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Porté par le chef Carlo Rizzi, la soprano Ermonela Jaho et le directeur général Henry Little, le projet vise à ressusciter l’intégrale des quelque 200 mélodies de Donizetti, dont beaucoup inédites à l’époque moderne. Parmi ses interprètes, outre Ermonela Jaho, Michael Spyres ou encore Marie-Nicole Lemieux. Lancée en 2020, cette entreprise éditoriale et discographique culminera en juin prochain avec un récital final au Wigmore Hall de Londres, confirmant l’engagement d’Opera Rara en faveur de la redécouverte du patrimoine lyrique.

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Une semaine avant le concert, l’équipe réalisera la première gravure intégrale de l’œuvre — nouvelle étape dans la mission de redécouverte du répertoire que mène Opera Rara. La maison britanno-italienne sort d’ailleurs auréolée du succès critique du Simon Boccanegra original et poursuit son vaste Donizetti Song Project, tandis que Carlo Rizzi et Ermonela Jaho préparent une nouvelle Rondine de Puccini.

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La traviata sera retransmise en direct au cinéma le 14 janvier prochain. Combien de fois avez-vous incarné Violetta sur scène ?

Je ne compte plus ! Je dirais environ trois cents fois, mais chaque représentation est un nouveau défi. Avec l’expérience, je me sens plus libre techniquement, mais l’émotion reste toujours intense. Cette fois, les caméras vont capter le moindre frisson : c’est un défi supplémentaire.

Vous avez annoncé plusieurs fois vos adieux au rôle. Est-ce enfin votre dernier Violetta ?

Je l’ai dit, mais je n’ai pas encore réussi à lui dire au revoir. Ce ne sont pas mes adieux, mais mes dernières représentations. Après Londres, je la chanterai encore au MET à New York et à Rome en 2026. J’ai donné tout mon cœur à ce personnage, mais il faut savoir, avec l’âge, être raisonnable et savoir s’arrêter.

Cela signifie-t-il que vous ne chanterez plus jamais Violetta en France ?

Il ne faut jamais dire jamais ! J’ai fait mes débuts dans ce rôle à l’Opéra de Marseille, et l’accueil du public y reste gravé dans ma mémoire. Puis il y a eu Orange, Paris, Montpellier… Si l’occasion se présente, je reviendrai avec plaisir.

La traviata a-t-elle selon vous une part de culture française, malgré ses racines italiennes ?

Oui. L’âme de l’opéra est italienne, mais son élégance et sa grâce sont françaises. Verdi a capté l’esprit de La Dame aux camélias : la souffrance de Violetta y est toujours teintée de raffinement et de subtilité.

Votre propre expérience nourrit-elle votre interprétation ?

Absolument. J’ai quitté l’Albanie très jeune pour réaliser mon rêve, et cette séparation reste en moi. La nostalgie, la mémoire, l’exil : tout cela ressurgit naturellement sur scène. C’est une émotion universelle, partagée par tous.

Avez-vous un rituel avant de monter sur scène ?

J’arrive tôt, deux ou trois heures avant la représentation, je révise la partition et répète encore, et encore. Même après des centaines de représentations, je me sens toujours reconnaissante de chanter ce rôle. C’était mon rêve de jeune fille, et on ne quitte pas un rêve si facilement. Violetta m’enseignera toujours sur l’amour, le sacrifice et la vérité.

Comment votre voix a-t-elle évolué au fil de toutes ces incarnations ?

Je n’ai plus vingt ans. Mon timbre s’est enrichi, ma voix est moins agile qu’autrefois, mais elle a gagné en profondeur. J’ai suivi le vérisme, puis je reviens au bel canto, par exemple avec Maria Stuarda de Donizetti. J’ai toujours accepté ma voix telle qu’elle est.

On conseille aux jeunes chanteuses de ne pas aborder Violetta trop tôt. Qu’en pensez-vous ?

C’est très personnel et dépend de la technique et de la maturité. Callas disait qu’il fallait trois voix différentes pour chanter La Traviata. Il faut savoir passer d’une émotion à l’autre, avoir un corps solide et une technique sûre. Nous sommes à chaque représentation des gladiateurs qui rentrons dans l’arène, mais ce qui fait la différence, c’est l’intention et l’émotion que l’on y met.

Avez-vous imposé une discipline stricte pour préserver votre voix ?

Il n’y a pas le choix. Ces deux petites cordes vocales portent tout le rôle. Il faut en prendre soin et imposer à son corps une discipline rigoureuse. Plutôt qu’une discipline, c’est une méditation quotidienne. Être chanteuse d’opéra est un long voyage spirituel, un métier solitaire, exigeant, mais profondément gratifiant.

Vous avez enregistré des albums de mélodies françaises et italiennes de Donizetti pour Opéra Rara. Sommes-nous proche ou loin de Verdi ?

La traviata de Verdi exige une endurance belcantiste. Dans ces enregistrements, la voix est seule, soutenue par le piano, dans l’intimité la plus pure. Chaque mot compte, et cela m’a appris à chanter avec précision et délicatesse. J’ai appris une quarantaine de mélodies et je recommande vivement cette formation à toutes les jeunes chanteuses.

Vous orienterez-vous davantage vers le bel canto dans les années à venir ?

Oui, c’est un retour naturel. Je reviens vers Donizetti et je compte explorer Bellini prochainement. C’est un chemin que j’ai toujours voulu suivre.

Vous venez d’enregistrer et de chanter à Londres La rondine dans sa version finale de 1921 présentée par Opera Rara. Que vous a-t-elle apporté ?

J’ai eu la chance d’interpréter les trois versions existantes. La première est lumineuse ; les deux autres sont plus sombres et reflètent le désir de Puccini de dramatiser l’histoire. La version finale de 1921 que nous venons de donner et jamais entendue du vivant du compositeur, révèle une tristesse inattendue. Cela m’a permis de découvrir un autre visage de Puccini, comme une porte secrète ouverte sur son âme.

Propos recueillis par Edouard Brane le 10 décembre 2025

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Quatre volumes sont déjà sortis : les deux premiers avec Lawrence Brownlee (ténor) et Nicola Alaimo (piano), le troisième avec Michael Spyres (ténor) et Carlo Rizzi (piano) et le quatrième avec Marie-Nicole Lemieux (contralto) et Giulio Zappa (piano). Avec ces deux nouveaux volumes (le vol. 5 en italien et le vol. 6 en français), c’est à une soprano que revient pour la première fois le rôle, l’Albanaise Ermonela Jaho, en duo avec Carlo Rizzi lui-même.

Ermonela Jaho, qui a conquis le public hambourgeois en début d’année en Maria Stuarda, retrouve ici avec bonheur l’écriture belcantiste de Donizetti. Sa ligne de chant superbe constitue une leçon d’élégance et d’expressivité et elle est capable de produire ces sons suspendus inscrits dans de longues lignes mélodiques qui font toute la beauté éthérée des mélodies géniales de Donizetti. Surtout, elle donne de sa personne pour incarner comme des saynètes chacun des textes, rendant justice à l’efficacité dramatique si caractéristique de l’art du compositeur. On entend néanmoins un registre medium plus fragile et des graves forcés et secs, le tout donnant une voix aux registres peu égalisés. On note en outre un vibrato un peu rapide, tirant sur le vibratello, mais qui n’entrave pas la pureté de la ligne. Le français de la soprano, dans le volume 6, est perfectible, moins en raison de l’accent (très discret) que d’étourderies de prononciation, avec des consonnes substituées à d’autres. L’ensemble n’en demeure pas moins un régal pour les inconditionnels de Donizetti et autres amateurs de longues lignes mélodiques et de cadences a cappella.

© DR

La première chose qui frappe à l’écoute de ces deux CD est la grande diversité des compositions qui sont rassemblées : des chansons de moins d’une minute (« Amor, che nullo amato ») et des scènes structurées dignes d’un opéra (Il pescatore qui s’ouvre sur un vrai récitatif), de la chanson napolitaine (« Lu trademiento »), d’élégantes compositions aux carrures régulières et élégantes tournées vers le XVIII^e siècle (« Che non mi disse un dì! » sur un texte de Métastase), des compositions de salon à la française en trois strophes au sentimentalisme déchirant (« La Mère et l’enfant »), une ritournelle séductrice où la voix mime le son des castagnettes (« Au tic-tac des castagnettes ») et puis des passages inclassables, mondains, comiques, ou au contraire pleinement dramatiques voire mélodramatiques. À tel point qu’on hésite sur le nom à leur attribuer : ni mélodies françaises, ni Lieder allemands, trop divers pour être réunis sous l’étiquette (vague) de « composizioni da camera » comme on le fait pour Verdi et Bellini… on s’en tient ici à mélodie ou chanson, faute de mieux.

La grande découverte de cette série est la façon dont Donizetti a exploité la souplesse de la chanson pour mener des expérimentations entre les styles, les langues, les modes narratifs et les manières de traiter la voix. Malgré la diversité de ces deux CD, on sent se dégager un compositeur toujours efficace pour planter des décors et suggérer des atmosphères, toujours apte, même dans des mélodies qui ne durent qu’une poignée de secondes, à évoquer avec justesse un sentiment. Le mélodiste italien se prête aussi à un style déclamatoire plus français, les longues lignes d’une romance plaintive alternant avec des récitatifs en bonne et due forme. L’écriture du piano n’est pas toujours du plus grand intérêt, mais elle va de la « grande guitare » belcantiste à d’agréables audaces de sinuosité harmonique pour coller aux soubresauts du texte. Carlo Rizzi fait évidemment merveille derrière son clavier, et on ne peut que regretter que l’enregistrement semble pousser en avant la voix de la soliste, au détriment d’une fusion entre les deux membres de ce qui reste un duo : citons par exemple la remarquable mélodie « Le Bal masqué », petit opéra mélodramatique où la soprano dévorée de jalousie découvre l’infidélité de son amant tandis que le piano continue à jouer la ritournelle du bal qui est la toile de fond de ce petit drame, tout le sel du morceau étant dans le décalage très opératique entre les deux.

Remarquable aventure intellectuelle que cette exhumation minutieuse, servie par des artistes intelligents et amoureux de l’art de Donizetti. On ne peut que recommander son écoute attentive, surtout en compagnie du livret très bien fait et très instructif : pour chaque mélodie on trouvera des informations sur l’époque et le lieu de composition, les éventuels dédicataires, les auteurs du texte, le lieu de conservation, ainsi qu’une petite analyse du style et de la structure de chaque pièce. Tout amateur sera ravi, en tendant l’oreille, de croire entendre des fragments de Maria Stuarda, de Poliuto, de La Fille du Régiment ou de L’elisir d’amore ; il sera peut-être même ému de surprendre Donizetti dans son réseau mondain, dédiant à un ami pour le nouvel an la mélodie « Dell’anno novello » ou rendant un hommage à son confrère et rival emporté trop jeune par la mort dans le « Lamento per la morte di Bellini » qui témoigne de la grande familiarité que Gaetano avait de toute évidence avec le style de Vincenzo. Une boîte à pépites instructive et délicate où l’on pourra piocher à son gré !

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Dès les 16 et 30 novembre prochains, six artistes présenteront une sélection de romances et d’ensembles inédits, dont trois créations mondiales, dans le Ridotto Gavazzeni du Teatro Donizetti. Pour Riccardo Frizza, directeur artistique du Festival, cette collaboration illustre la volonté de renforcer l’internationalisation et de replacer Gaetano Donizetti au centre du répertoire.

Ce projet s’inscrit aussi dans une dynamique de transmission, les jeunes chanteurs bénéficiant d’une immersion au cœur du style belcantiste. L’événement s’ajoute à une saison riche pour Opera Rara, couronnée « Label de l’année » par Gramophone en 2024, et qui prépare également une Rondine de Puccini dans sa version définitive, au Barbican de Londres en décembre.

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C’est pourtant cet opéra et pas un autre que le compositeur, poussé en ce sens par son éditeur Ricordi, acceptera de réhabiliter presque un quart de siècle plus tard avec l’aide de son nouveau librettiste Arrigo Boïto, après 10 ans de silence à l’opéra. « Je me prépare à raffermir les pattes d’un vieux chien qu’on a méchamment battu à Venise et qui se nomme Simon Boccanegra » écrira-t-il à son ami Arrivabene en janvier 1881. On connaît la suite et aujourd’hui, ce Simon Boccanegra de 1881 culmine au firmament des chefs d’œuvre du maître et on n’en compte plus les reprises depuis plusieurs décennies, après une redécouverte par le duo Abbado-Strehler devenue légendaire.

Mais que reste-t-il de la version initiale ? On n’en connaissait jusqu’ici qu’un enregistrement pour la BBC sur le vif dirigé en 1976 par John Matheson et réédité par Opera Rara et un autre au festival de Martina Franca en 1999 et publié par le label Dynamic. Opera Rara propose donc la première version de studio de la version de 1857, enregistrée en marge de concerts en avril 2024. Elle surpasse sans peine le dernier disque précité et bénéficie d’un plus grand confort d’écoute que le premier.

Il ne s’agit pas ici de comparer les deux versions réalisées par Verdi, mais à la première écoute de cet enregistrement, parfaitement réalisé sur le plan technique, on peut mesurer combien le compositeur a retravaillé toute sa partition en profondeur. Si on retrouve plusieurs pages presque inchangées, dans le Prologue et dans les deux derniers actes, presque aucune n’a strictement la même instrumentation, ni les mêmes inflexions. Bien qu’assez originale, surtout par rapport à ses dernières productions (La Traviata, Il Trovatore, Les Vêpres siciliennes ou encore la reprise d’I Lombardi, devenus Jérusalem pour l’Opéra de Paris), la partition reste encore marquée par un style encore assez usuel chez Verdi. La cavatine de Maria au début du premier acte en est peut-être l’exemple le plus marquant, tout comme le duo entre Fiesco et Adorno peu après ou cette fête un peu terne et au chœur « Viva Simone ! » un peu statique que remplacera, et avec quel génie, la scène du Conseil. Mais dès 1857, on peut percevoir les ombres noires et les lumières voilées qui font le prix de ce chef-d’œuvre, et qui la distinguent de ses contemporaines.

Car l’équipe réunie autour de Mark Elder et l’orchestre de Hallé défend cette première version avec une ardeur qui n’en altère pas les moirures. German Enrique-Alcántara incarne un Simon à la voix ferme. S’il n’a pas à interpréter le fameux « Plebe, patrizi, popolo » écrit pour la version de 1881, il sait incarner son personnage et sa lassitude avec finesse et autorité. Si Sergio Vitale se montre plus débraillé en Paolo, le Gabriele du ténor péruvien Iván Ayón-Rivas, déploie une voix solaire, aux aigus triomphants, malgré un métal qui peut paraître un peu dur. En Amelia, Eri Nakamura, hésitante, ne semble prendre ses marques que progressivement mais donne un beau relief à ce personnage fort, seule femme dans un monde d’hommes, par exemple dans la scène où elle décrit son enlèvement. L’une des voix les plus intéressantes de cet enregistrement est la jeune basse William Thomas, Fiesco de bronze, de la noblesse plein la voix dont certaines couleurs rappellent même un certain Ghiaurov, et dont le nom avait hélas alimenté la chronique puisque c’était lui la malheureuse victime de la violente claque donnée par John Eliot Gardiner à l’issue d’un concert. On connaît la suite. Mais gageons que cet artiste fera surtout parler de lui pour cette voix qui va encore s’épanouir et qui incarne un très beau Fiesco.

Le double chœur et l’orchestre offrent à ce très beau cast un écrin presqu’idéal, qui rend justice à une partition originale qui mérite d’être défendue, et à laquelle on n’aura même pas le cœur de reprocher des cloches trop envahissantes à la fin du prologue (l’enregistrement -discutable- de la version de 1881 par Georg Solti souffrait du même écueil). Mais malgré toutes ses qualités et son intérêt historique, la version de 1857 ne pourra jamais remplacer ce que son auteur lui-même en fera en 1881.

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La collecte de milliers de sources dispersées dans les bibliothèques européennes et au-delà, a permis de rassembler et d’éditer ces œuvres, en dépit de partitions souvent incomplètes, contradictoires ou perdues puis redécouvertes, notamment dans des collections inattendues, comme l’abbaye de Kremsmünster en Autriche.

Si bien des pages rappellent le style opératique de Donizetti, d’autres explorent des chemins différents, offrant un point de vue captivant sur la société et la musique du XIXᵉ siècle, lorsque l’art du chant jouait un rôle clé dans les salons aristocratiques et bourgeois. Écrites pour des raisons variées – commandes, hommages ou collaborations artistiques –, ces mélodies balayent une large palette d’émotions avec pour constantes : théâtralité, élégance et une facilité à trousser la musique qui rend leur séduction immédiate.

Le projet relève également des défis liés à l’interprétation. Se pose la question de la traduction des textes, des multiples versions d’une même œuvre, des types de voix… C’est pourquoi Opera Rara a choisi de les confier à des chanteurs différents, parmi les meilleurs dans leur catégorie – Lawrence Bronwlee et Nicola Alaimo pour les deux premiers volumes, Michael Spyres et Marie-Nicole Lemieux pour les deux suivants – avec au piano Carlo Rizzi, le directeur musical du label depuis 2019, et Giulio Zappa pour le dernier de ces quatre albums.

Pour les raisons évoquées plus haut, tous méritent une écoute gourmande. Notre attention s’est portée en particulier sur le troisième, car intégralement chanté en français – à l’exception de « Rings ruht die grüne Alpenhut », attribué possiblement à Donizetti par un éditeur peu scrupuleux mais qui, d’après les spécialistes, représente un exemple convaincant de l’écriture du compositeur en ses jeunes années, « particulièrement dans son audacieuse excursion harmonique avant les cadences finales de chaque strophe ».

Ce troisième volume offre aussi l’opportunité, devenue rare ces dernières saisons, de retrouver Michael Spyres dans le répertoire romantique où il demeure sans rival. Le ténor américain prouve une nouvelle fois sa compréhension intime du style belcantiste et sa maîtrise de notre langue, assumée dans ses moindres contours prosodiques et articulée avec une netteté qui rend chaque mot compréhensible. Une légère affectation dans la prononciation, inhérente à ses origines étrangères, participe au maniérisme du genre. La largeur de la palette expressive contribue à faire de certaines de ces pages un numéro de théâtre pour peu que l’occasion se présente.

« La Dernière Nuit d’un Novice », par exemple, sur un texte d’Adolphe Nourrit, ténor légendaire dont la fin tragique constitue un virage dans l’histoire du chant lyrique. La longueur de la partition – plus de douze minutes – l’apparente à une cantate. Ecrit en des temps dévots, dans une veine religieuse chère à l’opéra de l’époque – on songe à La Favorite –, le poème narre le combat entre le bien et le mal, en l’occurrence entre un jeune novice à la veille de prononcer ses vœux sacrés, et un esprit malin qui le soumet à la tentation des plaisirs terrestres, la musique s’attachant à traduire le cheminement spirituel du moinillon sur ce sentier semé d’épines.

D’autres pièces moins élaborées illustrent la capacité de Donizetti à transcender des textes simples au moyen de lignes mélodiques riches et expressives, tels « La Rose » dont la fadeur des sentiments est relevée par quelques habiles touches chromatiques, ou « On vous a peint l’amour avec des ailes » et son vers obsédant qui revient comme une réponse aux préventions souvent formulées à l’encontre de la musique de Donizetti : « n’ayez plus peur d’aimer ».

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Lancé en 2023, ce projet vise à redécouvrir près de 200 mélodies de Donizetti, collectées par le musicologue Roger Parker à travers le monde. En parallèle, Opera Rara a sorti deux albums de ce répertoire inédit chantés par Lawrence Brownlee et Nicola Alaimo, sous la direction artistique de Carlo Rizzi.

Le concert sera diffusé en direct sur les chaînes YouTube* et Facebook** d’Opera Rara, marquant une nouvelle étape dans la redécouverte du répertoire de la mélodie italienne.

* disponible 30 jours après la diffusion
** disponible 48 heures après la diffusion

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Le rôle de Murena fut créé par Luigi Lablache, exceptionnel artiste qui créa plus tard le rôle de Giorgio dans I Puritani. Il n’est donc pas étonnant que quelques unes des plus belles pages de l’ouvrage, et en tout cas les plus originales, soient réservées à la basse, Nicola Alaimo répond parfaitement à ce double défi vocal et dramatique. Sa technique rossinienne lui apporte la souplesse et la virtuosité exigée. En authentique belcantiste, Alaimo sait également faire varier les couleurs de sa voix pour rendre les émotions de son personnage. Enfin, son talent dramatique lui permet d’animer les nombreuses déclamations par lesquelles Donizetti a choisi d’exprimer le sentiment de culpabilité de Murena et qui constituent une des originalités de l’ouvrage. A peine regrettera-t-on quelques timides raucités à de rares moments. Sergei Romanovsky a la lourde tâche de défendre un rôle relativement virtuose (on y sent encore l’influence de Rossini, même si les exigences de virtuosité sont atténuées). Familier des opéras de Rossini, le ténor russe s’acquitte aisément des difficultés de la partition, quoiqu’on n’aurait pu espérer davantage de folies dans les variations et le registre aigu. Romanovsky maitrise également les différents registres en gérant intelligemment les dynamiques. Toutefois, Donizetti réclame un timbre un peu plus large que Rossini : la palette de couleurs est ici un brin limitée. Albina Shagimuratova est également très virtuose (quoiqu’on pourrait là encore attendre un peu plus de folie). Son timbre léger et cristallin évoque davantage une Norina qu’une des héroïnes ultérieures plus dramatiques de Donizetti, mais sa typologie vocale semble correspondre à celle de la créatrice, Adelaide Tosi (d’ailleurs l’ouvrage n’est pas vraiment dramatique). Le baryton Lluis Calvet i Pey défend avec talent le court rôle de Publio : une voix à suivre. L’ensemble des petits rôles n’appelle pas de réserves.

Comme dans le précédent Il Proscritto, on saluera la qualité de cet enregistrement qui combine encore une fois l’urgence de la scène (l’ouvrage avait été donné en concert au Cadogan Hall) et la perfection du studio. La direction de Carlo Rizzi est une fois de plus électrisante tout en restant attentive aux chanteurs. L’Opera Rara Chorus et le Britten Sinfonia répondent idéalement à cette approche dynamique et passionnée. Sans atteindre les grands ouvrages de la maturité, L’Esule di Roma reste une plaisante surprise à découvrir, d’autant qu’elle est ici superbement défendue.

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