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C’est que dès l’ouverture, l’orchestre composé d’étudiants de conservatoires et de musiciens de l’Académie peine à rendre justice au génie de la musique mozartienne, nous distillant un cidre un peu âpre plutôt que le champagne attendu. Sous la baguette de Chloé Dufresne, nouvelle directrice musicale du Philharmonique de Colorado Springs, quelques fausses notes mais surtout un manque de brillant plombe cette superbe partition. Sur scène, les jardiniers faux ou vrais, et leurs maîtres ou amoureux ont parfois de sérieux problèmes de justesse. Tous s’amélioreront, il est vrai, rapidement. Le trac des premières devrait disparaître dans les soirées suivantes – et avec l’expérience. Notons que la petite harmonie brille dès l’acte I, nous tirant brièvement d’un ennui qui ne disparaîtra qu’à la fin de l’acte II – avec la fameuse scène en forêt où les personnages tombent dans des états étranges, se confondant en nymphes et bergers. La mise en scène de Julie Delille est d’une abstraction un peu froide, évoquant plutôt En attendant Godot que le jardin « somptueux » du livret. En cause un peu trop de sérieux sans doute dans l’exégèse dramaturgique. Cette vision un peu trop sérieuse de la metteuse en scène, qui voit en cette Belle Jardinière un « portrait subtil des passions humaines » était-elle pertinente ? Il faudrait plutôt en exalter les nombreux plaisirs dispensés, de ceux qu’on espère dans le défoulement carnavalesque. Certes Mozart sait aussi faire naître nos émotions dans cette comédie des transgressions pour rire des classes sociales, caractéristiques du carnaval.

Le Podestat de Yu Shao, ténor invité, manque un peu de charisme, le Nardo du baryton Clemens Frank manque, lui, de projection mais pas de nuances et de fluidité. Son amante future est la soprano Sima Ouahman, une excellente Serpetta mutine et retorse à souhait, qui nous fait fortement penser pendant toute la soirée à une jeune Teresa Berganza – excusez du peu. La marquise Onesti alias la belle Jardinière de notre Académie possède la grâce et la pureté des inflexions des héroïnes mozartiennes. Isobel Anthony livre en effet une composition prometteuse, (même si elle échoue d’abord dans le passage vers la note la plus haute de sa cavatine « Geme la tortorella »). Face à la belle Sandrina, le ténor Bergsvein Toverud au timbre rien moins qu’éclatant est un Comte Belfiore un peu trop burlesque. La nièce de Don Anchise (le Podestat), Arminda, est interprétée par Daria Akulova. La soprano ukrainienne fait preuve d’une belle énergie et son chant possède la drôlerie et l’autorité idoines dès son premier air (« Si promette facilmente ») défiant un Belfiore un peu dépassé. Elle sera celle par qui le désordre s’aggrave en faisant enlever et abandonner Sandrina dans la forêt. Le chevalier Ramiro, son futur époux, est incarné par une Amandine Portelli au mezzo agile, au talent évident pour ce rôle travesti.

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Mais qui sont ces enfants « terribles » ? Un frère, Paul, et sa sœur, Elisabeth, beaux et fascinants, croient être les maîtres de la chambre des mystères dans laquelle ils dorment et officient (le « Jeu » dont ils se repaissent est-il vraiment celui de l’enfance ou est-il plus sulfureux ?) dans l’immense appartement familial que les adultes semblent avoir déserté (la mère meurt au premier tiers du spectacle) mais en sont de fait les prisonniers. L’épithète (de par son étymologie latine) « terribles » confirme tout au long de l’heure quarante du spectacle son pouvoir d’évocation éclaboussé de chaos. Ces enfants (des adolescents de quinze ans) sont vraiment effrayants, épouvantables – et terriblement malheureux. En prologue, l’élève Dargelos crucifie Paul, en plantant son regard dans le sien, tout en lui envoyant une pierre serrée dans une boule de neige lors d’une bataille épique collégienne, le condamnant à garder la chambre. L’ami des enfants, Gérard, ne pourra assister qu’impuissant aux jeux, disputes et intrigues de Paul et Elisabeth, maîtresse et prêtresse des lieux dont il est évidemment ignoré, lui qui l’adore. Les prémisses du drame et ses événements adventices sont narrés en vidéo au-dessus du proscénium. Le jeune duo à la mise en scène en font des adolescents d’aujourd’hui d’abord filmés dans le vieux Lille (Agathe, le sosie féminin de Dargelos, les rejoignant au cœur de la toile tissée par la « monstresse » Elisabeth) rendus à leur statut de prisonniers des pièges de la chambre, métaphore des fantasmes mythologiques de gémellité du frère et de la sœur. Avec un dispositif des plus ingénieux, cette chambre pourvoyeuse de mythes (la fameuse stanza du poète depuis Dante) est au centre d’un appartement-manège qui tournera inexorablement sur son axe (comme la fatalité) jusqu’à la conclusion tragique de l’histoire sous les belles lumières de Leo Moro. Dans ce monde contemporain dominé par la rage, la guerre et la mort, nos enfants terribles ne veulent pas entrer dans le monde des adultes, préférant s’oublier en des fêtes bachiques.

Les quatre chanteurs sont formidablement convaincants. Au cœur du quatuor, la soprano tchèque Marie Smolka campe une Elisabeth charismatique et vénéneuse. Son chant (dans l’écriture parlé-chanté imaginée par le compositeur né à Baltimore) conjugue limpidité et virtuosité. Son frère incarné par le baryton Sergio Villegas-Galvain nous gratifie d’une interprétation tout en mystère et séduction, non dénuée de cruauté. Abel Zamora est un Gérard pathétique à souhait alors que l’artiste (annoncée non binaire) Nikola Printz campe deux personnages, Dargelos (en vidéo) et Agathe ; la chanteuse acrobate offrant un mezzo soyeux au médium chaleureux. Ils sont accompagnés par les trois pianos prévus par la partition que dirige la cheffe belge, Virginie Déjos, déroulant les boucles hypnotiques de la musique de Philip Glass, dont la texture musicale ici n’a rien de minimaliste. Le créateur de Einstein on the Beach livre une partition au développement rythmique pulsé qui ne relève plus de l’abstraction sonore, même si on retrouve sa basse obstinée. Ses cadences parfaites, ses tempi épousant les flux et reflux du déroulement du drame ne craignant pas la mélodie parfois la plus lyrique, exprimée en séquences d’accords arpégés syncopés et en variations de petites cellules ou séquences harmoniques, donnent à entendre une musique tonale (dispensatrice de plaisir) plongeant personnages et public dans un vrai bain sonore lumineux ou ténébreux suivant les tableaux. On ne peut que vouloir se dévouer aux sortilèges dispensés par toutes les dimensions de ce spectacle très réussi, très fidèle à l’esprit du magicien Cocteau.

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Vous chantez le rôle de Wotan depuis quelques années. Quelles nouvelles facettes de ce personnage avez-vous découvertes dans la production de Calixto Bieito ?

J’ai interprété Wotan pour la première fois à Berlin en 2017. C’est un rôle unique, qui se déroule en une vraie trajectoire entre le prologue et Siegfried dans le Ring, alors que pour la plupart des rôles, vous n’agissez que dans un seul opéra. De surcroît, avec Wotan, vous avez un personnage psychologiquement très compliqué et très dépendant de la conception du metteur en scène. Calixto Bieito voulait, il me semble, faire ressortir la brutalité du personnage et montrer comment le dieu traite différemment chaque personnage : ironique avec Alberich, assez brutal avec Erda. Je trouve que sa relation à Siegfried est particulièrement intéressante avec ce mélange de fascination pour le petit-fils qu’il a créé, et d’irritation face à la rudesse de Siegfried. J’ai donc incarné un Wotan différent de mes précédents, qui étaient moins brutaux et méchants avec les autres. Un vrai défi pour moi qui n’aimerait pas traiter les autres, et surtout les femmes, ainsi !

A quel moment avez-vous su que vous seriez chanteur ?

Je n’avais pas vraiment prévu de le devenir. J’ai commencé l’université très jeune, à seize ans, pour devenir avocat, mais je n’ai pas vraiment apprécié les études de droit. Ensuite je me suis intéressé à la linguistique, et des gens m’ont poussé à prendre des cours de chant. J’ai adoré cela. Bâtir une carrière de chanteur ne se fait pas du jour au lendemain, et je me suis rendu compte petit à petit que ce serait mon destin grâce à des rendez-vous et à des moments spéciaux dans ma vie. Par exemple, j’ai gagné un concours de chant à Londres en 2007 en me concentrant à l’époque surtout sur le répertoire baroque, avec Haendel et Bach, car je savais devoir attendre que ma voix soit prête pour d’autres rôles. J’ai ensuite intégré le Projet des Jeunes Artistes du Festival de Salzbourg en 2011, ce qui a été déterminant pour la suite. J’avais la vingtaine quand j’ai chanté des extraits du rôle de Pizarro dans Fidelio là-bas et j’ai été repéré comme potentiellement doué pour le répertoire germanique. Enfin je pense que mon entrée en 2015 au Deutsche Oper de Berlin a constitué une étape essentielle, car j’ai vraiment perfectionné mon art en tant que membre de la troupe dans une maison de répertoires où l’on chante beaucoup de rôles en alternance en peu de temps. Je crois que j’y ai chanté vingt sept rôles, dont mes premiers Wotan, Holländer, entre nombreux autres. Une autre étape importante a été d’incarner Klingsor pour la première fois à Bayreuth en 2017, puis mon Wotan à Paris en 2025, un remplacement de toute dernière minute. Cela a attiré l’attention du grand public, qui s’est aperçu qu’une nouvelle génération de chanteurs wagnériens émergeait.

Vous répétez en ce moment à Lyon dans une nouvelle production de Billy Budd. Vous interprétez donc encore un méchant avec le personnage de John Claggart ? Est-il complexe, est-il l’incarnation du Mal absolu ?

Il est mauvais d’une manière différente par rapport à la plupart des autres méchants que j’ai joués. Il est sans doute possible de le jouer comme le Mal incarné, mais j’ai toujours été fasciné par la psychologie des personnages maléfiques. Je suis sûr que la plupart des personnes abominables dans la vraie vie, ou qui font le mal passivement, ne se considèrent pas comme mauvaises et pensent avoir raison. Certes John Claggart peut être vu comme un homme horrible et malveillant. Cependant ce qui m’intéresse, c’est ce qui le rend aussi mauvais. Je pense qu’il faut s’intéresser dans l’opéra de Britten à l’arc narratif dans son ensemble. La situation décrite est rendue possible car la Royal Navy capturait à l’époque des hommes dans la rue pour les forcer à travailler sur ses navires – ce qui est monstrueux, considéré avec notre mentalité d’aujourd’hui. Et pourtant l’argument de l’époque, c’était que l’Angleterre ne pouvait maintenir sa puissance sur son empire qu’à ce prix. Vous aviez donc des navires remplis de gens non consentants, rebelles parfois, qu’il fallait maintenir dans un système assez violent de discipline afin d’éviter les mutineries. Or John Claggart la supervise sur l’Indomptable : il est haï par tous sur le bateau n’étant ni militaire, ni marin, ne contribuant à rien. Il espionne les hommes, maintient l’ordre et doit étouffer dans l’œuf tout problème ou éventuelle révolte. Ce personnage me semble donc être une combinaison intéressante de haine des autres et de dégoût de soi. Même si ce n’est pas explicite dans la partition, il est probablement gay ou à tout le moins, très attiré par la beauté de Billy Budd. L’homosexualité étant vue à l’époque comme une perversion inacceptable, John Claggart se déteste vraiment et a une nature d’une certaine manière pervertie par sa mission sur le bateau. Si de tels préjugés n’avaient pas existé à l’époque, se serait-il autant détesté ? Aurait-il été différent ? J’aimerais que le public puisse lui aussi s’interroger sur sa personnalité fermée et sur ses motivations grâce à mon interprétation, « D’accord, ce type est horrible, mais pourquoi ? »

Vous chanterez auparavant le rôle du König Marke à Houston en concert. Quelles difficultés se présentent-elles avec ce personnage ?

Je l’ai chanté pour la première fois sur scène à Berlin et en 2023 à Düsseldorf. Il représente à bien des égards ce que les Allemands appellent un rôle « Dankbar » (c’est-à-dire reconnaissant). Il y a beaucoup de vulnérabilité et d’humanité dans ce personnage. Je n’y vois pas de difficultés particulières car c’est un absolu plaisir de le chanter. A la fin de cet acte monumental, le Roi survient, réduit à rien, avec cette clarinette basse qui arrive avec son thème, et vous chuchotez « Tatest du’s wirklich ? Wähnst du das ?» Sur cette musique sublime, il livre son âme, parle ouvertement de sa tendresse, de la noblesse et de la pureté de ses sentiments pour Tristan, qu’il croit avoir perdu et sa femme qu’il avait perdue quelques années auparavant, et la façon dont il pense les avoir perdus. Inutile de se décider à exprimer telle couleur ou telle émotion, tout est évident, tout coule de source avec la musique wagnérienne. C’est certes un long monologue engageant.

Quels autres projets vous enthousiasment pour le futur ?

J’aimerais pouvoir vous répondre précisément, mais nous sommes interdits de faire des annonces quand ils ne sont pas encore dévoilés par les maisons d’opéras ou des producteurs. Pour cette saison, je me réjouis de chanter à nouveau le Wanderer en juin lors des « Journées Wagner » au Müpa Budapest. Pour les suivantes, je me réjouis de retourner à l’Opéra d’état de Hambourg après une longue absence. J’y ai connu en 2013 l’un de mes premiers grands succès avec Der Meister und Margarita. Je devrais retourner aussi à Covent Garden. Dans mes projets à venir, il y aura bien sûr Die Walküre, Der Fliegende Holländer. J’aime reprendre mes personnages car j’ai l’impression d’en apprendre toujours davantage. Dans quelques années il y aura un nouveau Ring complet et je chanterai La Damnation de Faust, œuvre que j’adore. N’oublions pas les concerts, formats que j’apprécie beaucoup pour maintenir ma souplesse vocale et stylistique dans le répertoire baroque. J’aime Bach par-dessus tout et j’ai hâte de retrouver fin 2026 son Oratorio de Noël.

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Comment décririez-vous votre propre voix de soprano lyrique ?

J’ai une voix très longue, aux aigus puissants, aux graves chaleureux et au médium moelleux, me dit-on souvent. Ce que je sais, c’est que je peux passer du répertoire de musique de chambre à l’opéra, de la musique contemporaine au grand répertoire, de façon très aisée. J’ai la chance d’avoir une voix très solide, très endurante, je peux donc travailler beaucoup, chanter longtemps sans être fatiguée – grâce à une hygiène de vie rigoureuse.

Vous vous définissez comme une artiste engagée. Que cela signifie-t-il pour vous ?

J’ai un profil polyvalent car je suis une artiste qui fait carrière, mais avec la volonté chevillée au cœur de transmettre mon art. J’ai toujours été active en me vouant dès mes débuts à des activités socio-culturelles pour atteindre des publics éloignés. J’ai donné beaucoup de concerts solidaires avec des chœurs. Il s’agit aussi pour moi de donner du temps, de l’énergie, de la voix à des personnes qui ont envie de chanter sans forcément en faire leur métier. J’ai toujours à l’esprit que la musique est un merveilleux vecteur de lien social, mais aussi un chemin vers les êtres et les âmes. C’est donc dans ces activités non directement reliées à ma carrière et à mon milieu professionnel que je me sens « engagée ». J’ai également accompagné de jeunes chanteurs d’outre-mer. Venant de Kourou, en Guyane, c’est extrêmement important pour moi de revenir à la source, parce que de nombreuses personnes se sentent appelées par le chant lyrique hors de la Métropole. Et nous n’avons pas toujours eu les bons interlocuteurs pour les accompagner. Je suis retournée cinq ou six fois cette année là-bas afin de donner des master-classes. Et avec le projet Carmen mené par les Voix des Outre-mer auquel je collabore puisque j’ai chanté le rôle titre, nous, chanteurs professionnels, épaulons les artistes en devenir. Il faut évidemment qu’il y ait plus d’artistes ultramarins sur les scènes internationales. C’est une des missions du Concours des Voix d’Outre-mer, et nous en serons à la quatrième production pour la saison 2027-28.

Quels sont vos projets ?

Nous venons de donner des récitals conçus avec ma complice de toujours, Célia Oneto-Bensaid, avec qui je forme un duo depuis bientôt quinze ans. Ce projet, « Songs of Hope » est né au moment où l’on parlait beaucoup de violences policières aux Etats-Unis. Nous avons voulu proposer un programme à notre image : deux jeunes trentenaires venant de lieux géographiques et de culture sensiblement différents, une femme noire et une femme blanche unies comme les doigts de la main grâce à la musique et à notre amitié qui date du conservatoire ! Bref ces récitals qui se donnent partout en France et en Europe entendent diffuser un message d’amour, de paix, d’espoir et de lumière – d’autant plus que l’actualité internationale est bien sombre. Nous continuons de participer également au grand œuvre d’Héloïse Luzzatti, La Boîte à pépites, qui fait entendre la voix c’est-à-dire les œuvres de compositrices méconnues, voire inconnues.

En 2026, quels sont les rôles que vous attendez avec le plus d’impatience ?

En 2026, plusieurs événements me tiennent à cœur. Il y a d’abord la reprise des Ailes du désir d’Othman Louati. Cet opéra a la particularité d’avoir été composé pour ses interprètes. J’ai créé et je chanterai à nouveau le rôle de Damielle, qui exige une tessiture assez longue dans les aigus comme dans les graves. C’est une très belle œuvre créée sur la Scène Nationale Le Bateau Feu à Dunkerque et qui revient en février à l’Opéra Clermont-Auvergne puis à l’Athénée. J’ai hâte également de créer le rôle de Circé dans le mélodrame lyrique éponyme de Benoît Menut en mars à la Philharmonie de Paris. Nous nous connaissons bien car j’ai souvent chanté sa musique. En mars j’aurai le plaisir de retrouver toute l’équipe emmenée par Shirley et Dino dans le Platée de Rameau à l’Opéra Royal de Versailles ; enfin, il y aura le rôle sublime de Serena dans Porgy and Bess en juin au Théâtre des Champs-Elysées, une production réunissant les Grandes Voix et les Voix d’Outre-mer.

Quels rôles envisagez-vous dans le futur ?

En ce moment j’envisage des rôles auxquels je ne pensais pas forcément quand j’ai débuté ou quand j’étudiais le chant. Je me sens maintenant appelée par le rôle de Santuzza dans Cavalleria Rusticana de Mascagni. Mais j’ai aussi envie de chanter encore souvent le rôle de Carmen, car j’aime profondément son théâtre, je veux goûter à des mises en scène variées. Je songe aussi à Concepcion dans L’Heure espagnole et au personnage de Didon dans l’œuvre de Purcell. Beaucoup plus tard, j’aimerais que viennent dans ma carrière le rôle de Didon dans Les Troyens de Berlioz, et pour la comédie, le rôle titre de La Grande Duchesse de Gerolstein. Enfin je vise bientôt le rôle de Kundry dans Parsifal. Je porte au plus haut dans mon idéal la musique de Wagner et je sais intimement que je suis faite pour ce rôle. Quand je chantais Gerhilde au Capitole, je partageais la scène avec de grandes voix wagnériennes, je ressentais l’énergie qui émanait de ce spectacle et je me suis dit que c’était le but de ma vie de revivre cela. Wagner est un idéal et un horizon, mais en attendant de suivre le chemin vers ses plus beaux opéras comme Tristan et Isolde, il me faut respecter ma voix et procéder par étapes. Mais je m’y prépare.

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