent les lieux. Son principal défaut vient d’une direction d’acteur grandiloquente, remède au moindre semblant réalisme.

L’article PUCCINI, Tosca — Parme est apparu en premier sur Forum Opéra.