Daniel SQUEO - Artiste - Forum Opéra

DONIZETTI, Roberto Devereux — Karlsruhe

Catherine Jordy — Sat, 23 Mar 2019 06:50:55 +0000

Après Anna Bolena proposée l’année passée et probablement avant Maria Stuarda, c’est le troisième épisode de la trilogie des Tudor de Donizetti que le Staatstheater de Karlsruhe présente cette année, avec trois variantes : deux distributions appuyées sur la troupe et une soirée de gala avec des solistes invités. C’est avec une salle comble que s’ouvre cette Première de la distribution A.

Dans cette production sobrement classique, on note avant tout la splendeur des costumes en dominante rouge et noir, dont profite tout le chœur et les solistes, dans des matières lourdes où les subtiles variations de tons ou de motifs réjouissent l’œil et offrent une belle palette de vêtements élisabéthains rivalisant de somptuosité. Bien entendu, la reine se doit d’être plus spectaculaire que tous les autres, alors que sa jeunesse s’est évanouie et que seul le paraître lui permet encore de donner le change. C’est essentiellement sur ce postulat que l’équipe du metteur en scène Harry Fehr a travaillé, afin de souligner le contraste d’une Elisabetta royale mais déchirée par ses tourments intérieurs, sa solitude et les affres de la jalousie, obnubilée par son amour au point d’en oublier toute conscience et réalité politiques. Au terme du drame, quand elle perd pied, la reine apparaît hagarde, nu-crâne excepté quelques rares mèches blanches, hideuse et en chemise, au milieu de sa cour, anéantie d’avoir eu à laisser exécuter son amour. L’intime et le privé prennent le dessus sur l’apparat, mais les glissements d’un état à l’autre se font de manière très subtile. Ce parti pris est entretenu pendant tout le spectacle, grâce notamment au plateau tournant qui masque ou découvre les décors à l’envi, laissant parfois le spectateur visualiser en même temps la chambre royale et la salle du conseil du palais qui communiquent entre elles, ou encore le palais et la demeure de Sara et de Nottingham, son époux, les espaces intermédiaires étant réservés à Roberto. On coulisse d’un espace à l’autre et les perspectives déformées nous font changer de dimension. Tantôt les motifs disproportionnés de la tenture de la chambre donnent l’impression d’être dans une maison de poupée, tantôt la configuration d’une pièce fait converger les regards vers un élément central, opérant comme un zoom, notamment sur la bague qui pourrait changer le destin du héros, posée sur la cheminée ; on ne voit qu’elle, alors qu’un drame violent se noue tout à côté. Il en résulte une belle cohérence visuelle qui souligne et éclaire le propos. Les chœurs sont presque toujours déjà en place quand le plateau tourne, ce qui permet d’éviter des entrées et des sorties inutilement compliquées ou artificielles, tout en permettant des allées et venues complexes, notamment quand Elisabetta fait entrer une à une ses suivantes en un défilé interminable sans que ne se présente Sara, et pour cause, puisque son époux la maintient enfermée dans leur demeure. La tension dramatique est très intelligemment entretenue. Solistes, artistes du chœur et figurants sont remarquablement dirigés et tous habitent les lieux avec le plus grand naturel. À la fois simple et sans effets clinquants, cette mise en scène impressionne toutefois par sa richesse sémantique et surtout son efficacité.

Dans le rôle d’Elisabetta, Ina Schlingensiepen s’impose d’abord pour sa performance théâtrale. La fureur, les angoisses et les émotions les plus intimes exsudent de tous ses pores. Les qualités vocales, si elles permettent d’affronter amplement la montagne que représente ce rôle, ne nous mettent cependant pas en transe ; il faut dire que depuis qu’en 1994, une certaine Edita Gruberova est passée par Strasbourg pour y chanter Roberto Devereux, certains d’entre nous ne s’en sont toujours pas remis, définitivement contaminés par des vocalises inhumaines et un tsunami sonore qui ont placé la barre très, voire trop haut. Qu’à cela ne tienne, Ina Schlingensiepen nous laisse entendre un beau nuancier d’émotions et s’acquitte plus qu’honorablement de la tâche difficile qui est la sienne. Face à elle, le ténor mexicain Eleazar Rodriguez campe un Roberto contrasté et complexe, dont on aurait aimé qu’il soit plus à l’aise sur l’ensemble de ses aigus, parfois un rien tendus. Alors qu’il n’a pas le beau rôle, Armin Kolarczyk est éblouissant en Nottingham. Élégant et altier, le baryton confère une prestance aristocratique et noble à cet époux meurtri dont il arrive à incarner à merveille les affres et les tourments. Sans doute pourrait-on lui reprocher de manquer ici et là des graves adéquats, mais quelle caractérisation, que de relief à ce personnage supposé secondaire, alors qu’il vole la vedette à tous les autres… Jennifer Feinstein sait mettre son beau timbre et son impressionnante santé vocale au service de son personnage digne et malmené. Elle est une Sara idéale. Le reste de la distribution est impeccable et il faut souligner la qualité des chœurs, irréprochables et parfaitement en équilibre avec les solistes. On retrouve avec plaisir Daniele Squeo, habitué de la scène de Karlsruhe et du répertoire belcantiste, puisqu’il a déjà dirigé ici I Capuleti e i Montecchi, l’Elisir d’amore et Anna Bolena. Le chef sait insuffler puissance et délicatesse dans ce drame que l’orchestre met subtilement en valeur, avec une belle harmonie. On ne saurait que trop recommander ce spectacle, dont la distribution B donnera sa Première le 29 mars, sans oublier les invités de la soirée de gala le 4 mai pour un opéra visible jusqu’au 10 juillet pour cette saison.

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DONIZETTI, Anna Bolena — Karlsruhe

Catherine Jordy — Fri, 08 Jun 2018 03:09:26 +0000

Dès l’ouverture, le ton est donné : on découvre le temps du bonheur entre Henri VIII et la belle Anna Bolena enceinte qui met au monde une fille puis fait une ou plusieurs fausses couches, des draps maculés de sang annonçant déjà l’issue fatale. La mise en scène d’Irina Brown (assistante de Tarkovski, tout de même…) propose une approche à la fois sobre et éclairante d’Anna Bolena. Pour son premier travail en Allemagne, la pétersbourgeoise qui réside en Angleterre séduit par l’efficacité de sa vision avec en prime un travail très subtil sur le jeu d’acteur. Des productions de sa collègue, Peter Brook a salué la force et le dynamisme ainsi que l’intensité et le pouvoir de fascination. Ces impressions sont précisément celles que l’on ressent ce soir, avec en particulier quelques belles images majestueusement simples, comme ce chœur de femmes portant des lanternes alignées en zigzag dans le noir, tel un éclair figé ou une assemblée céleste d’anges gardiens pour soutenir la pauvre Bolena condamnée. Le décor est immensément vide et intensément métallique, comme un carcan cuirassé, d’un bronze aux nuances variables mais inhumaines et froides qui suggèrent la prison dorée ou l’enfermement mental. Les costumes postmodernes, somptueux pour le trio royal et uniformes modestes pour les membres de la cour, sont un croisement d’influences : empruntés à une manga, une série à succès ou tout droit sortis des tableaux du xvi^e siècle. D’ailleurs, les rôles principaux sont très crédibles et ressemblent à leurs modèles. Henri VIII, en particulier, correspond au célèbre tableau représentant le roi en pied, jambes écartées, parodié par Charles Laughton dans La Vie privée d’Henri VIII dont la gestuelle à la fois grotesque, autoritaire et aristocratique est ici impeccablement maîtrisée par Nicholas Brownlee. Les personnages évoluent ainsi dans un univers à la fois concentrationnaire et majestueux, qui sublime leur gestes et émotions contrastés, avec pour ornement essentiel deux fils à plomb géants suspendus comme des pendules de Foucault à l’arrêt ou des épées de Damoclès. On ne cesse en réalité jamais de penser à l’échafaud – la passerelle de débarquement pour le retour par mer de Percy, la rampe empruntée par une Anna solitaire et en disgrâce – au milieu de ses gens notamment – et tout anticipe le dénouement avec des décapitations qu’on ne verra (heureusement) pas. L’une des scènes les plus cruelles et insidieuses propose une intéressante mise en abyme : on voit apparaître le chœur d’hommes prêts au départ pour la chasse et tous portent des casques de faucons encapuchonnés, comme autant d’œillères bondage, avec un côté Eyes Wide Shut. Arrive un fauconnier et un authentique pèlerin sur sa main gantée que le roi, guilleret, va titiller (se prenant néanmoins un coup de bec au passage). Le bel oiseau pose d’ailleurs sans capuchon sur l’affiche du spectacle aux côtés d’Anna… Étouffante et neutre à la fois, la mise en scène distille de nombreuses clés de lecture sans jamais s’imposer, magnifiant ce jeu de pouvoir impitoyable et fatidique.

C’est la première ce soir pour la distribution B du spectacle. Shelley Jackson s’y impose par sa présence scénique en Anna, qu’elle habite avec élégance, port de reine et dignité rayonnante. Tout en frémissements inquiets, fureur débordante ou tourments ravageurs, la soprano se sort bien des difficultés du rôle avec beaucoup d’expressivité, mais à l’image de ses aigus parfois laborieux, sa virtuosité manque d’un je-ne-sais-quoi d’excès qui en affadirait presque le rôle. Cette retenue met en valeur, en revanche, le personnage de Giovanna Seymour, incarné par une Ewa Płonka superbe et flamboyante, aussi convaincante en amoureuse culpabilisée qu’en suivante compatissante. La voix est naturellement ornée, avec une projection puissante et une belle forme respirant la jeunesse et la santé. Technique très au point et intensité dramatique maximale font qu’on se prend à l’imaginer en Anna, quand bien même elle est mezzo. Malgré ses interventions très brèves, Alexandra Kadurina impressionne plus que favorablement en Smeton par la souplesse de sa voix et une belle caractérisation.

Si le baryton-basse Nicholas Brownlee manque de notes abyssales, il réussit cependant à camper un Henri VIII remarquable, comme déjà souligné plus haut. Il n’en reste pas moins que l’Américain excelle à faire miroiter toutes les facettes d’un roi très humain. Beaucoup d’humanité également chez Alexey Neklyudov, attachant et émouvant Percy mais doté de suraigus nasillards un rien désagréables. Seul Andrew Finden reste très en retrait dans un Rochefort bien fatigué alors que, pour compléter une distribution tout de même très homogène, Klaus Schneider endosse vaillamment son funeste rôle de porte-parole. Les chœurs contribuent, malgré une diction peu articulée par endroits, à la bonne tenue de l’ensemble et l’orchestre, mené tout en finesse par Daniele Squeo, dynamise l’action, toujours au service du chant, pour un spectacle de grande qualité. Décidément, le Staatstheaters de Karlsruhe est une bien belle maison, hautement recommandable, avec des tarifs plus que raisonnables, offrant des productions propres à faire rêver…

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BELLINI, I Capuleti e i Montecchi — Karlsruhe

Catherine Jordy — Sun, 12 Jun 2016 05:44:43 +0000

Le rideau s’ouvre sur un espace divisé en trois parties égales superposées pour cette nouvelle production des Capuleti e i Montecchi du Staatstheater de Karlsruhe. Ce duplicata optique nous donne donc trois balcons, ou au choix trois caveaux bordés d’une sorte de tour-capsule qui n’est pas sans rappeler les séries télés de science-fiction des années soixante-dix. Voilà qui n’est guère encourageant… Arrive ensuite un chœur vêtu de costumes qu’on croirait découpés dans des sacs plastiques collés de biais et surtout de travers ; on a très peur, d’autant que l’orchestre semble dès les premières mesures à la peine dans la fosse, ou plutôt, pas du tout intéressé par la musique de Bellini. Pourtant, très vite, la mise en scène de Tilman Hecker s’avère efficace : les étages permettent des effets de circulation intéressants, comme par exemple la scène où Romeo pleure sa belle sur un tombeau qui apparaît trois fois en tout, enlacé à l’étage intermédiaire par le père de la jeune fille, Capellio, puis plus bas par le fiancé malheureux Tebaldo, le tout illustrant trois deuils très différents les uns des autres. Toute la poésie et la richesse émotionnelle qui sourd de l’apparente simplicité mélodique de Bellini sont ainsi intelligemment servies. Les costumes de Julia von Leliwa, curieux télescopage de Matrix avec Albator, deviennent également petit à petit séduisants et l’utilisation de la couleur (bleue électrique pour les Capuleti guelfes et rouge sang ou jaune soufre pour les Montecchi gibelins) judicieuse. Il faut dire que les jeux de lumière de Rico Gerstner y sont pour beaucoup. Romeo a tout de la rock star croisée avec un héros de manga japonais dans son justaucorps à bretelles que n’aurait pas détesté David Bowie : et pourtant, en le voyant, on songe à peu près autant aux Véronais du Moyen Âge qu’aux Italiens du XIX^e siècle. Mais avant tout, le costume met idéalement en valeur l’androgynie du rôle, tout comme les étages compartimentés rapprochent curieusement les protagonistes des spectateurs et, surtout, permettent une excellente projection. La salle du théâtre de Karlsruhe bénéficie, il faut le préciser, d’une acoustique remarquable. À tel point que les interprètes peuvent se permettre de chanter le dos au public, face au décor, sans que l’audition en soit perturbée.

Il faut saluer l’excellent niveau vocal de la troupe de Karlsruhe dont on a déjà pu se délecter il y a peu avec Macbeth, notamment. Il s’agit ce soir de la première de la distribution B. Si les cinq solistes tirent plutôt bien leur épingle du jeu, c’est le Romeo de Kristina Stanek qui ressort très nettement. Chaque intervention de la mezzo illumine le plateau et transcende la soirée. Graves éclatants, trilles de rossignol, vaillance continue se jouant de toutes les difficultés (excepté d’infimes scories), la jeune femme, fraîchement intégrée dans la troupe de Karlsruhe et déjà remarquable en Eliza dans My Fair Lady, incarne avec fougue et ardeur un adolescent ambigu et frémissant, au charme troublant. Ina Schlingensiepen, en revanche, est bien moins convaincante en Giulietta. Sans doute mieux adaptée au rôle d’une Violetta, la voix apparaît trop mûre, peu angélique et la soprano a bien du mal à venir à bout des difficultés belcantistes du rôle. Konstantin Gorny tire habilement son épingle du jeu en Capellio, père irrascible et intraitable, qu’il incarne avec force et caractère, essentiellement de par la noble beauté de son timbre. Jesus Garcia campe un honnête Tebaldo quand Yang Xu en Lorenzo se distingue surtout par ses qualités scéniques. Mais tous se mettent au diapason de Romeo et le quintette du finale du premier acte, notamment, est pure merveille.

Les chœurs, bien entraînés, sont impeccables, ce qui n’est pas forcément le cas de l’orchestre et certainement pas des solistes (en particulier le cor) dont les interventions sont pourtant si importantes pour installer ou intensifier les tensions dramatiques. La direction de Daniele Squeo semble bien conventionnelle et détachée, même si le chef est ovationné par le public badois, ainsi que l’orchestre et toute la distribution vocale. C’est bien normal, puisque l’on joue à domicile… L’opéra de Karlsruhe propose deux distributions pour ses productions, mais également une soirée de gala. Pour I Capuletti e i Montecchi, c’est le 2 juillet prochain que l’on pourra découvrir Laura Claycomb en Giulietta et Vivica Genaux en Romeo.

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