En coproduction avec le Musée d’Orsay et Camera Lucida Productions, l’ensemble joue dans la fameuse nef centrale du musée. Dès à présent, saluons la maîtrise des réalisateurs Gordon & François-René Martin, celui-ci s’illustrant particulièrement dans la vie musicale ces temps-ci pour proposer des objets visuels de grande qualité qui épargnent heureusement le spectateur d’une énième captation sans saveur. Ici, c’est un singulier jeu de miroirs qui est mis en place, offrant des plans baignés d’une belle lumière.

Comme pour leur précédent concert, les Apaches présentent un programme associant musique française du début du XXe siècle « en miroir » donc d’une écriture contemporaine. L’humeur est bestiale :  la Création du Monde de Darius Milhaud, Le Bestiaire ou Cortège d’Orphée de Francis Poulenc et Histoires Naturelles de Ravel s’enchaînent, ponctués par différentes créations de Pascal Zavaro, le Bestiaire disparu (2013) dont le drôle objet de composition s’intéresse manifestement à faire revivre musicalement des animaux disparus comme le crapaud doré du Costa Rica ou le loup de Tasmanie ; et Bestaire Chimérique, création mondiale, composée à partir de textes d’auteurs aussi éclectiques que Francisco Goya, Marco-Polo ou encore Gustave Flaubert, pour ne citer qu’eux.

Si la thématique est originale, l’interprétation, souvent grave, ne parvient pas à trouver l’effervescence si appréciable de ce répertoire, le tout s’enchaînant dans une ambiance tendant parfois à l’alourdissement. Difficile de s’y retrouver parmi les compositeurs et les animaux, vivants ou morts. L’écriture de Pascal Zavaro, qu’on a connu plus inspirée, ajoute à ce programme ses contrastes et jeux rythmiques, notamment dans Bestiaire chimérique, apportant un réel piquant à l’ensemble. La qualité de la performance des duos du Bestaire des animaux disparus par la violoniste Magdalena Sypniewski et le violoncelliste Alexis Derouin est par ailleurs à noter.

La direction de Julien Masmondet parvient à trouver un son cohérent et coloré, sans pour autant transcender l’ensemble. Certains déséquilibres sont néanmoins peut-être à mettre au compte de la prise de son légèrement trop étouffée, dont on comprend qu’elle doit masquer l’acoustique difficile de la nef.

Écouter Stéphane Degout reste en revanche toujours un réel plaisir.  L’oreille se délecte toujours de la richesse et de la résonance du timbre du baryton. D’une force terrible dans Schubert lors de son précédent concert capté, il confirme ici qu’il maîtrise également la mélodie française. La prononciation est impeccable, l’articulation raffinée. S’étant déjà fait remarquer dans un enregistrement d’Histoires Naturelles en 2017, il sait utiliser ici ajuster sa puissance pour surplomber les arrangements – intéressants par ailleurs – d’Anthony Girard.  

Il est toujours difficile d’apprécier une performance à travers un écran qui – faut-il vraiment le rappeler ? – n’offrira jamais une réelle compensation du regard. Comme pour les autres visionnages de concert, nous n’avons qu’une hâte, retrouver les Apaches sur leur terrain de jeu de prédilection : la scène !

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Autre ruse qui ne se justifie pas totalement : le recours aux projections vidéo, non pas simplement en fond de scène, mais sur un tulle qui, pendant toute la première partie, sépare les interprètes du public. Le truc paraît vite un peu gratuit, et l’iconographie ainsi proposée n’apporte pas toujours grand-chose à notre perception des œuvres. Nous montrer le visage des compositeurs, soit, mais à quoi bon ces silhouettes floues qui tendent interminablement leurs mains devant elles ou l’une vers l’autre ? Heureusement, la deuxième partie se dispense de ce procédé.

Laurent Deleuil amuse beaucoup le public par son interprétation des Ludions de Satie, tant par l’absurdité des poèmes de Léon-Paul Fargue que par le côté faussement pompeux ou naïf de leur mise en musique. Pour la création de Pascal Zavaro, le baryton n’intervient pas dans chacune des six parties : le quatuor est seul pour « Aulnes », réminiscence grinçante du célèbre lied de Schubert, comme pour « Oyseaux », qui convoque aussi bien Janequin que le Ravel des Chansons madécasses. Dans les autres pages, Laurent Deleuil chante des textes signés Ravel ou Stravinski, la dernière partie, dédiée à Léon-Paul Fargue, lui offrant davantage l’occasion de donner de la voix.

Après l’entracte, Fiona McGown poursuit avec les Trois Poèmes de Stéphane Mallarmé le parcours ravélien sur lequel la soirée s’était ouverte. Cette fois, ce n’est sans doute pas par ruse mais, devant la complexité de cette partition, l’interprète semble avoir décidé d’émettre de fort beaux sons sans chercher à les unifier en des phrases accentuées : certes, les vers de Mallarmé ne sont pas ce qui se fait de plus limpide, mais d’autres ont su les chanter en donnant à entendre un véritable texte. Avec Lyrique japonaise de Stravinsky, à la prosodie peu naturelle, le problème n’est plus aussi sensible. Se pose en revanche la question de la « mezzo-sopranéité » : si le timbre n’est pas particulièrement sombre, les aigus sortent de manière assez désagréable. Par chance, les Chants hindous conviennent beaucoup mieux à Fiona McGown, qui en livre une version sans reproche.

Fallait-il aussi demander à Didier Sandre, excellent comédien au demeurant, de déclamer des poèmes en plus de la musique, à côté des œuvres interprétées ou, et c’est là que ça se gâte, par-dessus celles-ci ? N’est-ce pas un traitement un peu cavalier à réserver aux deux extraits des Miroirs de Ravel ? Par la suite, l’accord semble plus judicieux entre les poèmes de Mathias Enard sur Beyrouth et ce que joue au luth Damien Pouvreau, même s’il n’y a pas grand rapport entre ces textes et les poèmes du même Mathias Enard qui ont inspiré trois compositeurs, Fabien Touchard, Jules Matton et Fabien Cali, ce dernier étant le seul à reprendre un effectif instrumental proche de celui de Ravel, Stravinsky et Delage. Et contrairement à ce que pouvait laisser croire le programme, une seule de ces trois compositions associe voix parlée et voix chantée, quand Fiona McGown se mue en écho bouche fermée.

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M. Heyse, E. Pancrazi, L. Deleuil, A. Gass © DR

Pour donner à voir ces deux œuvres dont l’intrigue se déroule dans des lieux multiples, voire simultanés, Catherine Dune opte pour un décor composé d’éléments mobiles, le plus souvent déplacés par les chanteurs eux-mêmes. L’humour des deux actes est traduit à merveille par le jeu d’acteurs, surtout dans Trouble in Tahiti où les trois membres du « chœur » adoptent des allures d’automates et des sourires figés et niais furieusement Fifties. En fosse, Julien Masmondet dirige avec l’indispensable sens du rythme qui permet aux œuvres d’avancer (même quand Bernstein s’attarde un peu sur le thème larmoyant du beau jardin qui nous attend de l’autre côté de la barrière). La quinzaine d’instrumentistes que compte l’ensemble Les Apaches produit sans doute bien assez de son, mais les chanteurs, eux, sont visiblement sonorisés.

Triomphe incontesté pour Eléonore Pancrazi qui cumule les deux rôles les plus gratifiants de la soirée, et qui recueille une salve d’applaudissements pour son interprétation phénoménale de l’air où Dinah évoque le fameux film Trouble in Tahiti qu’elle est allée voir seule dans l’après-midi (et qu’elle reverra le soir même avec son mari). Laurent Deleuil reçoit une part méritée des acclamations, Bernstein ayant réservé à Sam un air où peut briller ce personnage qu’on nous montre ici comme tout droit issu de l’univers sexiste de Mad Men. Charmante découverte avec la soprano Morgane Heyse, exquise Mikako dans l’œuvre de Pascal Zavaro, et assez hilarante dans le Bernstein. Les deux autres chanteurs n’interviennent pratiquement que dans les ensembles, mais tiennent leur rôle avec une redoutable efficacité, qu’il s’agisse du ténor aigu André Gass ou du baryton Philippe Brocard. Ne manquez pas les prochaines représentations de ce très réjouissant spectacle (à l’Athénée jusqu’au 14 juin).

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