Triple triomphe des frères Alagna

Le Dernier Jour d’un condamné - Avignon

Par Fabrice Malkani | dim 09 Mars 2014 | Imprimer
 
Quatre ans avant le succès de Claude, opéra de Thierry Escaich sur un livret de Robert Badinter d’après Claude Gueux de Victor Hugo (voir recension de la création à Lyon), les frères Alagna avaient déjà eu l’idée d’un opéra contemporain inspiré de l’œuvre du poète, et plus particulièrement de son réquisitoire littéraire contre la peine de mort, Le Dernier Jour d’un condamné. Sur un livret efficace et percutant, habilement coécrit par Roberto, David et Frédérico Alagna, David Alagna a composé une musique belle et forte, bouleversante de lyrisme et de noirceur à la fois, parfaitement adaptée à la prosodie de la langue française si bien servie au chant par Roberto Alagna. On ne peut que rester confondu que cette œuvre ne soit pas encore davantage connue, et il faut rendre hommage à l’Opéra Grand Avignon de l’avoir programmée cette année pour sa création scénique en France. Rappelons que Le Dernier Jour d’un condamné a été créé en 2007 en version de concert au Théâtre des Champs-Élysées, et que sa création scénique à l’Opéra de Debrecen, en Hongrie, date de 2009.
La mise en scène de Nadine Duffaut est d’une intelligence et d’une lisibilité exemplaires, donnant à voir l’essentiel tout en laissant place à l’imaginaire et à la réflexion du spectateur. Point de querelle ici entre le choix d’une représentation « traditionnelle » et d’une relecture contemporaine : c’est la juxtaposition, et même, à la fin, l’interchangeabilité de l’ancien et du moderne qui prévaut, puisque la question de la peine de mort reste – hélas ! – d’actualité. Deux parties mobiles et pivotantes de la scène permettent de présenter la paille humide du sombre cachot du XIXe siècle où croupit le condamné, et la salle carrelée de blanc où attend une condamnée du XXIe siècle, dans le dénuement et la solitude. Plus tard, de rapides mouvements rotatifs permettent d’ouvrir la cour de la prison où les condamnés aux galères perdent leur identité pour devenir des forçats indifférenciés, sous la pluie et les quolibets des gardiens.
Les décors d’Emmanuelle Favre, les costumes de Katia Duflot sont justes et sobres. Le texte adapté de Victor Hugo est distribué entre l’homme blanc et la femme noire, le premier plongé dans le noir, la seconde aveuglée par la lumière blanche, avec des effets subtils de clair-obscur à porter au crédit de Philippe Grosperrin. La fugace apparition de la mère, de la femme et de la fille du condamné font place, pendant l’intermezzo – d’une écriture exigeante et d’une grande richesse de coloris –, à la projection d’un film muet, tandis qu’à la fin, lorsque le condamné à la guillotine et la condamnée à l’injection létale échangent in extremis leurs places et leurs univers, les deux enfants, l’une noire, l’autre blanche, se jettent au pied de leur mère/père exécuté-e, dans un cercle lumineux. Belle idée aussi de faire prononcer les premières paroles, en texte parlé, de la condamnée, en américain (alors que l’ensemble du livret est en français) pour donner aux mots leur valeur d’actualité.
Chacun des deux actes est précédé de l’intervention d’une oratrice, version féminine d’un Hugo rhéteur aux accents parfois emphatiques, accompagnée par l’éloquence d’un violon : Catherine Alcover, qu’accompagne à l’instrument Corinne Puel, commence à dire son texte au milieu du public, comme membre du peuple souverain, avant de réapparaître sur la scène, lieu de la médiation artistique (et de l’éducation esthétique), puis dans une loge du théâtre à l’italienne, lieu du pouvoir. En ces trois endroits résonnent le texte et la musique, à la manière de prologues monteverdiens, avant l’action dramatique.
Sur scène, la présence de Roberto Alagna est intense, la voix semble plus que jamais puissante et débordante de lyrisme, la diction parfaite donne à la moindre syllabe une portée singulière. Adina Aaron est une partenaire idéale, avec un art consommé de la projection, des aigus radieux, une longueur de souffle mise au service d’une poésie poignante. À la densité de la composition orchestrale se joint l’art de la fusion du texte et de la musique – par exemple l’utilisation des sons mouillés (« réveiller », « tressaillir ») dans la mélodie, qui rappelle Massenet. Et il y a du Werther dans ce condamné.
On ne peut tous les citer, mais l’ensemble des interprètes contribue au succès de cet opéra, depuis le juvénile friauche à la voix souple et sonore du baryton-basse Christian Helmer jusqu’au vieux prêtre interprété avec une sobre solennité par Jean-Marie Frémeau. Les Chœurs de l’Opéra Grand Avignon et de l’Opéra de Tours réunis donnent avec talent corps et voix aux foules (peuple, forçats, badauds), important contrepoint des figures solitaires des condamnés.
Balàzs Kocsàr dirige avec passion cette musique aux accents parfois romantiques mais jamais complaisante, délibérément tonale mais usant aussi de dissonances, et l’Orchestre Régional Avignon-Provence fait entendre les gouffres qui s’ouvrent et les rayons d’espoir.
C’est un triomphe pour l’ensemble des artistes, particulièrement pour le couple des condamnés, héros de cet opéra à deux voix qui leur ménage de beaux moments lyriques et à chacun un grand air, justement et chaleureusement applaudi. C’est enfin le triomphe des trois frères Alagna, car le librettiste, le compositeur et le chanteur, on le perçoit d’emblée, ont travaillé étroitement, de manière solidaire et proprement familiale, à l’équilibre du texte, de la musique et du chant lyrique. On ne peut que souhaiter à cette importante création contemporaine de connaître plus largement encore le succès qu’elle mérite incontestablement.
 
 
 
 

 

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