Absolument ! Le Lied n’est pas un genre très populaire et je crois qu’il est très important de le remettre au cœur des programmations de concerts. Si on examine les programmations des grandes salles de concerts, on s’aperçoit qu’il y a très peu de Lied. Heidelberg est une ville qui entretient des liens étroits avec le genre du Lied. C’est à Heidelberg qu’a été écrit « Des Knaben Wunderhorn » (1805) que Mahler mettra ensuite en musique, c’est à Heidelberg que Schumann a étudié le droit… L’idée était donc de partir de cette tradition pour promouvoir le Lied. Le Liedzentrum avait déjà mis des choses en place pour les interprètes, avec le Concours « Das Lied » et l’Académie, mais il n’y avait encore rien pour le public. C’est pour cela que le Festival a été créé.

Cette année, le thème du Festival est « Brahms ou le désordre du Lied ». Pourquoi le travail de Brahms inspire-t-il un tel désordre ?

C’est une thématique intéressante. Schubert travaillait par cycles, par opus. Dans son œuvre, on identifie des séries de Lieder qui sont interprétés selon un ordre défini par le composteur lui-même. Brahms avait une vision différente. Il a composé quelques cycles, bien sûr, mais aussi des centaines de Lieder qui ne s’inscrivent dans aucune série et cela a peut-être un lien avec la relative méconnaissance des Lieder de Brahms. En effet, ils ne sont pas très présents au répertoire. On connaît certains Lieder mais, globalement, son travail n’est pas très populaire. En réfléchissant aux raisons de cette relative impopularité, il nous est apparu que le désordre de ces Lieder était peut-être un facteur explicatif important. Le public n’a pas de boussole pour s’orienter dans les Lieder de Brahms. Le travail de programmation  a donc une importance capitale pour que s’opère la rencontre entre Brahms et le public. J’adore ce titre.

Justement, comment combiner ce désordre et une certaine cohérence dans la programmation ?

Tout part d’un travail avec les artistes. Sans ordre préétabli imposé, d’une certaine manière, par le compositeur lui-même, il faut travailler avec des idées et se demander comment on veut présenter les Lieder. C’est à la fois simple parce qu’il y a peu de contraintes et très difficile. Par exemple, quand on a  programmé les Volkslieder, même s’il y a un ordre qui est déjà suggéré, il reste important de se demander si cette présentation est bien pertinente. Dans d’autres cas, les artistes souhaitent explorer un thème, s’affranchir des groupes et essayer de mettre côte à côte des pièces qui n’étaient pas destinées à être jouées au cours d’un même concert. Le genre du Lied, singulièrement chez Brahms qui en a composé beaucoup mais sans les organiser lui-même, permet de se poser ces questions passionnantes.

À propos de recherche et d’idées, le Festival a aussi une dimension pédagogique centrale.

En effet. Quand j’ai décidé de travailler sur le Lied, il était évident qu’il était très important de travailler avec des jeunes car ce sont eux qui doivent convaincre le public de s’intéresser au Lied. Thomas Hampson, qui dirige l’Académie et a donné plusieurs masterclass publiques au cours du Festival, est un professeur extraordinaire. L’idée de l’Académie n’est pas de donner des leçons de technique, mais plutôt de s’intéresser à l’interprétation. Les Lieder, ce sont des histoires.

En parlant d’interprétation, dans le Lied, le texte est central et, en particulier, le texte allemand. Cette dimension a-t-elle une incidence sur la fréquentation du Festival ?

La question du rapport au texte et à la langue est très intéressante. Les Anglais et les Asiatiques, par exemple, connaissent très bien les textes, parfois mieux que le public allemand. Mais le Festival est encore jeune et il faudra encore attendre avant de pouvoir parler d’un véritable rayonnement international. Le Festival de quatuor à cordes – également organisé par le Heidelberger Frühling – est international, le public vient du monde entier, alors que c’est vraiment un Festival de niche, comme l’est le nôtre. Mais le texte reste un problème qui induit une certaine distance avec le Lied et qui ne se pose pas concernant la musique instrumentale. Le texte, ce n’est pas qu’une histoire. Il faut aussi connaître les images qui sont derrière le texte. C’est souvent difficile. La langue pourrait être un obstacle mais j’espère que nous pourrons attirer un public international… mais nous achevons seulement la troisième année ! Ce serait déjà formidable que le public vienne, dans un premier temps, de Suisse, d’Italie, de France, de Belgique…

Et au sein de l’Académie, quelle place est accordée au texte ? Y-a-t-il aussi des études culturelles et littéraires qui vont au-delà de la simple question de la prononciation, tous les étudiants n’étant pas germanophones ?

L’Académie est vraiment internationale. Nous avons des étudiants du monde entier. Pour les francophones, les anglophones et encore plus pour les russophones, par exemple, l’appréhension du texte est un véritable enjeu et, souvent, c’est très difficile. De plus, il est important d’avoir une bonne connaissance du contexte historique, de comprendre les métaphores… « Nachtigall », ce n’est pas seulement un rossignol ; « Wald », c’est plus que simplement la forêt… Il y a beaucoup de choses à saisir dans le contexte romantique. Nous essayons donc de transmettre tout cela aux étudiants : une attention extrême à la prononciation, bien sûr, mais aussi les outils théoriques qui permettront une interprétation au sens le plus complet du terme.

Y-a-t-il des liens entre le Festival et le Concours Das « Lied » ?

Oui, bien sûr. Les deux structures sont indépendantes mais le Festival, l’Académie et le Concours entretiennent des liens étroits. Les lauréats sont régulièrement invités au Festival. Cette année, par exemple, le lauréat de la dernière édition du Concours, le ténor Tae Hwan Yun, s’est produit au début du Festival. Ces institutions mobilisent surtout des jeunes artistes et c’est important de travailler ensemble.

Par ailleurs, le Festival, le Concours, l’Académie et le Lied.lab dépendent tous du Heidelberger Frühling Liedzentrum, fondé en 2016 et qui a vocation à s’affirmer comme un centre d’excellence dans le domaine du Lied. Tout cela crée de belles synergies. Thomas Hampson qui dirige l’Académie travaille régulièrement avec Thomas Quasthoff, fondateur du Concours, qu’il appelle d’ailleurs son collègue de Heidelberg.

Pour finir, un mot sur l’édition 2025 ?

Elle aura lieu fin mai 2025 et j’aimerais faire quelque chose autour du centenaire de Dietrich Fischer-Dieskau qui est, bien sûr, le maître incontesté du genre du Lied. C’est intéressant parce que le monde a beaucoup changé et, d’une certaine manière, Fischer-Dieskau représente encore l’ancien monde, alors que beaucoup de jeunes artistes ont une approche très différente. Quand Fischer-Diskau interprétait des Lieder, le public savait déjà à quoi il allait assister. Aujourd’hui, d’une part le public connaît moins le répertoire du Lied et, d’autre part, les jeunes chanteurs ont des idées différentes sur la manière d’établir un programme. Certains restent évidemment traditionnels, et c’est très bien, mais d’autres artistes essaient d’autres choses, des choses auxquelles personne n’aurait pensé dans ce que j’appelle « l’ancien monde ».

Dans ce « nouveau monde », où le Lied ne doit plus nécessairement être en allemand, plus nécessairement être accompagné au piano… est-ce qu’on fait encore du Lied ?

Il reste plein de choses à découvrir et à essayer. C’est cela qui est excitant.

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À mon retour, en faisant quelques recherches sur cet air, j’ai trouvé une pépite. Les lecteurs qui, comme moi, ont un penchant coupable et une certaine tendresse pour le kitsch qui s’assume involontairement seront désormais un peu plus heureux.

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Dans le cadre singulier du Völkerkundemuseum, charmant îlot niché entre la vieille ville et le Neckar, le Lied.LAB consistait en une déambulation musicale dans un musée où les animaux fantastiques évoqués au répertoire dialoguaient tantôt avec les animaux singuliers – inventés, transformés – peuplant le bâtiment, tantôt avec de vrais oiseaux qui, dans le jardin, apportaient un contrechant harmonieux. Heureux hasard. Guidé dans le musée au son étonnant de la flûte de pan (Amalia Nicolau), le public rencontrait un vaste bestiaire où se côtoyaient Ravel, Barber, Debussy, Schubert, Schumann, Wolf, Offenbach, Mahler, Mendelssohn…. Accompagnés tantôt au piano (Jong Sun Woo et Teodora Oprișor), tantôt à l’accordéon (Nico Gutu), Katja Maderer (soprano) et Giacomo Schmidt (baryton, alumnus de l’Académie) formaient des guides et des musiciens convaincants, tant sur le plan vocal que sur le plan expressif. Le baryton en particulier, outre un timbre texturé et prometteur, se distinguait par une approche narrative particulièrement aboutie et une prononciation du français irréprochable (ce n’est pas sa langue maternelle).

Le concert de clôture de la Liedakademie marquait en même temps la fin du Liedfestival, signe de la place centrale que ce dernier accorde à la formation des jeunes chanteurs et chanteuses. Du reste, si des masterclass étaient dispensées au cours du festival, le travail de la Liedakademie n’est pas restreint à la durée du festival mais occupe les étudiants une année entière. Aussi, ils ont l’occasion d’aborder le Lied dans une complexité qui inclut les aspects musicaux et des aspects historiques ou littéraires, permettant ainsi une interprétation au sens le plus complet du terme.

Lors de ce concert, intitulé « Heidelberger Wunderhorn », trois sopranos (Aiko Bormann, Michèle Bréant et Leonie Paulus), quatre mezzosopranos (Luzia Ernst, Catalina Geyer, Sina Günther et Maria Tilibtsev), un baryton (David Kennedy) et trois pianistes (Anna Gebhardt, Lucas Huber Sierra et Wan-Yen Li) ont gratifié le public d’un programme principalement allemand – Lied oblige –, avec quelques incursions en France, aux Etats-Unis, ou encore en Russie. Globalement, la soirée est d’excellente tenue. Quelques saillances sont à signaler : le « Widmung » de Sina Günther révèle une belle maîtrise du texte et du placement de celui-ci au service d’un son homogène et rond ; le « Unbewegete laue Luft » de Luzia Ernst est très intériorisé mais s’anime subtilement, notamment grâce à l’excellent accompagnement d’Anna Gebhardt ; dans « An die Nacht », Leonie Paulus révèle des aigus colorés, riches, voire chatoyants et une maîtrise parfaite de sauts d’intervalles périlleux ; le « Violon » de Catalina Geyer surprend par une interprétation qui glisse comme l’archet sur les cordes ; le « Frühlingsfluten » de Maria Tilibtsev est somptueux, le timbre se révèle ici riche en harmoniques, comme un feu d’artifice néanmoins raffiné et maîtrisé ; en plus d’un timbre clair et d’une projection sûre, David Kennedy se révèle facétieux dans un « The Compleat Virtuoso » dont la réussite tient d’abord aux qualités narratives qui y sont déployées… 

La soirée se clôt par un second bis collectif, « Ich hab’ mein Herz in Heidelberg verloren ». C’est dire l’attachement des jeunes chanteuses et chanteur pour une ville qui, désormais, symbolise peut-être davantage l’avenir du Lied que son histoire.

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D’emblée, l’harmonie des timbres est une évidence. Les voix se superposent et leurs souplesses individuelles forment une pâte sonore homogène qui sert une interprétation globalement cohérente. On relève tout de même des fins de phrases qui s’achèvent différemment (elles sont tenues un peu plus longtemps par la mezzo dans « So wahr die Sonne scheinet ») et un équilibre parfois instable en début de concert, la mezzo couvrant par exemple franchement le baryton dans « Wenn ich ein Vöglein wär’ ».

La voix pleine, colorée et très riche en harmoniques de Patricia Nolz permet une approche vocalement engagée qui, parfois, verse dans un lyrisme qui tient d’abord de l’opéra. Dans « Über die Heide », le legato est parfait mais la maîtrise technique ne suffit pas à freiner un élan sans doute trop ardent en fin de pièce. D’une manière générale, l’interprétation est relativement homogène et tranche à cet égard avec les propositions de Florian Bœsch qui, lui, excelle dans l’art du contraste, du récit, en un mot, du Lied.  La projection impeccable du baryton lui permet de couvrir un spectre de nuances infini, servant une interprétation qui touche la perfection. L’approche est narrative, l’enjeu n’est jamais la démonstration vocale. En un mot, Bœsch raconte des histoires. D’ailleurs, il n’hésite pas à détimbrer ou à verser dans un piano à la limite de l’audible. Dans « Sonntag », le jeu sur les consonnes et les articulations (« Das tausendschöne Jungfräulein, Das tausendschöne Herzelein ») est jubilatoire, alors que dans « Schwermut », il passe par toutes les nuances de la palette expressive en moins de deux minutes.

Le propos est vaillamment soutenu au piano par Andreas Fröschl qui est un accompagnateur remarquable, bien que certaines intentions exprimées à la fois par le piano et le chanteur ou la chanteuse manquent de cohérence (mais est-ce nécessairement de la faute du pianiste ?). Du reste, un excès de pédale noie trop souvent la lisibilité de l’accompagnement.

Le Lied est un genre qui demande un degré de raffinement expressif et de compréhension des pièces exceptionnels. Malgré quelques réserves, le récital du 15 juin dernier en incarnait, à bien des égards, la quintessence.   

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Aux compositeurs que l’on retrouve avec bonheur mais sans surprise dans une programmation de Lieder (Schubert, Viardot, Massenet), sont jointes quelques découvertes (Detlev Glanert, Hans Abrahamsen, Cassandra Miller, Laurie Anderson) et l’un ou l’autre satellites qui forment avec la programmation d’heureuses constellations (John Dowland, Sasha Scott, Bob Dylan).

Le timbre chaud, rond et comme velouté d’Ema Nikolovska se prête sans difficultés à toutes les métamorphoses. Admirable chez Dowland et Schubert, elle n’a de cesse d’expérimenter. Si l’accompagnement à la guitare dans « Come again » du premier s’impose comme une évidence, tel n’est a priori pas le cas dans « Einsamkeit » du second où, du reste, les musiciens recourent aussi à la guitare électrique et au piano à bouche. Le résultat impose pourtant l’adhésion. D’une manière générale, les phrases sont parfaitement dirigées et le placement de la voix est toujours remarquablement ajusté au texte. Un mot anodin comme « hinein », dans le « Lied der Wehmut » de Glanert, est, en soi, une leçon de chant : pour habiter vocalement ce mot qui comprend deux phonèmes qui devraient induire un changement de placement vocal abrupte (le premier étant placé très en avant, le second très en arrière), la chanteuse passe par toutes les positions du masque avec une fluidité et une homogénéité déroutantes. À partir de ce mot, elle forme une unité chatoyante, pleine d’harmoniques ; un détail d’une richesse musicale inouïe. Dans la « Habañera » de Thomas Adès, elle nasalise et joue avec la vulgarité et l’humour du texte, tandis que dans « Blanca », du même compositeur, elle démontre une maîtrise technique irréprochable (attaques dans l’aigu, son plein et comme absent en même temps, sens du phrasé, projection…).

À un programme par lui-même expérimental, s’ajoutent quelques audaces musicales – audace si l’on se rappelle que le public est celui d’un Festival de Lieder, public pointu donc qui, s’agissant de Schubert ou Brahms, connaît souvent texte et musique par cœur. Création allemande, « 1000 pieces of you » de Sasha Scott (présente lors du concert) mobilise des moyens électroniques allant de la guitare, aux sons générés par ordinateur ou à l’enregistrement/réemploi en direct. Dans « Aimez-moi » de Pauline Viardot, la chanteuse lyrique s’empare du micro et, en fin de concert, le « Masters of War » de Bob Dylan offre un moment flottant où, à nouveau, certains enregistrements en direct permettent d’apporter à la pièce une dimension singulière.

Le pari d’une telle programmation était certainement risqué. Le résultat, cohérent, extrêmement maîtrisé et jamais provocant a été chaleureusement reçu. Le Lied a encore de beaux jours devant lui.

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