Avec quatre duos d’amours et deux airs pour chacun des deux protagonistes principaux, la partition de Gounod laisse peu d’espace aux autres interprètes (une bonne dizaine pourtant). Parmi ceux-ci on remarquera en particulier le Capulet de Clive Bayley, bien chantant, au français quasi parfait, dont l’incarnation est surtout d’une rare humanité, campant un père, à la fois aimant et maladroit, aveugle aux sentiments de sa fille, inhabituellement touchant. Le Stephano d’Anna Grevelius est sympathique à souhait, de même que la Gertrude d’Olivia Ray, très éloignée de la matrone habituelle. Le Frère Laurent de Mats Almgren est un brin caverneux, sonore et homogène sur toute la tessiture mais à l’articulation peu claire. Le Duc d’Arshak Kuzikyan à l’aplomb et l’autorité requise, mais la voix manque un peu de projection. Le Tybalt d’Anthony Flaum, enfin, est particulièrement bien chantant et scéniquement inquiétant. Les chœurs sont sonores et d’un français très compréhensible, l’acoustique excellente de la salle permettant d’apprécier les différents pupitres plutôt qu’une masse confuse.

A la tête de l’orchestre de l’English National Opera, phalange de grande qualité, Stephen Barlow offre une direction vive et dynamique, sans mièvrerie, très « française », soutenant l’attention tout au long de cette longue partition. Ce n’était pas une mince affaire compte tenu de la chaleur étouffante de la salle, dont la climatisation laisse encore à désirer : rappelons que le théâtre a été construit en un an, sans un sou d’argent public. La mise en scène de Patrick Mason transpose l’action sous le fascisme italien, mais les conséquences sont essentiellement esthétiques. La direction d’acteur est crédible et fouillée. Last but not least (pour rester dans le ton), l’ouvrage est donné dans son intégralité, exception faite du ballet dont une partie est conservée en introduction du cortège nuptial de l’acte IV : on entend ainsi le duo de l’acte II complet (alors qu’il est souvent coupé à partir de « Comme un oiseau captif ») et la courte scène entre Frère Laurent et Frère Jean (scène indispensable qui sert à expliquer pourquoi Roméo n’est pas au courant que la mort de Juliette est simulée). Les théâtres français ne sont pas souvent aussi respectueux de notre répertoire.

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Dans le rôle-titre, Lise Lindstrom a pour elle des aigus puissants et tranchants, mais on aura entendu des voix plus torrentielles. La chanteuse américaine est bonne actrice, avec une superbe prestance scénique. Le timbre est en revanche un peu dur : c’est sans doute moins gênant quand la soprano chante Brunhilde ou Elektra, mais Turandot n’est pas qu’un monstre froid et un peu de pulpe serait bienvenu. Par ailleurs, l’émission, plutôt en arrière, n’est ni agréable ni stable dans les parties piano ou dans le médium. Roberto Alagna campe un Calaf particulièrement électrisant, au volume impressionnant. Avec les années le timbre s’est légèrement durci, mais la voix conserve une grande partie de son moelleux caractéristique. Alagna assure également crânement les deux contre-ut de la partition, notamment celui sur «  Ti voglio ardente d’amor », sans doute un peu tiré mais spectaculairement tenu. Au dernier acte, son « Nessun dorma », chanté avec un art consommé, sait se parer de toute une gamme de couleurs, emportant la salle dans une immense ovation. Alexandra Kurzak propose une belle Liu, avec une grande musicalité, quelques notes pianos très réussies, mais l’interprétation reste un peu extérieure et peine à émouvoir. Parmi le trio des ministres, on ne peut pas ne pas passer à côté du Ping de Leon Košavić où l’on entend déjà un futur premier plan, ces acolytes Samuel Sakker et David Junghoon Kim étant par ailleurs parfaits pour leurs parties respectives.  Le Timur de Brindley Sherratt est en revanche un brin pâteux.

© Tristram Kenton

Dans la fosse, Dan Ettinger est resté un peu deçà des excellentes impressions de ses Tosca ou Bohème récentes. Le travail orchestral est de grande qualité, la direction est attentive aux chanteurs, mais on ne ressort pas de la salle avec l’impression d’avoir entendu quelque chose de fondamentalement nouveau. Signalons enfin des chœurs impeccables. Les caméras étaient présentes dans la salle : on ne peut qu’espérer la parution rapide d’un DVD de cette excellente matinée.

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Remplaçant Krassimira Stoyanova, Kristin Lewis offre de beaux moments, en particulier au dernier acte, avec de beaux sons filés dans son duo avec Carlo, et un aigu final tenu impressionnant. Le timbre est charnu dans la partie centrale, un peu plus aigre dans l’aigu. La composition dramatique est plus convaincante dans les scènes d’autorité (notamment avec Eboli ou Filippo) que dans les passages sentimentaux où son amour pour Carlo a du mal à se manifester concrêtement.

Remplaçant Ludovic Tézier, Christoph Pohl est un Rodrigo « de troupe », à la voix manquant de projection et au timbre passe-partout, mais se rachetant par sa musicalité et son intelligence. S’il parvient à convaincre dans ses solos, le baryton est beaucoup trop effacé dès qu’il doit chanter avec un de ses partenaires.

Ildar Abdrazakov produit l’effet inverse : les moyens sont importants, mais la caractérisation reste générique et l’émotion en deçà de ce que l’on est en droit d’attendre dans son long monologue (d’autant que la traduction italienne, trop prosaïque, ne rend pas justice aux différents sentiments du personnage).

Bryan Hymel et Christian Pohl © Catherine Ashmore

On passera sur la contre-perfomance de Paata Burchuladze en Grand Inquisiteur, à la projection devenue limitée et aux aigus précautionneux, et sans l’autorité fanatique nécessaire. De même, le Frère d’Andrea Mastroni​, peu respectueux de la rythmique, semble essayer de sauver les meubles. Ekaterina Semenchuk serait une Eboli proche de l’idéal, n’était un timbre un peu banal, mais le chant est royal et l’interprétation juste. Le Tebaldo d’Angela Simkin (qui remplace Emily Edmonds) attire l’attention et l’on se dit qu’on tient là une artiste à suivre (son intervention en Voix du Ciel est moins remarquable pour cause de sonorisation excessive). Même constat avec l’excellent Comte de Lerme de David Junghoon Kim à la belle projection, au noble phrasé et au timbre intéressant. L’une et l’autre font partie du Jette Parker Young Artists Programme.

La direction de Bertrand de Billy laisse dubitatif. Le tapis orchestral est un peu plat, le chef français semblant rechercher une sorte de fondu entre les pupitres. Le tempo est souvent rapide, et à certaines occasion hors de propos comme l’arrivée guillerette du Grand Inquisiteur venu discuter des assassinats de Posa et de Carlo avec Fillipo. L’autodafé n’est pas en place sans que l’on puisse clairement établir les responsabilités entre des chœurs insuffisants (en nombre et en attention), une musique de scène inaudible alors qu’elle est supposée faire écho à l’orchestre, et une voix du Ciel horriblement amplifiée. Il faut dire que c’est l’un des rares moments discutables de la production, les chœurs couvrant la musique par leurs éructations diverses. La dernière partie compte en revanche de superbes moments et la tension dramatique ne chute pas du « Don Fatale » jusqu’au finale. La mort de Posa et la scène de foule qui la suit sont parfaitement réussies.

La production de Nicholas Hytner est élégante et intelligente, faisant défiler les scènes sans interruption ce qui contribue à la fluidité de la représentation : seul l’autodafé déjà cité déçoit un peu. Malgré des réserves d’importance, le spectacle vaut mieux que la simple somme des parties tant les interprètes nous offrent un travail d’équipe particulièrement soudée.

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A 61 ans, Thomas Hampson offre de beaux restes. Une composition intelligente, soutenue par une prononciation impeccable. Mais l’âge fait aussi son effet et la justesse n’est pas constante. La prestance naturelle du baryton américain sied parfaitement au personnage de Lindorf, mais il sait tout aussi bien camper le burlesque et inquiétant Coppélius, et son Docteur Miracle est particulièrement terrifiant, faisant passer au second plan un certain manque d’agilité. Son Dapertutto est surtout bien chantant, Hampson optant comme souvent pour la version transposée pour basse de « Scintille diamant ».

L’Olympia de Sofia Fomina déçoit un peu. Malgré quelques suraigus spectaculaires (plusieurs contre-mi bémol et un contre fa tout de même) vers la fin de son air, les premières variations sont plutôt précautionneuses et la voix accroche sur certaines notes. En revanche, le côté mécanique du personnage est pleinement rendu. L’acte de Venise succède ici à celui d’Olympia (lorsqu’habituellement on poursuit avec celui d’Antonia). La Giulietta de Christine Rice est tout simplement l’une de meilleures qu’il nous ait été donnée d’entendre sur scène ces dernières décennies, voire l’une des rares vraies grandes interprètes du rôle, séductrice sans vulgarité, attentive au texte et scéniquement crédible. La voix est bien projetée, enveloppante avec son timbre chaud, la prononciation est limpide. Après une superbe Norma sur cette même scène, nous retrouvons Sonya Yoncheva dans un rôle bien plus court mais non moins électrisant. Le timbre est toujours aussi chaud, personnel, la puissance impressionnante (la seule de taille à rivaliser avec celle de Vittorio Grigòlo), les aigus spectaculaires, même s’ils sont un peu plus préparés que par le passé (un contre-ré un peu strident en coulisse, en réponse aux objurgations du Docteur Miracle ; un contre-ut dièse impressionnant, à la fin du trio). La diction reste en revanche perfectible : elle ne pose pas de problèmes à qui connaît déjà bien le texte, mais le spectateur peu familier aura du mal à comprendre les paroles. Mais c’est surtout dramatiquement que Yoncheva nous fascine : avec elle, Antonia n’est pas une simple victime de la maladie poussée à la mort par Miracle ; elle meurt en se libérant par le chant, cessant de lutter contre un don plus fort qu’elle dans une véritable course à l’abime où sa souffrance est joie. Et cette (P)passion transparaît à la fois dans son jeu et dans son chant : une composition unique qui renouvelle l’interprétation du rôle.

Sonya Yoncheva et Vittorio Grigolo © 2016 ROH / Catherine Ashmore

Dans cette version, le rôle de Nicklause est un peu sacrifié et on passera sur l’interprétation de Kate Lindsey, voix peu projetée et à la diction incompréhensible. Passons également sur la Mère d’Antonia de Catherine Carby, à la voix trop peu puissante pour être audible dans le trio. En Crespel, Eric Halfvarson doit au contraire discipliner sa « grosse » voix plus adaptée au répertoire germanique que français. En revanche, les quatre valets de Vincent Ordonneau sont parfaits, tant vocalement que dans une composition scénique drôle mais sans excès. Second français de la distribution, Christophe Mortagne est tout aussi excellent dans le rôle de Spalanzani. Décidément, nul n’est prophète en son pays. Parmi les nombreux petits rôles, tous parfaitement interprétés, on notera le jeune David Junghoon Kim en Natanaël : ce ténor est certes encore en devenir mais son potentiel est remarquable ; il est encouragé au travers du Jette Parker Young Artists Programme.

Evelino Pidò n’a pas semblé très inspiré par le chef d’œuvre d’Offenbach, et les chanteurs se dirigent eux-mêmes. A sa décharge, l’orchestre n’a pas paru davantage inspiré : à de nombreux égards, la présence au pupitre d’un chef à la hauteur d’Antonio Pappano aurait porté la soirée au pinacle de l’émotion, d’autant que Vittorio Grigòlo a besoin d’être canalisé.

Crée en 1980, la production de John Schlesinger (décédé en 2003), a gardé toute sa magie. Les costumes de Maria Björnson (décédée en 2002) nous semblent toujours aussi inventifs ainsi que les décors de William Dudley (il va bien, merci). Comme La Bohème du Metropolitan, c’est une vieille dame charmante à qui l’on rend toujours visite avec un plaisir renouvelé. Malheureusement, il semble que cette ultime reprise soit son dernier tour de piste : espérons que le Royal Opera la conservera pieusement au fond de quelque containeur (on sait ce qu’on perd mais on ne sait pas ce qu’on gagnera !). Dans tous les cas, la distribution de 1981 a déjà fait l’objet d’un DVD et celle de 2016 aura les honneurs d’une diffusion en direct en salle de cinéma le 15 novembre prochain, avec, on le souhaite, peut-être un nouveau DVD à la clé. Espérons également que la prochaine production abandonnera la classique édition Choudens (qui n’est pas sans qualités) pour proposer une vision plus récente : on peut s’attrister de ce qu’on ne saura jamais comment Offenbach aurait finalisé son œuvre, mais les manuscrits qu’il nous a laissés ont aussi permis aux musicologues de proposer de nouvelles versions riches et captivantes (abondance de biens ne nuit pas !). 

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Le déroulement de la cérémonie est immuable. Le rideau à l’italienne est à demi-relevé et le double drapé formé encadre un fond de ciel tourmenté, devant lequel trône le piano à queue où les pianistes  se succèderont  pour accompagner les mélodies, lieder, ou extraits d’oratorio, l’accompagnement des airs d’opéra étant réservé à l’orchestre. Un ordonnateur sérieux comme un pape préside aux annonces et règle entrées et sorties avec une scrupuleuse vigilance, prêt à remettre promptement et fermement sur le droit chemin qui s’égarerait de quelques pas, comme Teresa Berganza en fera l’expérience au moment de la remise des prix. L’assistance informée du déroulement de la soirée, David Syrus, déjà là en 2012, entre dans la fosse, et tout le monde se lève pour La Marseillaise.

Cent-quatre-vingt-un inscrits, quatre-vingts participants, douze finalistes. Les concurrents qui vont défiler dans l’ordre déterminé par le tirage au sort ont franchi le barrage des trois sélections et de la demi-finale. Le premier est un ténor coréen, Myong-Hyun Lee,  qui n’hésite pas à s’agenouiller pour  « Tombe degli avi miei…fra poco a me ricovero » tirant l’air d’Edgardo vers un vérisme démesuré, et dont le Der Kuss de Beethoven ne nous a pas convaincu. Lui succède Marion Lebègue, mezzosoprano française. Après un lied de Berg, « Dämmern Wolken » tout en finesse  elle déploie une grande voix lyrique , avec beaucoup de moelleux et un aigu final percutant dans l’air de Sapho « O ma lyre immortelle ». Le jury l’a-t-il rêvée comme nous en interprète des opéras français qui réclament largeur de la voix, longueur du souffle et fermeté noble ? Il la couronne du Premier Grand Prix Femme, sous les ovations du public.  Rien en revanche, hormis le diplôme de finaliste qui sera remis aux concurrents absents du palmarès, pour la basse chinoise Xiahoan Zhai, dont le timbre profond, la projection vigoureuse et le volume remarquable nous ont impressionné, moins dans « La vague et la cloche » de Duparc, où il fait pourtant montre d’un tempérament dramatique affirmé qu’il confirme dans le « Studio il passo, o mio figlio » de Macbeth. Rien non plus pour Narea Son, soprano sud-coréenne dont « Nous venions de voir le taureau » tiré des Filles de Cadix souffre d’un français appliqué et dont le « Bel raggio lusinghier » démontre une agilité indéniable mais une inadéquation vocale et une interprétation défaillante tant la souveraine de Rossini tend vers la soubrette pépiante, malgré le soutien attentif de David Syrus. Lui succède le ténor tchèque Petr Nekoranec, le benjamin puisqu’il a à peine 22ans depuis le mois de mars ; son « O might  those sighes and teares » de Britten est un choc, tant la voix sonne nette, claire, fraîche, et l’interprétation sensible. Malheureusement – c’est notre point de vue – son « Ah mes amis quel jour de fête ! » n’aura pas la même pureté, comme si un rhume naissant  l’entachait de nasalités sans toutefois compromettre l’émission des aigus. Le jury lui décerne le Deuxième Grand Prix Hommes, à la satisfaction générale. Dès qu’Angélique Boudeville ouvre la bouche,  l’opulence du timbre est celle d’un vrai soprano lyrique. Mais, et c’est peut-être pourquoi elle n’obtient que le Troisième Prix Femme, l’interprétation de « Nuit d’étoiles » de Debussy et de «  Dove sono » des Nozze di Figaro est plus appliquée que prenante et le souci du beau son tend à ramollir légèrement l’articulation. Nulle contestation dans le public.

Voici le tour d’un autre ténor sud-coréen, Junghoon Kim, dont le moins qu’on puisse dire en le voyant est qu’il a du coffre.  Et il le prouve, d’abord dans « Stell’auf den Tisch » de Richard Strauss, néanmoins assez nuancé, et surtout dans un « Nessun dorma » dont le « Vincero » final est si percutant qu’il en fait oublier à quelques-uns la règle sacro-sainte : on n’applaudit pas ! L’amplitude, la virilité du timbre, l’éclat de la projection, la production de demi-teintes, autant de qualités qui lui valent de recevoir le Premier Grand Prix Hommes à l’unanimité du jury, sur la même longueur d’onde que l’assistance puisqu’au vote effectué pendant la délibération il remporte également le Prix du Public. La soprano israélienne Hila Fahima qui remporte le Deuxième Grand Prix Femmes le méritait-elle ? Aucun désaccord ne s’élève…Pourtant la vocalise sur « Et incarnatus est » de la Messe en ut mineur de Mozart n’avait pas pour nous le caractère sublime que nous attendons ; mais avec son « Quel guardo il cavalier » elle campe une Norina piquante, à la voix brillante, homogène et sonore digne de lauriers. Ankhbayar Enkhbold, baryton mongol, repart bredouille : ni sa mélodie de Rachmaninov ni le « Nemico della patria » d’Andrea Chénier n’ont suffi à l’imposer, malgré des aigus faciles et une interprétation pénétrée. C’est aussi le cas de la soprano canadienne Heather Newhouse, dont ni « Ihr Mund ist stets derselble » de Richard Strauss ni « Sul fil d’un soffio etesio » de Falstaff, n’emportent l’adhésion, tant la fraîcheur sonne fabriquée pour l’un et la prononciation laborieuse pour l’autre. Au tour d’un ténor chinois, Yu Shao, pour une mélodie de Schumann, avec David Zobel au piano. Et d’emblée on retient son souffle : non seulement la voix est belle, à la fois douce et mâle, mais ce chanteur est un artiste, car l’épreuve imposée devient, grâce à sa sensibilité, ce qu’elle devrait toujours rester, un pur moment musical. Et à peine a-t-on repris haleine qu’on est bluffé par la qualité d’une diction qui garde à la romance de Mylio le moindre de ses charmes. Un aigu un peu serré a-t-il suffi pour que le jury ne lui accorde que le Troisième Prix ? Une large partie du public a protesté vigoureusement, de la manière la meilleure, en l’applaudissant très, très longuement. Dernier de la liste, Myeongjun Shin, basse sud-coréenne, exhibe des graves sépulcraux mais ne parvient pas à faire vivre « Der Tod, das ist die Hühle nacht » de Brahms, ni « A te l’estremo addio » de Simone Boccanegra et ne figurera pas au palmarès.

Pendant la délibération du jury, le public a pu voter pour le concurrent de son choix et comme il lui reste à attendre la proclamation des résultats les pronostics vont bon train, à grand renfort de haussements d’épaules – Non mais, qu’est-ce qu’il faut pas entendre ! – et de comparaisons avec les éditions passées. Enfin la sonnerie retentit. On se précipite…et vous savez la suite. Les prix sont remis par des représentants des sponsors (le Centre Français de Promotion Lyrique), de la Ville de Toulouse, du Conseil Général de la Haute-Garonne et par la Présidente du jury pour les Deux Premiers Grands Prix, et c’est à cette occasion que Teresa Berganza sera remise à sa place, au sens propre, par l’inflexible organisateur. Le même, infatigable défenseur de la tradition, tentera d’entraîner l’assistance dans La Tolosenca, hymne de la ville de Toulouse dont le texte est en occitan. Notre mémoire est-elle en défaut ? Il nous a semblé qu’en 2012 la réponse de la salle était largement plus massive et plus franche…Tout se perd !

Tandis que la salle se vide les happy few se rendent au foyer où un buffet a été dressé. On va y attendre les finalistes, au premier rang desquels les lauréats. Ce moment que les mondanités rendent souvent si frivole ou si insincère sera transformé par la présence discrète de Nicolas Joel, que ses amis ont déjà assailli dans la salle et qu’ils retrouvent avec émotion.  Et  évidemment par le cadeau de recueillir, de la bouche d’une Teresa Berganza que le temps a griffée mais qu’il n’a pu priver de sa vivacité gracieuse et espiègle, au moment de son départ, cette confidence : «  Je suis heureuse ! » Nous n’avons pas voulu d’autre conclusion et avons quitté la fête nous aussi. Longue vie au Concours de Chant de Toulouse !

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