Celles qui auraient dû être admirées, ce sont la librettiste Cordelia Lynn et la metteuse en scène Katie Mitchell. Force est pourtant d’avouer une certaine réticence. D’abord, parce que tous les ouvrages scéniques de Purcell font coexister le sublime et le grotesque, et que cette loi est ici totalement oubliée : Miranda est d’un bout à l’autre placé sous le signe de la souffrance, celle du deuil ou de la haine. Peut-être Raphaël Pichon a-t-il ici sa part de responsabilité, en n’ayant inclus aucune page légère ou brillante ; mais le moyen de faire autrement face à un tel rempart de féminisme vindicatif ? Dans Miranda, les hommes sont tous des salauds, des être veules ou tyranniques, et l’héroïne, qui nous répète trois fois au cours de la soirée qu’elle a été « exilée, violée, et mariée alors qu’elle était encore enfant », ne suscite pas forcément l’empathie qu’il faudrait. Dans l’histoire de cette virago revancharde, pas une once de distance, pas la moindre pincée de second degré. L’humour est une qualité britannique, mais sans doute pas une qualité féministe. Les paroles réécrites semblent parfois jurer un brin avec le caractère de la musique. Et Katie Mitchell, à qui l’on doit plusieurs spectacles bouleversants, ne nous propose ici qu’un long enterrement de première classe, un règlement de comptes dans un temple protestant en béton, puisque Miranda n’a rien trouvé de mieux que de se faire passer pour morte afin de dire leurs quatre vérités à tous ces pleutres de mâles qui l’entourent.

© Pierre Grosbois

Heureusement, il y a la musique. Heureusement, l’ensemble Pygmalion joue et chante admirablement, dans cette veine doloriste exclusivement cultivée. Dès l’ouverture, les instruments pleurent dans la fosse, et l’on aimerait entendre dans nos églises des chœurs aussi magnifiques que cette assemblée de fidèles venus porter Miranda en terre. Celle qu’on devrait pouvoir admirer, c’est Kate Lindsey, mais il n’est pas sûr qu’elle possède toutes les qualités requises. C’est seulement dans la dernière partie du spectacle que la voix acquiert enfin la projection nécessaire : jusque-là, on entend des graves quasi-parlés et un médium un peu flou, où le texte se distingue mal. Rien de tel avec Katherine Watson, qui excelle dans son rôle d’épouse brimée, et dont la voix claire mais émouvante sait ciseler les mots ; à une telle interprète, il n’est que justice d’avoir confié « The Plaint ». Allan Clayton a amplement de quoi s’imposer vocalement, si Ferdinand n’était pas un personnage sacrifié. Quant à Henry Waddington, une annonce préalable avait révélé qu’il ne ferait que mimer son rôle, et l’on doit à Alain Buet d’avoir sauvé la soirée en chantant depuis la fosse, d’une voix toujours solide, et aussi assurée que le permettait une mise en place tardive. Timbre aussi immédiatement identifiable qu’à l’accoutumée, Marc Mauillon est un pasteur bienveillant mais qui se borne à offrir à ses ouailles les consolations de son ministère. Et comme son premier disque l’avait montré, le tout jeune Aksel Rykkvin a déjà une voix virtuose, dont les sonorités sont plus celles d’une femme adulte que d’un soprano enfant.

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Né le 11 avril 2003, Aksel Rykkvin commence sa formation musicale à neuf ans dans les rangs du Chœur de la Cathédrale d’Oslo, mais également au sein du Chœur d’Enfants de l’Opéra National de Norvège. Véritable star locale, doté de son website, de sa page Facebook et très présent sur Youtube, il a donné une multitude de concerts dans son pays mais également au Royaume Uni et participait, en mars 2016, à la création d’Elysium, ouvrage post-apocalyptique de Rolf Wallin, après avoir déjà incarné le rôle-titre du Jasager de Kurt Weill. Aux habituels Ave Maria, Pie Jesu et autre Agnus Dei, Aksel préfère d’ailleurs le costume d’Oberto dans Alcina, un rôle écrit par Haendel pour le jeune William Savage et chez Mozart, ce n’est pas le délicat Hyacinthe qui retient son attention, mais Chérubin. A vrai dire, Non so più cosa son convient nettement mieux à son tempérament qu’un Lascia ch’io pianga emprunté et nerveux, mais pour peu qu’il canalise son incroyable énergie, la performance s’ouvre à la poésie (Bist du bei mir).

Fort hétéroclite, le programme n’échappe pas aux défauts propres à ces albums avant tout promotionnels. On aurait aimé que ses professeurs, mais aussi Nigel Short qui l’accompagne à la tête de l’Orchestra of the Age of Enlightenment guident les choix du jeune virtuose et le préparent mieux à interpréter certaines pages, à peine déchiffrées, au lieu de cautionner une transposition inutile et narcissique comme celle d’Eternal Source of Light Divine. Sans doute sommes-nous trop impatient de voir s’épanouir la musicalité d’un artiste si prometteur. Mais rassurons-nous, si la mue est inéluctable, elle ne mettra pas forcément un terme à sa carrière. Aksel nous reviendra peut-être en contre-ténor, tel Andreas Scholl, Bejun Mehta, Max Emanuel Cencic et bien d’autres, en baryton comme Sebastian Hennig ou encore en chef d’orchestre, à l’instar de Roy Goodman, Robert King ou Raphaël Pichon… Prochaine étape, si Dieu le veut : Yniold à l’Opéra National de Norvège au printemps 2017. Longue vie et prospérité !

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