Le sang viennois coule pourtant, à travers les voix de Marianne Croux et de Léo Vermot-Desroches. Elle, Donna Anna il y a peu au Théâtre de l’Athénée – « Non mi dir » inséré entre deux airs de Lehár et Kálmán le rappelle. Lui, ténor distingué aux Victoires de la musique classique en 2023, bientôt promis aux premiers rôles – il sera Alfredo dans La traviata à Tours en fin de saison. Elle et lui alternant sur scène pour se rejoindre dans « Weisst du es noch ? » de Princesse Csardas et « Glück, das mir verlieb » de Die Tote Stadt, en milieu et en fin de concert.

La complicité ne s’acquiert pas en une seule soirée. Si irrésistibles soient les atours mélodiques de ces duos, la séduction des deux chanteurs agit moins ensemble que séparément. Elle, par le pouvoir d’un soprano au médium élargi sans que l’aigu ait pâti de cet élargissement, les registres soudés, le timbre gorgé de sève et de fruit dans un « Meine Lippe, die küssen so heiß » à la sensualité naturelle puisqu’induite par la voix, dosant jusqu’au tragique l’intensité de la romance d’Antonia, moins inspirée par « non mi dir » – étonnamment –, car peut-être trop confiante pour avoir chanté récemment l’air sur scène, ou au contraire entravée par l’absence du soutien dramatique qu’apportent le théâtre et ses artifices. Allez savoir ! Lui, plus long à céder à l’ivresse de la valse, encore raide dans « Grüß mir mein Wien » extrait de Comtesse Mariza pour mieux se libérer dans une chanson de Kleinsach à la diction irréprochable, dans la noble lignée d’un chant français qui aujourd’hui a pour porte-drapeau Bernheim et Alagna, usant de la voix mixte pour renouveler l’éventail de couleurs tout en préservant intacte sa force d’émission, alternant puissance et douceur comme l’exige ce parangon de Tauberlieder qu’est « Dein ist mein ganzes Herz ». Elle et lui réunis par deux bis, « Heure exquise » de La Veuve joyeuse (en français donc) et de nouveau « Weisst du es noch ? », musique pour laquelle Johan Farjot dit avoir eu un coup de cœur, partagé en ce qui nous concerne.

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Sans s’éloigner des rives d’une réconfortante tonalité, la musique dessine à l’encre de chine des paysages aux reliefs estompés. « Havre de paix pour l’oreille et l’esprit, en accord avec les traditions de l’île de Shikoku, un lieu de méditation et de pèlerinage », explique David Tepfer dont la voix – parlée – berce la dernière plage de l’album (« One short moment »).

Une barque glisse sur des arpèges liquides. Affleurent, cachés derrière le brouillard des notes, les visages de Ravel, Britten, Copland et même Wagner dont l’esprit de Tristan hante certaines des mélodies de Lovescapes, recueil présenté par Johan Farjot, comme « la première pierre d’une tétralogie » ambitionnant à terme de devenir un opéra « dans un style à définir, qui soit digne du XXIe siècle ».

Pour l’heure, le compositeur dit avoir voulu « mettre en musique ce que l’amour dit du temps qui passe. Le temps qui s’arrête et le temps qui s’accélère vers une fin inéluctable ». Quête proustienne dont l’aboutissement doit beaucoup à l’excellence de ses interprètes. Ainsi, Johann Farjot, lui-même, s’appliquant à démontrer au piano l’adage selon lequel on n’est jamais mieux servi que par soi-même. Ainsi Ambroisine Bré irradiée par les rayons de « Heart to heart », une déclaration amoureuse à un soleil d’hiver. Ainsi Jeanne Gérard épaulée par l’alto obsédant d’Arnaud Thorette. Ainsi Delphine Haidan qui d’une voix brûlante se consume dans le récit hypnotique de Kaguya inspiré par un conte japonais. Ainsi Stanislas de Barbeyrac et David Kadouch narrateurs inspirés de Shikoku, « l’histoire d’un couple qui se découvre au cours d’une aventure cycliste au Japon ». Puis Sandrine Piau, vouivre troublante intaillée en ces paysages d’amour (lovescapes) qui donnent leur nom à l’album.  

A l’écart des abimes autant que des sommets, l’écriture vocale sait ne pas mettre en danger des chanteurs assumant leur accent français en cohérence avec une démarche multiculturelle où influences musicales américaines avouées et poèmes en langue anglaise rejoignent une francité originelle. En cette période de dry january, voilà un antidote à l’atonalité qu’il faut siroter tel un Oolong dont la longue infusion peut révéler des aromes envoûtants.

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Karine Deshayes et Delphine Haidan forment un duo depuis une quinzaine d’années. Sous le nom facétieux de « Deux Mezzos sinon rien », le temps a scellé une complicité établie par la confusion de deux timbres identiques et pourtant dissemblables. Qu’il s’agisse d’opéra ou comme ici de mélodie, le répertoire préfère apparier mezzo et soprano. L’ambiguïté des tessitures joue en la faveur des deux chanteuses. Sur l’étoffe plus sombre de Delphine, les fils de soie ouvrés par Karine composent un velours somptueux dont on aime le toucher doux et la surface brillante. Le piano serein de Johan Farjot n’est pas étranger à l’impression d’équilibre qui se dégage de l’ensemble. Ces trois-là font la paire.

L’hédonisme sonore s’avèrerait une condition nécessaire mais insuffisante s’il n’était animé par le plaisir – et le désir – de faire de la musique ensemble. Les interprètes respirent de concert tout au long des vingt plages d’un album que les mezzos parcourent main dans la main, comme deux sœurs – ces « schwestern » que Brahms a voulues fusionnelles. Mendelssohn, dans les six duos (opus 63) dont les quatre premiers seuls figurent au programme, procède de la même euphonie. Les deux voix s’enserrent, se caressent et ne se séparent que pour mieux s’enlacer – « Herbstlied » et son incessant tourbillon.

Le répertoire français offre aux deux chanteuses plus d’indépendance, en même temps qu’il nimbe la lumière de rayons de lune – « La Nuit » de Chausson – et de soleil – « El desdichado » de Saint-Saens avec son rythme de boléro comme une invitation à franchir les Pyrénées. C’est alors que les palettes de couleur deviennent plus distinctes, fuligineuse pour l’une, mordorée pour l’autre. La netteté des lignes ici, la précision de l’attaque là, compensent les contours parfois flous de la diction. L’opéra, voire l’opérette – « Joie » –, affleure lorsque Massenet s’en mêle. Ecrit en 1871 pour soprano et ténor, « Rêvons c‘est l’heure » fut recyclé dans Esclarmonde. La critique estima alors trop suggestives l’effusion des vocalises et l’obstination moite de l’accompagnement. Avec Fauré et les arpèges délicats de « Puisqu’ici-bas toute âme », la conversation devient dialogue avant qu’en une boucle judicieuse, Brahms ne referme d’un geste doux et mélancolique cette promenade enchantée.

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